"Nach jahrelanger Labelwanderschaft scheint Lucinda Williams bei Lost Highway eine gute Heimat gefunden zu haben, die ihr ermöglicht, ihre Kunst ohne die gewohnten längeren Pausen (teilweise 8 Jahre) unters Volk zu bringen. Dass man ihr scheinbar bei den Aufnahmen freie Hand lässt und sie nicht, was bei dem US-Mediarummel eigentlich auf der Hand läge, in Richtung Mainstream trimmt, muß man den Labelmachern ebenfalls hoch anrechnen.
Denn eingespielt wurde das Album mit Mark Howard, Sidekick von Daniel Lanois und tonagebend bei Bob Dylan´s Meilenstein-Produktion "Time Out Of Mind". Der hat eine alte Villa zum Studio umgebaut (Vic Chesnutt hat dort gerade aufgenommen) und schneidet die Bands nun durchweg live im Wohnzimmer mit. Gerne wird auch der erste Take genommen- Die Band hier besteht nun nicht aus den üblichen Session-Freaks (Leisz, Heffington, Glaub), sondern aus der tourgestählten Roadband, wobei Leadgitarrist Bo Ramsey wegen eigener Termine nicht mal im Studio zugegen war. So klingt "World Without Tears" rauher, erdiger und direkter als "Essence", die Nervenenden liegen sozusagen frei. Bei "Bleeding Fingers" rockt es Stones-like und "Atonement" klingt beinahe wie `ne Blue Cheer-Single auf 33 rpm. Das muß nicht unbedingt sein und bleibt auch der einzige Song, der hier nicht wirklich funktionieren will. Die anderen 12 sind Lucinda Williams auf gewohntem Niveau. Die Mischung aus herzbrecherischen Balladen, auf kleiner Flamme köchelnden Midtempo-Rockern und herzhaftem Hinlangen ist so gewohnt wie gelungen. Songwriting, Stimme, Band, Produktion - kein Grund zu klagen. Das freut den Fan, denn das hätte auch alles ganz anders kommen können." (Glitterhouse)

"It's been 23 years since two consecutive Lucinda Williams releases shared the same record-label credit. That changes now when she chases her 2001 Lost Highway debut, Essence, with World Without Tears. The new CD is also her quickest follow-up since 1980, when she succeeded Ramblin' (1979), her cover-laden debut, with Happy Woman Blues (both were issued on Smithsonian Folkways).
Williams has led a turbulent career, one that includes seven record labels and gaps as long as eight years between releases. Her personal life has followed suit, as she has lived in Louisiana, Tennessee, Arkansas, Santiago/Chili, and Burbank, CA, where she now resides. What has remained a sheer constant throughout her career, however, is the near-universal critical adoration her releases have gathered - especially her two most recent efforts, 1998's Car Wheels on a Gravel Road and 2001's Essence.
This time around, Williams opted for producer Mark Howard, Principally because of his previous work engineering Bob Dylan. She is joined by current touring partners Doug Pettibone (guitar), Jim Christie (drums, percussion, keyboards), and Taras Prodaniuk (bass). "A lot of my decisions was based on the records he'd done before," Williams says of Howard. "I loved the production on Time Out of Mind - I was thinking about that stylistically." He is also credited with engineering U2's All That you Can't Leave Behind, Willie Nelson's Teatro and Dylan's Oh Mercy.
Williams and her band - minus Charlie Sexton, who is on tour with Dylan, and Bo Ramsey, currently involved with other projects - holed up with Howard at the Paramour Estate, located in Silver Lake, CA. Work began in September 2002 and concluded at the end of October. Says Williams of the Paramour: "It's an old 1920s mansion this woman has been restoring. [We recorded in] a big, open space with a fireplace… back in the day, they would entertain in there with singers and magicians, so it's got a very acoustic feel. We did the record in that one room, all live. She adds, "The rough mixes sounded good; I didn't change much. I didn't even overdub and vocals, which amazed me. Generally, we did about three takes, then picked from that. This is a first for me, to do a whole record live and not fix anything."
Williams, who turned 50 in January, developed the majority of songs while touring in support of Essence, though few are derived from before and after that period. "Words Fell," the final track, was originally intended for Essence, while "World Without Tears" and " People Talkin'" were the last two she wrote. "I don't have a preconceived notion behind what I'm going to do," she explains. "It's pretty spontaneous and instinctual. Greg Sowders over at Warner Chappell, my publishing company, said, 'You need to write a rock record. This could be your Exile on Main Street.' Sexton is another one - 'You need to make a Tom Petty kind of record.' That's hard to do for me; the ballad thing is a lot easier. Then, lo and behold, the songs started coming out like that. I don't know exactly how it works, because if I could do it (on command), I would've done it before."
"Bleeding Fingers" has the strongest rock base in the repertoire, though Williams likens other tracks to The Band ("People Talkin'"), The Doors ("American Dream"), and ZZ top meets Howlin' Wolf ("Atonement"). Because she had already integrated several of the songs into her live set, Williams headed into the studio with many of the arrangements already intact. One exception, however is, "American Dream," which depicts strip-mine workers and heroin-addicted Vietnam vets. The track includes some rarely used Wurlitzer effects by drummer Christie. "I've never been fond of the real keyboard sound that much," she says. "But I loved the sound Dylan had on Highway 61 Revisited. The 'American Dream' loop is something Jim did spontaneously when we first started rehearsing the song. I'd written a melody in head, but we didn't know how we were going to approach it. He wrote the loop, then the band fell into place. It reminds me of Marvin Gaye or something… it's got that 70's element."
Another more experimental track is "Words Fell," a song about reincarnation that closes the album. "We used a radical approach n which no one played guitar. Taras plays the upright bass, Jim drums and Doug pedal steel. At first I thought, 'God, this isn't going to work, it's way too sparse.' But it grew on us, and we fell in love with it. That was what was so great about the recording process - we could allow spontaneous things like that to happen, and Mark is real open-minded about trying new things." Rock oriented tracks aside, "Atonement" bleeds into blues zones - appropriate, Williams maintains, for the religious content it deals with. She calls it angrier that "Get Right with God," elaborating as follows: "That's about what I saw going around me in Tennessee for nine years, where they don't ask you if you go to church, they ask which church you go to. That song is going to cause a certain amount of backlash, I think, because people will either think I'm wailing against organized religion or I've become a born-again Christian. It's wailing against organized religion."
Mirroring her own vagabond past, the album also draws upon other places on "Ventura" ("Out on the coastline, maybe Ventura / Watch the waves make sounds out on the water") and "Minneapolis" ("I can always trace it back / To that night in Minneapolis".
On the other end of the spectrum, "Sweet Side" is a stark portrait of child abuse: "No one heard your screams when you were nine / You were screamed at and kicked over and over / Now you always feel sick and you can't keep a lover / Every Christmas there were things to unwrap / But what you witnessed when you were five-and-a-half."
It is common knowledge that Williams is the daughter of poet Miller Williams, who read at President Clinton's second inauguration, and that her godfather is George Haley, brother of Roots author Alex. But it is less well known that, after completing lyrics to each of her albums, Williams turns them over to her father for his stamp of approval. "That's how I've learned for years," she reveals. "It's like an apprenticeship. He's also an editor, so he'' really good at cutting out the riff-raff. He'd make a lot of suggestions in the past, and would improve my writing immensely. But this time I sent him the songs and he didn't have anything to say except, 'This is the closest thing to poetry you have ever done.' So I said, 'Does that mean I've graduated?"
While Williams doesn't plan on heading back to the studio anytime soon, she does acknowledge the relatively short length between her latest two efforts: "I'm on a roll!"

