Dinosaur Jr: "Green Mind"
(Blanco Y Negro, Feb. 1991) |
In der Grabbelkiste gefunden!
(19.07.2009)
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After temporarily suspending the band, J Mascis first snuck out "The Wagon" as a Sub Pop single, then a little while later released the group's first major-label album, Green Mind. More of a solo project than a group effort — Lou Barlow was out and then some, Murph only drums on three tracks, a few guests pop up here and there — it's still a great album, recorded and performed with gusto. Such a judgment may seem strange given Mascis' legendary image as the überslacker, but clearly the man knows how to balance how to convey himself with getting the job done. "The Wagon" itself kicks off the album, an even quicker and nuttier sequel to the peerless "Freak Scene" — Don Fleming of Gumball fame adds some of the music and background vocals, but otherwise it's Mascis and Murph cranking it and having a blast. When Mascis goes into one of his patented over-the-top solos, it all feels just right — this is loud rock music for putting a smile on your face, not beating up people in a pit. The remainder of the album floats and rumbles along in its uniquely Dinosaur Jr. type of way, as apt to find poppy hooks, singalongs, and soft strumming as it is to blow out the Marshalls. Sublime moments include the contrast of sweet acoustic guitar and loud drums on "Blowing It," the fun thrash of "How'd You Pin That One on Me," and the Mellotron-as-flute-tinged stomp "Thumb." If nothing on the album is completely as freaked-out and over the top as "Don't" from Bug, it's still a fine translation of Mascis' art for the commercial big boys. The song titles alone sometime say it all — "Puke + Cry," "I Live for That Look," "Muck." Mascis throughout sounds like his usual self, cracked drawl ever as it was and shall be.
(by Ned Raggett, All Music Guide)
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Eleventh Dream Day: "Lived To Tell" (Atlantic, Feb.1991) |
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"...concentrates on a wiry, guitar-driven sound that invites favorable
comparison to Television and the Velvet Underground. Combining an aggressive
musical style with intelligent lyrics that verbalize vivid vignettes,
the band has come of age."
(Rolling Stone, 4/18/91)
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At the word go, guitartists Rick Rizzo and Baird Figi spill their case
of primary-colored leads, drummer Janet Beveridge Bean's pretty harmonies
hug Rizzo's spittle-cured vocals, and bassist Doug McCombs grips the beat...The
way I figure it, when they're good, they're real good; when they're not
so good, they're still real loud (which is good in my book just the same)."
(Spin (3/91)
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Roger McGuinn: "Back From Rio" (Arista, Feb. 1991) |
Hier
zuerst eine kleine Anekdote: Ich kam im Frühjahr 1991 in Lothars
Plattenladen in Wesel, als da ein mir unbekanntes Lied mit typischer
Byrds-Gitarre (12string-Ricky) lief. Ich
stutzte und dachte noch: das klingt aber auch verdammt nach Elvis
Costello! Es stellte sich dann natürlich als "You Bowed
Down" von der brandneuen McGuinn-Platte heraus, komponiert von
(ihr werdet es erraten) Elvis Costello. Da war
ich natürlich schon ein bisschen stolz auf meine Ohren.
Auch der Rest der Scheibe ist nicht schlecht, als Begleiter und/oder
Songschreiber tun sich zum Beispiel Tom Petty, sein Gitarrist
Mike Campbell und sein Drummer Stan Lynch hervor. Man
kann auch unschwer erkennen, dass sich Tom Petty und seine Herzensbrecher
viel Inspiration von den Byrds geholt haben. Leider hat McGuinn danach
nichts erwähnenswertes mehr zustande gebracht. |
Julian Cope: "Peggy Suicide" (Island, März 1991) |
Der Mann war früher mal der Kopf von Teardrop Explodes, die ich
als Teil der New-Wave-Szene Ende der 70er kaum wahrgenommen habe (jetzt
im Nachhinein gehört klingen T.E.-Alben ganz OK). Aber erst seine
Soloalben haben mich auf ihn aufmerksam gemacht. Das fing an mit einer
merkwürdigen Platte, auf der er sich mit einem Schildkrötenpanzer
ablichten ließ ("Fried" von 1984), dann kam ein (natürlich
erfolgloser) Versuch, die Charts zustürmen ("Saint Julian"
von 1987). Bei "Peggy Suicide" schlägt der Kommerzpendel
wieder zurück, aber auf einem derart hohen künstlerischen
Niveau, dass man ohne rot zu werden von einem Meisterwerk sprechen kann!