“The Thorns ist wohl das charmanteste, warmherzigste und einschmeichelndste Stück Musik, das seit den frühen tagen von Crosby, Stills & Nash, Eagles oder Poco aus diesem gesegneten Teil der Welt zu uns rübergekommen ist. Die 13 Songs bestechen durch detailliert ausgearbeitete Gesangsharmonien und geradezu pathologische Melodieseligkeit.“ (Musikexpress. 5 Sterne)

Man taucht nach einem etwas hölzernem Opener in die schwelgende songseligkeit von "From Your Favourite Sky", um gleich danach mit dem schmissig eckigen "Life In A Day" wieder auf den Boden der Tatsachen zu gelangen, gefolgt vom nächsten leisen Heuler "Here From The World". Und so geht das unentwegt weiter. John Harold Arnold Bramwell, so der volle Name des Genies hinter I Am Kloot, hat nichts von seiner Inspiration eingebüßt. Inbrünstig und mit Ironie gebeizt berichtet der Lebenskünstler vom mühevollen Dasein mit sich und anderen. Es gibt Alben, die hört man am liebsten alleine, mit denen möchte man intim sein. I Am Kloot ist eines davon. Augen zu und rein. (Felix von Vietsch, amazon)

I Am Kloot's self-titled sophomore album is an absolutely gorgeous expansion of the dark and fractured sound of the band's debut. Where John Bramwell and company explored twisted love and regret on the relatively sedate and folk-oriented Natural History, I Am Kloot explodes with scuzzy epic rock guitars and jagged basslines, adds ornate backing instrumentation, and fleshes out its songs until they bleed anthemic charisma and emotion. Producer Ian Broudie offers a hand at the production desk, providing a welcome sheen closer to his work with Echo & the Bunnymen than his own Lightning Seeds material. The album feels every bit a grand coming-out party on par with the Verve's Urban Hymns, where that band kicked its art into overdrive. Indeed, fans like the Gallagher brothers of Oasis fame and other A-list artists were seen crawling out of the woodwork to praise I Am Kloot and revel in the group's live shows at the time of this album's release, just as they did with the Verve. If the album's overall sound takes on a more neo-psychedelic and heavier feel than the debut, touching on influences such as the Hollies, the Rolling Stones, and the Beatles, and maybe small doses of Sparklehorse and the Beta Band, I Am Kloot thrives most tellingly here on three superb highlights purely of the band's own creation. Album opener "Untitled No. 1" sets things in motion with a poetic combination of Bramwell's weary, pretty vocals and fascinating inflection, a spooky piano motif, and Andy Hargreaves' shuffling, wonderful drums. "Mermaids" is a chilling slice of sonic perfection as Bramwell's vocals slow to a crawl, a rattle of ghostly chains sits uneasily under pristine slabs of shimmering guitars, and a heartbreaking yet subtle chorus makes the song an instant classic. Immediately following "Mermaids" is the beautiful and rousing ballad "Proof," easily one of the prettiest songs of 2003, and along with "Mermaids" creating surely one of the finest one-two punches in ages. I Am Kloot is a marvel of emotion and mood, hitting zero wrong notes and positioning John Bramwell among the finest songwriters of his time. The album's timeless textures and nostalgic feel are likely to bother some listeners who might claim the music is unfashionable. Such a stance only serves to keep those listeners in the dark to some truly wonderful songs. Creating a masterpiece on its second try, I Am Kloot is earmarked as one of the most interesting bands of its time. (by Tim DiGravina, AMG)

Die ist irgendwie anders. In so ziemlich jeder Hinsicht. Eine der einflussreichsten und am meisten bewunderten Songschreiberinnen des Planeten zu sein und sich dennoch eine sechsjährige Auszeit zu nehmen, ist für Rickie Lee Jones nur auf den ersten Blick ungewöhnlich: zwischen The Magazine (1984) und Flying Cowboys etwa lagen auch fünf Jahre. Während die allerdings beim Tabletten- und Alkoholentzug vergingen, war es diesmal schlicht das Ausbleiben des kreativen Impetus.
Ausgerechnet, so Jones, die Wahl von George W. Bush zum US-Präsidenten habe ihn wieder geweckt. Hört man sich an, was dabei herausgekommen ist, muss man ihm fast danken. The Evening Of My Best Day ist nichts weniger als Neuerfindung der Rickie Lee Jones durch sich selbst, einer Künstlerin, die auch von ihren Fans geliebt würde, wenn sie nur noch lauwarmen Eintopf servieren würde. Das allerdings war Rickies Sache nie. Schon Pirates (1981), ihr zweites Album, brach mit den Ästhetiken ihres selbstbetitelten Debütalbums (1979), um die künstlerische Persönlichkeit der Jones noch deutlicher werden zu lassen. Lieber schlug sie mit dem modernistischen Versuch Ghostyhead (1997) glorios fehl, als stillzustehen.
Locker swingend beginnt das Album mit "Ugly Man", und man merkt es sofort: Rickie hat eine politische Botschaft, die bei "Tell Somebody", einem gospelhaft gestalteten Statement gegen den fatalen Patriots Act der Bush-Administration, noch deutlicher wird. Vor allem die Jazz-Anteile ihrer Musik sind stärker in den Vordergrund gerückt. Der Bläsersatz bei "Ugly Man" erinnert an Charles Mingus (in leise), "Bitchenostrophy" ist ein souliges Selbstzitat -- auf Französisch (!), "Little Mysteries" klingt interessanterweise ein bisschen nach Moloko, "Lap Dog" wie ein einziges, langes Tom-Waits-Zitat. "A Tree On Allenford" könnte mit seiner ergreifenden emotionalen Dichte fast vom Pirates-Album stammen, kommt aber ohne die orchestrale Breitwand aus.
Natürlich hat Mrs. Jones wieder eine kongeniale, virtuos gefühlsechte Musikerriege um sich versammelt, aus der vor allem die instrumentale Stimme von Gitarrist Bill Frisell herausragt, die so genau mit Rickies vokaler ineinander greift, dass man sich fragt, warum die's erst jetzt miteinander machen. Vielleicht war's einfach vorher nicht so weit, wie ja auch The Evening Of My Best Day erst jetzt eins der besten Alben der Rickie Lee Jones werden konnte.(Rolf Jäger, Amazon)

"Es sei das "sonnigste" Album, das sie je gemacht hat, sagt die Protagonistin selber, aber "sonnig" ist nicht unbedingt das erste Wort, das dem Fan bei ihrer Musik in den Sinn kommt. So ist "teils bedeckt" sicher auch der bessere Ausdruck, um "Soul Journey" zu beschreiben und das ist gut so, denn sie ist am besten, wenn sie ihre dunklen Geschichten über ausgedünnten, intensiven Arrangements erzählen kann. Und da ist für Sonne wenig Platz.
Aufgenommen wurden die Songs in verschiedenen Besetzungen, von voller elektrischer Band über kleines akustisches Trio bis zu A Capella-Songs.Gerade letzteres ist ein Novum, denn bislang hatte Gillian Welch zumindest ihre eigene Gitarre oder David Rawlings zur instrumentalen Verstärkung hinter sich. Nun liefert sie hier gleich drei ganz karge, aber umso eindringlichere Alleingänge ab: das Original "One Little Song", sowie die beiden Traditionals "Make Me A Pallett On Your Floor" und "I Had A Real Good Mother And Father".
Die restlichen Songs sind alle mit Bandbegleitung, eine Truppe, die Gillian liebevoll "a reliably unpredictable bunch" nennt: mit Son Volt Bassmann Jim Boquist, Saitenass Greg Leisz, Fiddler Ketch Secor und Gitarrist Mark Ambrose. Alle anderen Instrumente (Gitarren, Drums, Orgel etc.) wurden von Gillian und David eingespielt.
Das ist den früheren Welch Alben in der Stimmung nicht unähnlich, orientiert sich an den alten Country-Folk-Blues-Klassikern, bleibt aber nicht in der Vorkriegszeit stehen. Sie schafft es, alte Folk-Traditionen mit der Moderne zu verbinden und dabei mit unverwechselbarer Stimme atmosphärische Geschichten zu erzählen, in der die Hobo-Poesie eines Woody Guthrie ebenso viel Platz hat wie der Appalachen Folk eines Dock Boggs.
Bei "Wrecking Ball" (nicht der Neil Young Track), dem letzten Stück, entwickelt sich aus einer Art Jam-Session heraus eine elektrisch/akustisches Feuerwerk, dessen Qualität an die magischen Momente zwischen Dylan und der Band erinnert. Eine famoses Ende eines famosen Albums."(Glitterhouse)

by Zac Johnson

Gillian Welch and David Rawlings may, in fact, shock and appall folk purists with their fourth album, Soul Journey. "Are those drums?" "Is that an organ?" "Wait a minute, is that an electric bass?!?" The album uses these musical elements to drive home a living-room, lazy-summertime jam-session feel that hasn't really shown itself on Welch's previous releases. The album's opener, "Look at Miss Ohio," evolves into her toughest rocker since "Pass You By" on her debut, Revival, and the whole album culminates in the relative cacophony of "Wrecking Ball," a drunked-up barroom stumble highlighted by Ketcham Secor's loping fiddle lines and Rawlings' fuzzed-out guitar solo. Between these bookends is a mixed bag of traditional folk songs ("Make Me a Pallet on Your Floor," "I Had a Real Good Mother and Father"), loose blues phrasing ("Lowlands," "No One Knows My Name"), and a number of trademark Welch/Rawlings near-whispered murder ballads and orphan love songs. The thing that shines through most clearly is that the group had a lot of fun making Soul Journey, but that doesn't necessarily translate into a terrific album. Aside from a handful of real solid honest-to-gosh gems, the whole album feels a little too casual and off-the-cuff to stand on equal footing with her other recordings. The choruses often become just repeated phrases over and over again ("Lowlands," "No One Knows My Name," "I Made a Lovers Prayer," and the unfortunate "One Monkey"), and the songwriting seems less developed, as if the initial construction of the song has taken a back seat to the sheer enjoyment of performing it. That being said, it is a wonderful, dusty summertime front-porch album, full of whiskey drawls and sly smiles, floorboard stomps and screen-door creeks. While it does not exactly meet the impeccable standards that her previous three releases set, it is still a fine addition to her discography and well worth listening to all summer long

"The Wind is like an X-ray with a dark shadow that shouldn’t be there and can’t be ignored. Recorded after Zevon was diagnosed in 2002 with inoperable lung cancer, it sounds like the work of a guy who's still fighting, but also starting to wrap things up. Although Zevon is best known for his poison-dart wit, he’s always been a bit of a softie, too. It’s no surprise, then, that The Wind leans heavily on irony-free ballads such as "She’s Too Good for Me," "El Amor de mi Vida," and "Please Stay." But there’s also a dose of defiant blues ("Rub Me Raw") and plenty of dirty slide guitar, courtesy of Ry Cooder and David Lindley. (Other guests include Bruce Springsteen, Don Henley, Tom Petty, Jackson Browne, and Dwight Yoakam).
If the lyrics generally lack the literary precision of Zevon’s best work, the songs take on greater weight given the circumstance under which they were recorded. Heard in 1983, a party-hearty anthem like "The Rest of the Night" would’ve sounded like yet another dumb argument for hedonism, and "Numb as a Statue" might have come off as the self-lacerating joke of an alcoholic unable to deal with his emotions directly. However, on The Wind, these songs are genuinely touching, the work of a guy deadened by meds but unwilling to surrender to The Big Sleep just yet. A cover of Dylan’s "Knockin’ on Heaven’s Door" is the album’s most direct comment on Zevon’s fragile health, but the most touching song is the album-closing acoustic ballad "Keep Me in Your Heart," recorded by Zevon at home after the star-studded studio work was complete. Clearly, Zevon survived one hell of a farewell party last night, but now it's morning again and there’s no telling what the rest of the day might bring." (Keith Moerer, Amazon)

Death has always fascinated Zevon, of course, as it has many musicians. Few, though, have had a chance to write about it with full knowledge of its imminent arrival. Even for Zevon, who has terminal lung cancer, intimations of mortality have usually been an undertone inspiring some character's reaction to a chaotic situation or risky career choices ("Lawyers, Guns and Money"). In somebody else's defiance of death, we in the audience get an intense affirmation of life, not to mention some of the best jokes in rock & roll history. And that's the tradition that informs most of this album. Zevon wants to look back and see what it all adds up to ("Dirty Life and Times"), wants to set things right with the friends and fans who have loved him ("Numb as a Statue"), wants to bestow a last gift of his wit and enthusiasm ("The Rest of the Night"), hopes that people remember him fondly ("Keep Me in Your Heart"). But he's also too honest an artist not to look forward into the void. Humor and talent can get you out of a lot of jams, but not this one. Hence "Prison Grove." Zevon's a lucky man in the sense that brilliant songwriters are granted a form of immortality denied everyone else. People continue to sing their songs long after they're gone. The Wind reminds the rest of us that we're going to be gone someday, too, and it leaves a heroic lesson in how to face the truth.

CHARLES M. YOUNG
(RS 931, September 18, 2003)

In late August of 2002, Warren Zevon was diagnosed with mesothelioma, a virulent and inoperable form of lung cancer; with his life expectancy expected to be no more than a few months, Zevon focused his dwindling energies on completing a final album, and The Wind, released a year after Zevon learned of his condition, was the result. With a back story like that, it's all but impossible to ignore the subtext of Zevon's mortality while listening to The Wind, though, thankfully, he's opted not to make an album about illness or death (ironically, he already did that with 2000's Life'll Kill Ya) or create a musical last will and testament. While The Wind occasionally and obliquely touches on Zevon's illness -- most notably the mournful "Keep Me in Your Heart" and the dirty blues raunch of "Rub Me Raw" -- in many ways it sounds like a fairly typical Warren Zevon album, though of course this time out the caustic wit cuts a bit deeper, the screeds against a world gone mad sound more woeful, and the love songs suggest higher emotional stakes than before. The Wind also lays in a higher compliment of celebrity guest stars than usual, and while obviously a lot of these folks are old friends wanting to help a pal in need, in some cases the ringers help to carry the weight for Zevon, who, while in good voice, can't summon up the power he did in his salad days. And remarkably, the trick works on several cuts; Bruce Springsteen's rollicking guest vocal on "Disorder in the House" offers just the kick the tune needed, Tom Petty's laid-back smirk brings a sleazy undertow to "The Rest of the Night," and Dwight Yoakam's harmonies on "Dirty Life and Times" are the perfect touch for the tune. In terms of material, The Wind isn't a great Zevon album, but it's a pretty good one; "El Amour de Mi Vida" is a simple but affecting look at lost love, "Prison Grove" is a superior character piece about life behind bars, and "Numb as a Statue," "Disorder in the House," and "Dirty Life and Times" prove the prospect of imminent death hasn't alleviated Zevon's cynicism in the least. (It's hard to say if he's being sincere or darkly witty with his cover of "Knockin' on Heaven's Door," though he manages to make it work both ways.) And the assembled musicians -- among them Ry Cooder, David Lindley, Joe Walsh, Don Henley, and Jim Keltner -- serve up their best licks without taking the show away from Zevon, who, despite his obvious weakness, firmly commands the spotlight. The Wind feels less like a grand final statement of Warren Zevon's career than one last walk around the field, with the star nodding to his pals, offering a last look at what he does best, and quietly but firmly leaving listeners convinced that he exits the game with no shame and no regrets. Which, all in all, is a pretty good way to remember the guy.

(by Mark Deming , All Music Guide)

"Und obwohl er den selbstgestellten Retro-Anspruch konsequent erfüllt, gelingt es ihm, den 10 Tracks die größtmögliche Pop-Stil-Vielfalt zu verleihen; es gibt die fließende dezent soulige Ballade, das echte Klavier auf Rumba-Basis, die reine Akustik-Gitarren-Lagerfeuer-Einsamkeit, Countryfiziertes, Gospel-Untermaltes, vor allem aber glasklare Pop-Diamanten, die auch auf einer Steely Dan-Platte geleuchtet hätten."