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Casting the ill-advised attempts at too-clean modern rock from his late-'80s
days firmly aside and fulfilling the promise of Skellington and Droolian,
Cope on Peggy Suicide produced his best album to date, overtopping even
his Teardrop Explodes efforts. Showing a greater musical breadth and range
than ever before, from funk to noise collage and more importantly,
not sounding like a dilettante at any step of the way Cope and
his now seasoned backing band, with drummer J.D. Hassinger in and De Harrison
out, surge from strength to strength. Ostensibly conceived as a concept
album regarding potential ecological and social collapse, Cope wisely
seeks to set moods rather than create a straitjacketed story line. As
a result, Peggy Suicide can be enjoyed both as an overall statement and
as a collection of individual songs; its sequencing is excellent to boot,
moving from song to song as if it was always meant to be that way. Cope's
voice is a revelation for those not having heard the hard-to-find
Skellington and Droolian, his conversational asides, bold but not full-of-itself
singing, and equally tender, softer takes when the material demands it
must have seemed like a complete turnaround from the restrained My Nation
Underground cuts. He handles all the guitar as well, with Skinner concentrating
on bass and keyboards; guest Michael "Moon-Eye" Watts does some
fine fretbending as well, including an amazing performance on the awesome
"Safesurfer," a lengthy meditation on AIDS and its consequences.
Picking out only some highlights does the album as a whole a disservice,
but besides offering up an instant catchy pop single, "Beautiful
Love," Cope handles everything from the minimal moods of "Promised
Land" and experimentation of "Western Front 1992 CE" to
the frenetic "Hanging Out and Hung Up on the Line" and commanding
"Drive, She Said." An absolute, stone-cold rock classic, full
stop. Ned Raggett"
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"Jerry Garcia/David Grisman" (Acoustic Discs, März 1991) |
Dies
ist die erste CD einer ganzen Reihe von Duoplatte, die Jerry Garcia
und sein alter Bluegrasskumpel "Dawg" Grisman aufgenommen
haben - und wohl auch die Beste (nach Jerry's Tod hat Grisman weitere
Bänder aufbereitet, die alle irgendwie nicht schlecht sind, aber
eben nicht so gut wie dieses Album). Live eingespielt und von Jim
Kerwin (Bass) und Joe Craven (Perkussion & Geige) unterstützt
gibt's den Dead-Klassiker "Friend Of The Devil" in einer tollen
Version (Grisman war 1970 auf der Originalversion auf "American
Beauty" schon mit seiner Mandoline dabei!), Hoagy Carmichaels
"Rockin' Chair", Irving Berlin's "Russian Lullaby",
den Bluesklassiker "The Thrill Is Gone" und als Höhepunkt
ein furioses Gitarren-Mandolinen-Duell ("Arabia"). |
Elliott Murphy: "12" (New Rose, März 1991) |
Das französische New Rose-Label war damals für einige
schöne Musik verantwortlich. Oft waren das amerikanische Sänger
oder Bands, die in ihrer Heimat nicht (mehr) die richtige Anerkennung
bekamen. Elliott Murphy ist so einer.
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"What I wanted was to do the equivalent of a double album with a
simple yet provocative production," writes Elliott Murphy in the
liner notes to his twelfth record release. Though it appears on a single
CD released in Europe and Japan, 12 is the length of an old double LP:
21 tracks in more than 78 minutes. And, like an old double LP, it sprawls,
the songs ranging from reminiscences of childhood and Murphy's days as
a minor-'70s rock star in New York City, to a brief ditty in which he
recites the names of Japanese corporations. There is also plenty of room
for Murphy to reflect on his career as a journeyman singer/songwriter.