(Glitterhouse)

"Josh Rouse's new 1972 is named after the year of his birth, as well as the year of the music he's into right now: a smooth, soulful sound informed by the light rock and lush R&B of the early '70s. The album incorporates traces of Marvin Gaye, Van Morrison, Steely Dan, and Carole King, but pinning down the influences isn't important, because 1972 isn't about throwback shtick or note-for-note copying. Rouse shadows the sophistication and perfection of classic pop, trying to replicate its power to make listeners feel more at peace with their awkward relationships. He keeps the lyrics fairly simple-no abstract song-suites about broken marriages, like those on his sublime 2002 album Under Cold Blue Stars. And while 1972 has its tales of drunks ("James") and bullied underdogs ("Flight Attendant"), the preponderance of strings, flutes, vibes, horns, and handclaps outweighs any sullen moments. The feel-good chant-along "Love Vibration" is atypical Rouse, but typical of 1972: Its sweet orchestrations and chipper mood couldn't be more buoyant. "Sunshine" and "Slaveship" are similarly complex in arrangement and minimal in concept, the former an uptempo declaration of love and the latter an even more beat-crazy plea for understanding. The album's second half gets mellower and more sensual, starting with the supple "Come Back (Light Therapy)," a proto-disco ballad about the wished-for return of a metaphorical and literal sun, and continuing through the muted make-out number "Under Your Charms," highlighted by a dusky duet of strings and fuzzy guitar. Rouse's usual restlessness crops up on 1972, and if the record has a common lyrical theme, it has to do with an urgent reaching out for something good. A lot of that good resides in Rouse's own music and its confident assurance of beauty, but he goes further on "Rise" (perhaps his best song yet), as he invests a spiritual, ascendant hope in the reliability of waking up next to the same person every day."

(The Onion)

Josh Rouse's 1972 gives away the game in the first line of the first song, the exquisite title track, when he name-checks Carole King. The record is going back in time and it is going to have fun doing it. Rouse's records have always been highly literate and highly musical, but they have never been fun like this, and make no mistake, 1972 is a fun record. Rouse sounds as loose as a goose and the songs reflect that. Not always lyrically, as some of the songs touch on such non-fun subjects as loneliness, repression, and bitterness, but definitely musically. To that end, Brad Jones' production is spot-on perfect -- not an instrument is out of place and the whole record has a jaunty bounce and a lush dreaminess. 1972 is coated with sonic goodness: fluttering strings, piping horns, cotton-candy sweet flutes, funky percussion, handclaps, and great backing vocals. Rouse and Jones find inspiration in all the right places: in the laid-back groove of Al Green, the California haze of Fleetwood Mac, the dreamy melancholia of Nick Drake, the sexy groove of Marvin Gaye, and the wordy lilt of Jackson Browne or James Taylor. The songs are the strongest batch Rouse has written yet. "Love Vibration" is the hit single; it has everything a hit single needs: musical hooks, lyrical hooks, vocal hooks, a smoldering sax solo (optional), and a groovy video. Other songs that are sure to be in heavy rotation are "James," a funky ballad that shows off Rouse's wonderful falsetto (as does "Comeback [Light Therapy]") and takes time for that most elusive creature, a good flute solo; "Under Your Charms," a sultry, sensual ballad that takes a potentially squirm-inducing subject and actually does it right, Marvin-style; and "Rise," a beautifully orchestrated epic that ends the record on a perfect note. 1972 should vault Rouse to the forefront of intelligent pop alongside kindred spirits like Joe Pernice and Kurt Wagner (of Lambchop). If you say you've heard a better adult pop record this year, you are lying. [Initial pressings of the album came complete with a bonus DVD featuring the video for "Love Vibration" and a short documentary about Josh Rouse and his music. The first 100 copies even came with autographed liner notes.]

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Will Oldham’s dritter Vollwerk-Auftritt als Bonnie Prince Billy, auf Domino. Ein klangliches Wunder ist den Oldham-Brüdern in genialer Gemeinschaft mit Tony Crow (Lambchop) gelungen: Selten nur hörte ich ein derart minimal instrumentiertes Album so rund, ja voll klingen. Die ebenso von Optimismus kündigenden wie von Melancholie duchzogenen 10 Lieder stehen dabei, fast nur aus akustischer Gitarre und einer der sanftesten Stimmen des Songwriter-Genres erbaut, wie sanft strahlende Felsen in den Meeren aus Schnellebigkeit und Vergänglichkeit. Nur selten gesellt sich eine E-Gitarre zur leisen Pointierung dazu, ein Cello unterstreicht die wehmütige Stimmung von The Way, fast unbemerkt sorgen sakrale Keyboard-Untertöne in Ain’t You Wealthy für eine Loslösung vom Erdgebundenen, der Rhythmus wird, wenn überhaupt, durch Fussstampfen betont. Herzzerbrechend schön sind die vokalen Duette mit der Sängerin Marty Slayton, die erfreulich oft ihre vokale Sanftheit der Oldham’s zur Seite stellt. Und wenn der Prinz zu klarsten akustischen Gitarren-Akkorden Joy And Jubilee in die ohnehin offenen Ohren schmeichelt, darf man ungestraft den reinigenden Tränen freien Lauf lassen.
Bei aller schimmernden, allein schon in der Ruhe des Albums und in der am Rand der zarten Brüchigkeit der Stimmen angelegten Melancholie, scheint mit dies das hoffnungsvollste Album Bonnie Prince Billy’s zu sein, mit Sicherheit lässt es den hoffnungslos Liebeskranken unter uns (dem ich das Album wärmstens ans Herz legen möchte) in allem Schmerz ein Licht sehen, an ein “Alles ist dennoch gut” glauben.(Glitterhouse)

“Der 25-jährige Brite hatte mit dem debüt Here Be Monsters ein Pfund vorgelegt, schwer, manchmal orchestral, ein Tagträumer auf der Suche nach dem letzten großen Song auf Gottes Erde. Harcourt gehört zu jener Spezies Liedermacher, die unter dringendem Verdacht stehen, ein paar Liter Herzblut zu viel in ihre Songs zu befördern. Beruhigend wirkt auf From Every Sphere die Zuhilfenahme von zahlreichen über die Pop-Jahre immer wieder durchgecheckten Aufhellern. Ein paar beatleske `Uhuus´ inmitten reicher Balladenpracht, ein Pianosong aus der James-Taylor-Meisterklasse, ja, und war das gerade eine kombinierte Tribut-Übung an die Adressen von Brett Anderson (Gesang) und David Bowie (Heroes-Gitarren)?“ (Musikexpress. 4 Sterne)

"... Ein Werk, dass beim ersten wie beim 30. Anhören gleichermassen zu beglücken weiss; ein kreativer Rundumschlag von einem, der die reiche Erfahrung hinter sich weiss, sich aber immer noch den Luxus von Visionen leistet; 12-Song-Sammlung, die gleichermassen den gereiften Songwriter, den modernen Folkie, den traditionsgebundenen Rockmusiker, den intensiv-ergreifenden Sänger und den genialen Gitarristen präsentiert. Ohne Ausnahme findet erfreut der erfahrene Hörer hier Lieder für die Ewigkeit, von dem lässig-schleppenden bis zum rollenden Rocker, vom diffizilen Blues über Brit-Folk-Puritäten und leichtfüssigen Jazz bis zur end-ergreifenden Ballade. Diese Reife verpackt die Eminenz des Brit-Folk weise in knappe Arrangements, Trio- und Quartettbesetzungen, die den Songs ihren rauhen Glanz lassen, sie als ungeschliffene Rohdiamanten erstrahlen lassen.
Neben Richard Thompson (Gitarre, Akkordeon, Dulcimer, Mandoline, Harmonium) sind es die nicht minder genialen Handwerker Danny Thompson (Double Bass) und Michael Jerome (Drums, percussions), die hier ihre ganze Kunst ausspielen, ohne sie dabei raushängen zu lassen. Und das derart großartig, dass das Lächeln nicht und nicht und nicht aus dem Gesicht verschwinden möchte. Als Besetzungsluxus singt sich Judith Owen in herrlichen Duetten an Richards Seite, dessen Gesang die Jahre unbeschadet und ergreifend überstanden hat.
Eines dieser Alben, die einem den Glauben an alles, was gut, ehrlich und schön ist, wiederzugeben vermag." (Glitterhouse)

This album marks a far more stripped down approach than of late. Backed only by Danny Thompson's fleet-footed bass and solid drums courtesy of Michael Jerome, Thompson shows he's not lost the ability to evoke the bleaker side of the human condition. While the album's title implies the necessary resilience needed to forget one's woes and carry on with the game of life, the songs themselves speak of a life filled with lost loves (''I've Got No Right To Have It All''), bitter regrets (''A Love You Can't Survive'') and people of untrustworthy motives (''Pearly Jim'', ''I'll Tag Along'').

Inexplicably split into two halves: 'The Haunted Keepsake' and 'The Pilgrim's Fancy', this collection of ''Unguents, fig leaves and tourniquets for the soul'' may come with a standard 'olde worlde' folk sleeve but is full of Thompson's skill in taking a contemporary subject matter and placing it within a story-telling tradition. The aforementioned ''A Love You Can't Survive'' is a standard tale of misfortune and twisted fate, but concerns a coke smuggler and the first half's songs are peppered with some of the spikiest six-string mayhem for a good while. Yet songs such as ''Jealous Words'' could come from any of the last two thousand years.

It's this timeless quality that allows Thompson to float above the crowd and stake his claim as a true British classic. He may be working on the West Coast these days and his muse may still reside in Middle England, but Richard Thompson remains a world-beater." (Chris Jones)

"Während das Debüt dieses weiblichen Trios aus Vancouver noch vom naiven Charme und absolute keiner Erwartungshaltung lebte, man also sozusagen frisch von der Leber weg musizierte, zog der Erfolg vor allem in England eine andere Herangehensweise nach sich.
Aber vielleicht sind die drei Damen auch einfach nur erwachsener geworden, denn genauso hört sich "Chinatown" auch an - gereift, ernsthaft und mit Tiefgang. Natürlich ist ihr Harmonizing und das Fingerpicking noch immer stark geprägt von Hinterwäldler-Folk, Appalachen-Country und amerikanischer Traditions-Musik (man denke an die Fellow-Canadians The Band), gerade die sparsam arrangierten Songs könnten Überarbeitungen aus Harry Smith´s Anthology Of Ameican Folk Music sein, sie sind aus dem gleichen Holz geschnitzt, wurden aber von der Band selbst geschrieben.
Und wenn schon Traditionals, dann gleich "House Of The Rising Sun"! Hey, ich meine, das geht doch nicht mehr?!? Hier geht es. Und mutig ist es dazu. Eine ähnliche Frischzellenkur verpassen sie "In My Time Of Dying", dass ich glaube ich nie besser gehört habe. Peter Rowan covern sie im Verlauf des Albums und bieten dem Hörer noch einige wunderbare eigene Songs, sodaß man die CD nach 56 Minuten und 30 Sekunden mit der Gewissheit aus dem Player holt, etwas Besonderes in der hand zu haben.
Wer Freakwater und Hazeldine mag, wer sich für eine erfrischende Runderneuerung traditioneller Country-Musik erwärmen kann, der sollte hier mal reinhören. Er wird spätestens bei Track 2. überzeugt sein von der Qualität dieser Platte. Garantiert!" (Glitterhouse)

"Alle eint eine gemeinsame Vorliebe für Wasserpfeifenmusik, die mal auf flauschigen Synthie-Teppichen ruht, mal von effektgeladenen Gitarren umgarnt wird. Ausnahmen sind relativ bodenständige Songs wie Dancing Lady oder Wisdom Of Wolves, wobei Letzterer der gelungenste Track des Albums ist. Redeckers Gothic-nahe Brummstimme harmoniert mit derlei Psychedelic-Rock nicht immer hundertprozentig, ist aber auf jeden Fall ein weiterer eigenartiger Aspekt eines eigenartigen Albums. Dazu gehört auch ein Remake der Pink Floyd-B-Seite Careful With The Axe Eugene." (Musikexpress. 3 ½ Sterne)

... es wird langsam schwierig, bei jeder neuen Richmond Fontaine-Scheibe in Superlative zu verfallen. Aber was muss das muss! 'Post To Wire', ein Begriff aus dem Pferderennsport, der soviel bedeutet wie "die Führung gleich am Start übernehmen und bis ins Ziel nicht mehr abgeben", macht seinen Titel eindrucksvoll zum Motto. Es gibt aber auch nicht die winzigste Schwachstelle auf diesem unglaublich starken 6. Album des Quartetts aus Portland, Oregon, das sogar den gefeierten 2002er Vorgänger 'Winnemucca' (s.a. Chill@GH 05/02) auf Distanz hält. Die vielen schwelgerischen Passagen und atmosphärischen Ströme jener Platte gibt's auf 'Post To Wire' zwar wieder in großen Zügen, allerdings lockert die Band das konzepthafte Programm (Postkarten eines fiktiven Walter Denny und darum herum gesponnene Kurzgeschichten in Form eines akustischen Roadmovies...) mit straightem, dynamischem Country Rock, semiakustischen Folksongs und härteren Guitar Rock-Gangarten kongenial auf. Dazu hat Leader Willy Vlautin (Gesang, Gitarren) wie immer seine kraftvollen, bildstarken, dabei hochpoetischen Texte verfasst, die diesmal immerhin teilweise abgedruckt sind. Musikalisch spielen Vlautin & Co. mittlerweile auf ihrem eigenen Planeten, besonders Paul Brainard begeistert durchweg mit traumhaften Licks auf der Pedal Steel, die so dominant wie nie zuvor eingesetzt wird! Auf einer knappen Gästeliste stehen u.a. Gitarrist Ian Moore und Deborah Kelly (Damnations), die auf dem Titeltrack im Duett singt, produziert hat der erfahrene JD Foster (Richard Buckner, Silos, Dan Stuart, Schramms). Referenzen zu Uncle Tupelo, Son Volt, Whiskeytown und Green On Red waren wohl selten so berechtigt wie bei dieser Band, aber spätestens mit 'Post To Wire' haben Richmond Fontaine ein Stadium erreicht, wo sie derartigen Vergleichen entwachsen sind. Dieses Meisterwerk kommt mit auf meine Insel!!" (Glitterhouse)

"2003er Album, das - ohne den extremen Pop-Faktor zu verleugnen - sich wieder mehr den Helden der Cosmic American Music zuwendet. Schon bei den ersten silbrigen Gitarrenklängen von Stumbling Through The Dark hört man den Byrds-Hasen freudig springen, ein flugs einsetzendes Banjo leistet den Roots-Beitrag, und kaum singen uns die zwei Lead-Stimmen harmonische Duette ins Ohr, wissen wir uns in sauberen und guten Händen. Weitere Wurzel- und Wüsten-Weite verleiht die ab und an auftauchende Steel-Gitarre, Weichheit spenden - selten aber doch - ein paar Streicher, die Hauptarbeit wird mit dem Grundinstrumentarium Gitarre (viel akustisch, weniger elektrisch), Bass und Schlagwerk (incl. ein wenig Percussion) bestritten und dies wäre in dieser Form auch vor 30 Jahren nicht anders eingesetzt worden: Naturbelassen ist alles, was die Jayhawks 2003 um ihre Songs weben, und mehr braucht es auch nicht, denn die 13 Lieder sind sämtlich Tortenstücke. Mit einem weichen Harmonie-Gesang, auf der halben Strecke zwischen Hollies und Crosby, Stills & Nash gelegen, wird hier jede zeitlose Melodie final bezuckert und für die Best Of-Americana-Compilationen kommender Jahrzehnte vorbereitet. Klingen die Kompositionen im ersten Durchlauf noch etwas glatt, entwickeln sie bei Hören zwei bis vier einen derartigen Mit-sing/-pfeif/-fühl-Faktor, dass es breit lächeln macht. Bringt strahlende Sonne in die regnerischen Tage." (Glitterhouse)

Sein typischer, glasklar-wattiger Sound bestimmt auch dieses Album, mit Emmylou Harris und Bono verpulvert er gleich bei den ersten beiden, wundervollen Songs seine Superstars, bevor er alle Fäden übernimmt wird. Der perlende Klang der Pedal Steel Guitar wird ganz weit weg von großen Budgets oder gar Stadionrock vorsichtig mit Elektronik gepaart, die Songs sind dabei leise und unaufdringlich, aber nie seicht, zum Teil instrumental oder aber von seiner hohen Stimme besungen. Manchmal erinnert mich das an David Crosby´s Solodebüt "If I Could Only Remember My Name", das ähnlich einsam und einzig vor sich hin glitzerte. "Shine" ist so ein sehr sympathisches, wunderschönes und stilles Album gelungen, an dem es viel zu entdecken gibt. (Glitterhouse)