"Some say my songs are long and much too complicated," he sings
in "Sicily (Tropic of Separation)," "but they're highly
personal / I say they're underrated." They are also under-produced
on this record as compared to some of his earlier albums, which gives
them a more direct appeal. "I doubt if anyone but me can listen to
all of this in one sitting," Murphy writes, and while that may constitute
an admission that this album would be better if it were shorter by a third,
still it contains some gems. (Originally released outside the U.S. by
New Rose in 1990, 12 was released in an abridged, revised, and re-sequenced
form under the title Unreal City in the U.S. by Razor & Tie in March
1993.) - William Ruhlmann
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Massive Attack: "Blue Lines" (Virgin, April 1991) |
Ist
das jetzt Hip-Hop? Oder Trip-Hop? Keine Ahnung, eben nicht mein Fachgebiet.
Aber auch mir als "Außenstehendem" ist das Album aufgefallen.
Mit dem berühmen Billy Cobham-Sample
im Single-Hit "Safe From Harm" ("I was looking back at
her, if she was looking back at me ..."). |
Mekons: "The Curse Of The Mekons" (Sin, April 1991) |
1990
gab's einen kurzen Flirt mit dem Majorlabel A&M. Dabei entstand
die abgedrehte Maxi "F.U.N. 90", die die Plattenbosse wohl
ziemlich verschreckt haben muss. Beim alten Heimatlabel Sin ging's dann
aber in aller Frische weiter. "Curse" steigert noch mal das,
was "Rock N' Roll"
schon andeutete! |
This Mortal Coil: "Blood" (4AD, April 1991) |
Der
dritte Streich von Ivo Watts-Russell, hauptberuflich Labelboss
von 4AD, und dem Produzenten John Fryer erschien völlig
überraschend mit 5jährigem Abstand zum genialen Vorgänger
"Filigree & Shadow".
Aufbauend auf dem allgegenwärtigen Streicherensemble um Martin
McCarrick, Sally Herbert und Jocelyn Pook wurden wieder
viele Gäste eingeladen (u. a. Tanya Donnelly und Kim
Deal von den Breeders, Heidi Berry, Caroline Crawley
von Shelleyan Orphan), um sphärische Eigenkompositionen
von Fryer, McCarrick und Watts-Russell und ungewöhnliche Coverversionen
aufzunehmen, z.B.: "With Tomorrow" (Gene
Clark/Byrds), "You And Your Sister" und "I Am The
Cosmos" (Chris Bell/Big
Star), "Nature's Way" (Randy California/Spirit), "Late
Night" (Syd Barrett/Pink Floyd) und "Help Me Lift You Up"
(Mary-Margret O'Hara). |
Elvis Costello: "Mighty Like A Rose" (Warner, Mai 1991) |
It's
like the anger thing. It's only as useful to you as you can employ
it. You can't always be in a rage about everything, a curmudgeon.
I mean, why would anyone be like that? You'd just make yourself miserable.
I guess there are people like that but I'm not one of them. Maybe
what you learn over a period of time is how to use it, like a beam
on a particular thing you're moved to write about...As for hate, on
the evidence of Mighty Like A Rose, I'd have to say yes, I don't consciously
invite it, it's just the way it is". (EC)
Elvis hat hier eine Band von Spitzenkönnern um sich versammelt,
die sich aber alle den Songs unterordnen: Larry Knechtel (p),
Marc Ribot (g), Mitchell Froom, Nick Lowe (bg),
Jerry Scheff (bg), Jim Keltner (dr), aus New Orleans
die Dirty Dozen Brass Band u.v.a.
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Richard Thompson: "Rumour & Sigh" (Capitol, Mai 1991) |
Wie
immer in den 90ern: ein gutes Album mit scheußlichem Cover von
einem der besten britischen Songschreiber und Gitarristen, der seit
einiger Zeit in den USA beheimatet ist. Vom Keyboarder Mitchell Froom
in L.A. betreut und mit dessen "üblichen Verdächtigen"
eingespielt: Jim Keltner (dr) und Jerry Scheff (bg). Folkloristische
Akzente setzen alte Kollegen aus britischen Folkrocktagen: Simon
Nicol (g), Clive Gregson+Christine Collister (v),
John Kirkpatrick (acc), Aly Bain (vio) und Phil Pickett
(Blasinstrumente). Für mich wird dieser Mann komplett unterschätzt,
denn wo gibt es schon mal jemanden mit zwei solchen Ausnahmetalenten?