"Hingebung ist auch das Zauberwort für diesen ungewöhnlich schimmernden, sinnlichen Trip. Die Pedal-Steel-Gitarre gibt den Ton an, Emmylou Harris und Bono schauen zwecks Duett vorbei, Reggaeanklänge und hawaiianische Luftströme verleihen Bluesanflügen Leichtigkeit, Instrumentalstücke, vor allem das ausklingende `JJ Leaves LA´, sind von trauriger Wehmut, und alles fließt ineinander. Ein Album voll Liebe und Wärme, leise, kontemplativ und mit starken Motiven, die einen nicht mehr loslassen." (TIP Berlin)

Dem Schatten des Vaters ist sie deutlich entwachsen (der ihr dennoch einmal die Duett-Stimme leiht), überhaupt zeigt sie sich hier sowohl als Singer als auch als Songwriter beeindruckend gewachsen/gereift. Stimmlich an Carly Simon in ihren besten Momenten erinnernd, sorgt ihr Gesang für die klare Linie in Balladen und Mid-Tempo-Rollern, die Songs strahlen eine Reife aus, die ich bei ihr in dieser Form noch nicht erlebt habe. Als weitere Gäste grüßen Sheryl Crow, Teddy Thompson und Steve Earle, mit dem sie sich in I’ll Change For You ein gesungenes Gespräch a la Baby It’s Cold Outside liefert, das eindeutig das Zeug zum Klassiker hat. (Glitterhouse).

"Neues Album des Songwriters, der nun auch schon knapp 30 Jahre dabei ist. Und es so ziemlich sein rockigstes geworden! Schon die ersten drei Tracks legen ungebremst los, die ganze Band scheint vor Spielfreude völlig aus dem Häuschen zu sein und Edelgitarrist Sonny Landreth nutzt hier praktisch jede freie Sekunde, um eine Note reinzupressen. In nur 8 Tagen praktisch live im Studio eingespielt waren die Sessions offensichtlich eine so homogene Sache, dass Hiatt sich gezwungen sah, seine Band auf dem Cover zu erwähnen.
Ab und zu schalten sie einen Gang runter, ohne aber an Schärfe und Dynamik zu verlieren. Und wie es sich für ein hemdsärmeliges fühl-dich-gut-Album gehört, bleibt allzu Tiefschürfendes aussen vor, dafür gibt es Songs mit einem Schuß Ironie wie „How Bad´s The Coffee?“ und den „Almost Fed Up With The Blues“ Blues. Hiatt´s Stimme scheint hier einige Male an seine Grenzen zu kommen, aber die hat ja sowieso in etwa die Konsistenz einer rostigen Kette und das liebt man ja letztendlich auch an ihm."

(Glitterhouse)

Seine raue, offene Stimme ist sein Markenzeichen, eine ebenso persönliche wie verlässliche Melange aus Rock 'n' Roll, Country, Blues und Folk genau der Stoff, um dessentwillen ihm spätestens seit dem Durchbruch mit Bring The Family (1987) die Fans die Treue halten. Beeinflusst von etwa den Rolling Stones und Bob Dylan, erinnern seine Lieder gelegentlich auch an Springsteen, kommen aber ganz ohne dessen naiv-pompöses Sozialgehabe aus. Hiatt sieht den Leuten in den politisch profanen Alltag, erzählt von eigenen Dingen und spielt gerne mal zum Tanz auf.

Beneath This Gruff Exterior wie den Vorgänger The Tiki Bar Is Open wieder mit den Goners (mit u. a. Slideguitar-Koryphäe Sonny Landreth) als genuines Band-Album eingespielt zu haben, steht dem Sänger, Gitarristen und Songwriter aus dem nordamerikanischen Indianapolis im Übrigen ausgezeichnet.

(Rolf Jäger, Aus der Amazon.de-Redaktion)

"Famos, famos, die kleine Schwester von Steve Earle steht mittlerweile ganz fest auf eigenen Beinen und die Zusammenarbeit mit Ehemann Mark Stuart klingt von Mal zu Mal harmonischer. Das 4. Album des Paares ist einfach ein Traum, einer zum Anfassen aber, denn die mit kleinem/einfühlsamen Ensemble eingespielten Songs kümmern sich nicht um Country-Charts, Crossover oder „gefälligen“ Sound. Hier wird ganz tief in die Roots-Truhe gegriffen und 50 Jahre Americana in die Eigenkompositionen eingefiltert, vom countryesken Singer/Songwritertum („Lay Down“) zum Swing (das mitreissende „If You Want My Love“, hier funktioniert sogar ein Kazoo), vom Ragtime („Spread Your Wings“) zum Blues („Fishbowl“), von den Bergen („Maybe That´s Just Me“) in die West Texas Plains („Me And The Man In The Moon“). Bei „Our World“ lassen sie es gar zünftig/elektrisch rocken. Und das waren nur die ersten 6 von 13 Songs…" (Glitterhouse)

"Stuart Staples und sein musizierender Fünfer (seit Bandgründung unverändert!) ist sich treu geblieben, man erkennt den Sound der Band spätestens beim einsetzenden Nuscheln. Die Soul-Einflüsse der letzten beiden Alben sind verschwunden, der alte Sound ist zurück. Da regiert die klassische Ballade in all ihrer Schönheit, mal melodramatisch opulent, mal auf ein paar Pianotöne reduziert, grundsätzlich ein Ohrenschmaus. Aber es gibt auch Stücke mit Tempo, so geriert sich z.B. "4.48 Psychosis" wie ein Velvet Underground-White-Light-Outtake, inklusive psychotischer Viola/Violine. Eine beinahe funkig zu nennende Bassfigur treibt "Say Goodbye To The City" voran, die auch kurzfristig auftauchende Bündlungen von nervösen Streicher/Bläser-Attacken wieder in den Griff bekommt. Geradezu poppig, von einem federleichten Streicherarrangement emporgehoben, zieht "Sometimes It Hurts" seine Kreise. Lhasa de Sela´s nicht ganz akzentfreies Englisch bildet hier den sexy Gegenpart zu Staples' extra nörgeliger Stimme. Beim nachfolgenden "My Oblivion" entwickeln die Streicher eine eigenartige Sogwirkung, hymnenhafte Backingvocals verstärken das noch. Bei "Just A Dog" klappern Mandoline und Banjo gelassen vor sich hin - die Band versucht also den sich selbst vorgegebenen Soundrahmen zu dehnen." (Glitterhouse)

Neulich in London waren ganze U-Bahn-Stationen mit Postern der Kings Of Leon bepflastert, da wittert wohl jemand die neuen Strokes oder ähnliches. Zumindest sehen die drei Brüder Caleb, Nathan und Jared Followill und ihr Cousin Matthew Followill aus, als wären sie gecastet, um in einer Sitcom CCR oder die Byrds während der Drogenphase darzustellen. Noch dazu sind sie aus Tennessee (mal was anderes), sehr süß und der Stoff, aus dem britische Hype-Träume sind.

Das interessante aber ist, das die zwischen 16 und 23 Jahre alten Burschen wahrscheinlich schon Jahre in ihrem vermoderten Keller vor sich hin üben und sich abends beim Bud ein paar Skynyrd, Allman oder AC/DC (man ist ja noch jung) Alben zu Gemüte führen. Und eher zufällig in den Sog einer PR-Maschine gerieten und jetzt mal ein wenig wie John Boy Walton die große weite Welt bestaunen. Musik machen jedenfalls können sie, die Zutaten sind allesamt erprobt und geliebt, reichen von all den bereits erwähnten bis hin zu Z.Z. Top (die ersten 5 Alben), abgehangenen Stones-Riffs, Johnny Cash und stadionkompatiblen FM-Rock à la Bad Company.

Gute Songs, ein nöliger Sänger, ein paar greasy Licks und ein solider Groove – mehr braucht es nicht zu einem famosen Album.

(Glitterhouse)

"...absolut überragender Nachfolger zu 'The Houston Kid' (Sugar Hill, 2001), eine Comeback-CD nach mehrjähriger Pause, die bis dato für mich als sein stärkstes Werk galt. Crowell scheint eine Lebenslage erreicht zu haben, in der er nichts mehr falsch macht, da sitzt jeder Song, jedes Arrangement, da stimmt der Flow der einzelnen Tracks, die Produktion ist schnörkellos (aber nicht glatt), sein Gesang ist voller Charme und die Grundstimmung erfrischend offensiv mit wenigen nachdenklichen Momenten. Die 11 Stücke stammen allesamt aus seiner Feder und werden zum größten Teil im zügigen bis mittelschnellen Tempo sehr Guitar/Roots-poppig (à la Tom Petty) gespielt, wenige reine Acoustic/Folk-Stücke nehmen zielsicher etwas Geschwindigkeit raus. Ein unglaublich komplettes Album von erlesener Qualität, auf dem ein Ohrwurm den nächsten jagt! Die Liste der Begleiter ist selbstverständlich vom Feinsten! Feat. Pat Buchanan, Will Kimbrough, John Jorgenson, Richard Bennett, Steuart Smith, Jerry Douglas, Bela Fleck, Charlie McCoy, Michael Rhodes, Greg Morrow, Kim Richey, Gillian Welch & David Rawlings, Carl Jackson, Russell Smith, Marcia Ramirez, John Cowan u.a." (Glitterhouse)

"Gemeinsam mit u.a. Linda Ronstadt, Jane Siberry, Kate & Anne McGarrigle, Bernie Leadon, Buddy & Julie Miller, Daniel Lanois und Gillian Welch verfolgt sie die Spur von Red Dirt Girl weiter und überzeugt mit Eigenkompositionen, die sie in Zusammenarbeit mit der auch uns ans Herz gewachsenen Schar von Feingeistern "auf dem Fussboden jammend" zur jetzigen Blüte wachsen liess. Und im Gegensatz zu anderen großen Namen, die nurmehr für den Fallhöhen-Vergleich taugen und deren Lorbeeren zu verwelken beginnen, ist Emmylou mit der 11-Song-Kollektion ein solch rundes, warmes, liebenswertes Werk gelungen, dass es eine durch nichts getrübte Freude ist. Die Country-Folk-Basis wird immer wieder aufgelockert durch die einfühlsame Einarbeitung von dezenten Elementen aus weltweiter Folklore (von Peru über Fidschi bis Frankreich) oder einem flauschigen Trip Hop-Teppich, instrumental reicht es von silbrigen Gitarren und dezenter Perkussion über Steel-Guitar und Hammond B 3 bis hin zu Akkordeon und kubanischer Churanga. Wunderbar aber vor allem die Songs, die wie nie zuvor die Kreativität Harris' als Autorin farbig ausleuchten, die vor herzerwärmenden Melodien, umsäumt von einschmeichelnden Vokal-Harmonien schier schillern. Textlich zeigt sie sich politisch wachsam und zeitkritisch wie selten, ihre Stimme - ob schmeichelnd oder schneidend - ist für mich für alle Zeit jeglicher weltlicher Kritik enthoben. Geschenk für Gehör und Gefühl, Labsal für Geist und Seele." (Glitterhouse)

"Slowdive gehörten zu dem Besten, was die Gitarrenmusik der 90er hervorbrachte. Unwürdig aber war das Ende: Als Belohnung für das Ambient-Album Pygmalion wurde der Band seitens des Labels Creation der Vertrag gekündigt. Anstatt sich aber in sein Kämmerlein zu verkriechen und Klagelieder anzustimmen, komponierte Neil Halstead Lieder, die mehr auf Songstrukturen denn Sounds wie bei Slowdive basieren. Mojave wurde die neue Gruppe genannt, die 3 musste aus namensrechtlichen Gründen angehängt werden. Seine alter Weggefährte Ian McCutcheon und die bezaubernde Rachel Goswell folgten ihm und sind auch auf dem vierten Mojave-3-Album Spoon And Rafter dabei.
Die Mojave-Wüste beheimatet ausgetrocknete Salzseen und eine Steppenvegetation. Die Halstead-Songs würden dort gut hinpassen mit ihren tief im Country-Folk verankerten Wurzeln, den dezenten Neil-Young-Zitaten, einem spätnächtlichen Honky-Tonk-Feeling, lang gezogenen Slidegitarren-Riffs, bittersüßen Mundharmonika-Klängen und dem verträumt daherkommenden Glockenspiel. Manchmal rockt es auf Spoon And Rafter, doch zumeist sind die Stücke karg arrangiert und schleppen sich elegant voran. Trauervoll klingen sie und doch geht eine angenehme Wärme von ihnen aus. Wenn sich Mojave 3 überhaupt eine Kritik gefallen lassen müssen, dann dass Rachel Goswell nur als Backing-Sängerin auftaucht, anstatt Spoon And Rafter eine weitere wohl klingende Note zu verleihen. Das nächste Mal vielleicht..." (Sven Niechziol, Amazon.de)

"Three years on the heels of the Halstead-hybrid album Excuses For Travelers the fossils of Slowdive return with a new, evolved Mojave 3 record. The band has shaken things up a bit in order to get their house in order, replacing much of frontman Neil Halstead's acoustic guitar leads with Halstead’s minimalist piano leads. The sparse melodies are wrapped in warm, dry currents of ambient lap steel, harmonica, banjo, cello, Moog, various keyboards and guitars, blowing in a soft howl. Bassist Rachel Goswell has been relegated to singing backups on this album, with Halstead taking the reins on his own to guide the band's meandering country/shoegaze freefall. Spoon and Rafter makes a powerful opening argument with the lengthy, lush nine-minute-plus “Bluebird of Happiness” shifting between languid yuppie pop and dusty Americana nuggets, setting the tone for the rest of the album. Mojave 3 have grown considerably as a unit since Excuses for Travelers and I must admit that the previous album has itself grown on me since I stiffly reviewed it years ago. It is that familiarity, that worn understanding between artist and listener that can only be achieved after long nights, long drives and general drunken longing together. It has been said that familiarity breeds monotony, and Halstead and company have a serious vice of sticking to the straight and narrow. The Londoners have proven themselves masters at mixing the swirling hyper-pop of Lassie Foundation with Canyon’s psychedelic barbed-wire twang, but it would be nice to hear them crawl out on a limb every now and then. Mojave 3 employ the soft lyrical delivery and sultry melodic drone to what fans of Wilco, Grandaddy and Dylan would consider great effect, and in all honesty you probably won't hear a better soundtrack for your depressing old home movies this year." (ERIC J. HERBOTH)

John Stirrat ist das erste Mal bei Uncle Tupelo aufgetaucht. Deren letztes Album „Anodyne“ veredelte er mit feinen Banjo-Linien, die vor allem aus den ruhigen Songs richtige Perlen machten. Danach ist er direkt Jeff Tweedy zu Wilco gefolgt, wo er sich fest in der Band als Multiinstrumentalist zu erkennen gab und – mittlerweile ist es offensichtlich – einiges dazu beitrug, dem rauen Midwest-Chicago-Sound von Wilco flockiges Westcoast-Feeling zu verpassen. Mit Wilco wurde ihm dabei auch Erfolg und Kritiker-Ehre zuteil, solo mit seinem Projekt The Autumn Defense konnte er bislang nicht so sehr punkten, auch wenn ihm dabei mit Pat Sansone eine sehr sonnige Stimme und musikalische Partnerin zur Seite steht. Der orchestrale Pop mit deutlichen Einflüssen von den Beach Boys und Love wurde auf ihrem Debüt „The Green Hour“ als etwas platt und unspannend beschrieben. Auf das aktuelle Nachfolge-Album „Circles“ trifft das jedoch nicht zu, auch wenn Stirrat und Sansone sich im Sound treu bleiben. Bei aller Ruhe und Westküsten-Entspanntheit sind hier knackige Songs versammelt, die nicht selten mit Melodien und Arrangement-Ideen aufwarten, die eher an die Byrds erinnern als an den Monumentalpop von Beach Boys und Love.