Da fällt mir höchsten noch Bruce Cockburn ein. |
Yo La Tengo: "That Is Yo La Tengo" (City Slang, Mai 1991) |
Wiedergefunden in der Grabbelkiste!
(24.01.2014) |
FSK: "Son Of Kraut" (Sub Up, Juni 1991) |
Diese
Band aus München um den Sänger, Gitarristen, Kornettspieler,
Lapsteeler, Buchautor und Radio-DJ Thomas Meinecke hat einen
interessanten Wandel durchgemacht: gegründet in der Zeit der "Neuen
Deutschen Welle" hat man sich aber zunehmend mehr für amerikanische
Musik interessiert und diese Album sogar in Virginia unter der Mithilfe
von David Lowery (Camper Van Beethoven, Cracker) aufgenommen.
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Graham Parker: "Struck By Lightning" (Demon/RCA, Juni 1991) |
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Struck By Lightning was the culmination of Graham Parker's previous two
records, where he increasingly began to chronicle domestic tasks and affairs
of the married heart. For such an intimate subject, Parker wisely decided
to scale back the musical ambition of Human Soul on Struck By Lightning,
recording a lean, stripped-down album that relies heavily on acoustic
guitars. Appropriately, his lyrics were some of the most concise he has
written in years, breathing life into tales like "The Kid With the
Butterfly Net" and "Wrapping Paper." Parker's music is
similarly simple and tuneful, making Struck By Lightning his best effort
since the early '80s.
(by Stephen Thomas Erlewine, All
Music Guide)
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Blue Aeroplanes: "Beatsongs" (Chryalis/Ensign, Aug. 1991) |
Obwohl die Band aus Bristol schon mehrere Alben veröffentlicht hatte,
erreichten sie erst mit diesem zweiten Major-Release auch außerhalb
Englands etwas größere Aufmerksamkeit. Dabei wird hier "eigentlich"
nur ganz normale gitarrenorientierte Rockmusik geboten, allerdings gleich
mit drei (!) Gitarristen, wie damals bei Lynyrd Skynyrd (das ist aber
Gott sei Dank die einzige Gemeinsamkeit!). Im Mittelpunkt stehen die
Texte von "Sänger" Gerald Langley, den man eigentlich
eher "Sprecher" nennen müsste, da er definitiv ohne Melodien
auskommt und die einzige Konstante in den wechselnder Bandbesetzungen
ist. Sollte ein Lied dann doch mal eine richtige Melodie brauchen, so
übernimmt das Singen dann einer der drei Gitarristen. Zum festen
Lineup gehört auch ein polnischer Tänzer (!). Davon, dass
das Ganze keine Spinnerei von Engländern ist, konnte ich mich mal
bei einem Liveauftritt in einer Halderner Dorfdisco überzeugen.
"Beatsongs" enthält klasse Songs, z.B. die Single "Yr
Own World" und meiner Lieblingsnummer "Cardboard Box"
und die Coverversion von Paul Simon: "Boy In The Bubble".
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The Aeroplanes keep the arty groove going on their follow-up to Swagger,
with little specifically changing about them or their general approach.
There is one notable difference, namely the departure of John Langley
on drums. Replacement Paul Mulreany does a fine enough job, at points
offering up some fairly tight (as opposed to stiff) percussion; the band
otherwise chugs along as before. Langley's lyrical sense and delivery
still does the business, his elaborate wordplay and rich metaphors avoiding
preciousness on the one hand and doggerel on the other. Recording the
album mostly in L.A. didn't seem to affect them any either; while producer
Larry Hirsch doesn't do much different from what Norton did on Swagger,
he keeps everything sounding just fine. A running U.K. music press joke
at the time had the group appearing à la superheroes in sticky
situations and putting on "spontaneous rock & roll concerts"
to save the day. It may seem odd, but the sound of the Aeroplanes on Beatsongs,
just loose enough on the one hand and excellently performed on the other,
actually fits that description rather well. Songs like "My Hurricane,"
which manages to sound both quite intense and nicely relaxed at the same
time, or the surprising but quite successful cover of Paul Simon's "The
Boy in the Bubble" add to the overall quality. "Huh" kicks
everything off with understated fire, and with Langley in fine vocal form
as always. Many other fine high points are the slow, measured, lovely
chiming and pace of "Cardboard Box," and "Jack Leaves/Back
Spring" and its lovely, rustic atmosphere. Allen once again takes
a lead vocal turn at points, on his own upbeat music-resigned lyric confection
"Fun" and the enjoyable, sprightly semi-R&B of "Streamers,"
both times doing the business with style.