Allerdings können die beiden das Orchestrale nicht ganz lassen und reiten ab und zu einen Song auf watteweichen Schwingen in den Sonnenuntergang. Das ist zugegeben mitunter an der Grenze des Klebrigen, aber die sonnig-leichten Melodien der Songs retten das Ganze dann doch vorm Ertrinken, und wer umgibt sich nicht manchmal gerne mit der Sorglosigkeit endlosen Sommers, auch wenn die Band offensichtlich von dessen unvermeidlichem Ende weiß und leichte Melancholie darüber immer mit transportiert. Hier arbeitet The Autumn Defense ganz in der Nähe der irischen Band The Thrills, deren aktualisierter Westcoast-RipOff-Sound ja auch für allgemeine Freude sorgt und die ich an dieser Stelle zur gediegenen Unterhaltung einfach gleich mit empfehlen will.

(Glitterhouse)

The Autumn Defense let down their guard on Circles, their second album, to reveal the blue-green beauty trembling beneath. Less ambitious and far more intuitive, it's a mellow stretch of earthy folk-pop, where horns and strings are used because they sound nice, not out of a self-appointed duty to past musical idols. Between John Stirratt's busy touring schedule with Wilco and Pat Sansone's multitude of production engagements, Circles exudes the ameliorative qualities of an escape record that was made during downtime, for downtime — while mentally liberated from the pressures of the daily world, where the two writers could reflect upon the geyser of circles that is life. Sunny acoustics and vintage keys over lazy brushes set the character throughout Circles. "The Answer" rolls out a strata of guitars that suddenly reminds the listener of an old Gordon Lightfoot album, only to have the notion reinforced by the wave of strings and gentle background shakers that follow. "Some Kind of Fool" steals into brief moments of Pet Sound drama, with its bass-and-percussion breaks, but more often rides a '70s groove of vibes, Rhodes, and Bread-like guitar effects. Though comfortably stoic on their second album, the Autumn Defense maintain the charm of a perennial explorer, for whom Europe is still far away, and the California sun could still bring love back.

(by Lisa M. Smith, All Music Guide)

Nach der Entdeckung des Revelators Albums vor einigen Monaten und hinweisen von Euch, haben wir die Spur von Joe Camilleri weiter verfolgt. Vorerst flog mir ein Muster der Bakelite II Sessions auf den Tisch. Bei uns weitgehend unbemerkt, ist Camilleri beständig dabei, neue Alben zu veröffentlichen und fortzusetzen, was er schon bei den Black Sorrows und Jo Jo Zep And The Falcons spielte (noch – und wieder). Vor allem Bluesrock von einer satten, zurück- gelehnten Sorte. Das auf Bakelite Radio ein JJ Cale Song gespielt wird (Same Old Blues), macht klar wo es hingeht, das Howlin’ Wolf (Who’s Been Talking) und Ray Charles (Losing Hand) gecovert werden, schließt den Kreis um entsprechende eigene Songs.

Die rauchigen Vocals von Camilleri passen perfekt. Ansonsten macht er vieles auf Saiten und Tasten und besonders gut ist er, wenn er das Sax bläst, vornehm und klar, mit einer Zurückhaltung, die Saxophonisten sonst nicht zu eigen ist. Die Mitspieler gehören zur australischen Studioelite, spielen mal für John Butler oder andere Prominenz. Handwerkliches Feinwerk ist hier noblesse obligè. Camilleri, aus einer anständigeren Musikwelt, die man wohl nur noch weit entfernt finden kann, hat zu jedem Song einige Gedanken und Hinweise aufgeschrieben, die einen veranlassen, auch das Booklet mit Interesse zu lesen.

Das Album ist lässig und cool, wirkt unangestrengt und ist eine bequeme Limousine zwischen quietschbunten Kleinwagen.
(Glitterhouse)

Die Rock & Roll Hall of Fame durfte er 1993 betreten, die Songwriters Hall of Fame zu Beginn 2003; und nun, mit What's Wrong With This Picture? hat Van Morrison auch eins der maßgeblichen Labels der Jazzmusik betreten, Blue Note Records. Wohl getan, muss man sagen, für Label und Sänger gleichermaßen, der nicht erst mit zunehmendem Alter die Ästhetiken und Dynamiken des Jazz, speziell seines großen Favoriten Mose Allison, in seine songorientierte Musik mit einbezog.
Alles in allem ist dies Morrison, wie man ihn kennt, sein poetisch ambitioniertes Songwriting, sein soulgetränkter Gesang, die blueshafte, irisch-lakonische Grundhaltung und die warmen, fließenden Texturen in den Arrangements, die das einfache seiner Songs adelnd hervorheben. Wie der Mann mit dem Ruf, gerade dann die besten Konzerte zu spielen, wenn er die übelste Laune hat, das genau macht, hat bisher niemand analysieren können; wahrscheinlich wieder der "notorische" menschliche Faktor, der Van, wie auch Elvis Costello, T-Bone Burnett, Terry Callier und ein paar andere dieser seltenen Vögel, über das restliche Federvieh hinaus hebt. Die Qualität seines neuen Albums lässt sich folgerichtig ironisch dahin gehend beschreiben, dass man nun hoffen muss, dass Morrison in nächster Zeit keine Konzerte gibt -- denn er ist guter, sehr guter Dinge auf dieser Platte.
What's Wrong With This Picture? beginnt mit dem Titelsong, in dem Van müde lächelnd und geduldig verdeutlicht, dass er einiges dessen, was viele immer noch in ihm sehen, längst hinter sich gelassen hat. Das geht über in gut gelaunten R'n'B-Swing, eine Soulnummer in bester Marvin-Gaye-Tradition, dann wieder: der Blues, unvermeidbar und gut. Die Band ist seine beste seit Jahren, die Bläser- und Streichersätze sind vom Allerfeinsten, der legendäre Mr. Acker Bilk hat einen wunderbaren Gastauftritt beim Standard "St. James Infirmary" und Van singt so entspannt, energetisch und treffsicher wie lange nicht mehr.
Wenn man das Album letztlich doch nicht in eine Reihe stellen kann mit Morrison-Klassikern wie Astral Weeks, Veedon Fleece oder auch Common One, dann nur, weil die Vorgenannten in ihrer Zeit fortschrittlich, innovativ waren und What's Wrong With This Picture? es heute nicht sein kann. Die neuerliche Manifestation eines überdurchschnittlichen Standards ist sie allemal. (Rolf Jäger, Amazon)

"Tja, eigentlich bin ich ja Fan der ersten Stunde. Und auch wenn ich lange nichts mehr von ihm aufgelegt habe (das liegt am Dauerbeschuss hier), so halte ich seine Platten und vor allem einige Songs in Ehren. Gerade die Balladen sind es, die mich noch immer zutiefst berühren, die man immer noch auf Mixcassetten packen würde, wenn man 20 und frisch verliebt wäre. Und die die Hoffnung nährten, eine lange Karriere mit vielen Meisterwerken erleben zu dürfen.
Das ist „Rock`n´Roll“ nicht. Nicht nur weil keine Balladen drauf sind, sondern weil das (fast) durchweg hart rockende Album gerade im Bereich Songwriting zu wünschen übrig lässt. Zu oft wird für meine Begriffe ein Klischee-Hardrock-Riff mit irgendwie unfokussiert klingenden Gitarren (alle selbstgespielt) runtergenudelt. Und was die Riff-Vorlagen anbetrifft, so scheinen die nicht mal bei den Besten geklaut.
Die ersten 3 Rocker überbieten sich nicht gerade in punkto Substanz, beim vierten schaltet er einen Gang runter, aber der Song ist auch eher unerheblich. Richtig ärgerlich wird es allerdings bei Track #5 – einer Hymne, die klingt wie der erste selbstgeschriebene Song einer U2-Coverband aus dem Sauerland.
Dann bin ich ausgestiegen. Tut mir leid. Ehrlich..." (Glitterhouse)

"Ein Wintermärchen in Musik. Dezent-gedämpfte Bläser, himmlische Streicher, liebliche Frauenchöre, ein Vibraphon, das im richtigen Moment mit den Zähnen klappert, dazu eine Handvoll Songs, die diese bis in den letzten Winkel ausgefeilten akustischen Arrangements eigentlich gar nicht nötig hätten. … Das ist impressionistischer Kammerpop, großartiger Kitsch und weit weg von den High Llamas die eigentlich Stereolab sein wollen. Das Pet Sounds und Smile der High Llamas in einem. Mindestens.“ (Musikexpress. 5 Sterne)