(by Ned Raggett , All
Music Guide)
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Van Morrison: "Hymns To The Silence" (Polydor/Exile, Sept. 1991) |
Mal
wieder ein grandioses Album des Meisters der tiefen Gefühle. Das
Ganze ist dann auch noch eine Doppel-CD und trotzdem völlig ohne
überflüssiges. Neben Vans Songs (herausragend: "Take me
Back", das den Geist von meisterlichen Liedern wie "Common One"
und "Listen To The Lion" wieder
aufleben lässt) und Gesang steht die Orgel von Georgie Fame im Mittelpunkt.
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Selbst den konventionellen R & B-Titelsong Ordinary Life hebt der dickschädlige Ire noch über das Niveau gängiger Dutzendware. Auch sonst wuchert er mit seinen Pfunden. Mal knödelt er, unverkennbar, Some Peace Of Mind, umgarnt von einem Mädels-Chor, dann swingt er locker im Big-Band- Arrangement (So Complicated), schmalzt sodann als Country-Cowboy I Can't Stop Loving You, um wenig später voll Inbrunst zu gospeln (See Me Through) oder fast zehn Minuten Hymns To The Silence zu zelebrieren. Das hat Stil!
(© Audio)
Nicht nur, daß Van Morrison fast ein Jahr nach "Englightenment" ein neues Album vorlegt, er war auch so produktiv, daß es gleich zwei Platten (LP wie CD) wurden. Stilistisch bewegen sich die Songs in dem Terrain, das man seit "Avalon Sunset" kennt. Mit Kompetenz und Überzeugungskraft interpretiert Morrison seine trotz eines gewissen "Déjà vu"-Effekts melodisch immer wieder ansprechenden Kompositionen zumeist in einem mit Folk- und Pop-Elementen durchsetzten Rhythm & Blues- oder Jazz-Idiom, er scheut aber auch nicht vor amerikanischer Country- ("I Can't Stop Loving You") und Gospel-Music ("See Me Through Part II") oder einem irischen Kirchenlied ("Be Thou My Vision") zurück. Und mehr als einmal beweist er auf diesem Album, daß der größte weiße Soul-Sänger Van Morrison heißt. Liebhaber der meditativen, introspektiven Seite Morrisons werden die langen Balladen "Hymns To The Silence" und "Take Me Back" mögen. Popfans dürften mehr Gefallen an "Professional Jealousy" oder "Quality Street" (Text von "Dr. John" Mac Rebennack) finden - und ganz sicher an "Why Must I Always Explain" mit einer hinreißenden Melodie und bemerkenswerten Textzeilen. Faszinierend in ihrer atmosphärischen Dichte gerieten auch zwei Songs mit nur gesprochenem Text, von denen "Hyndford Street" (der Name der Straße in Belfast, in der Morrisons Geburtshaus steht) ein weiteres Kapitel aus den Kindheitserinnerungen des Künstlers aufschlägt: grandios. ** Klang.: 09-10
(© Stereoplay)
Morrison's best album of the '90s still casually hangs out in the spiritual world that served as his home for most of his '80s material, but the mystical touches are at least kept in check for a good deal of the time. Better still is that Morrison sings with a passion that had crawled into laziness during big, and crucial, chunks of his career (most prominently the early to mid-'80s). The songs, or more accurately (as the title makes very clear) hymns, combine the elements that have guided Morrison's best albums -- R&B, folk, pop, Celtic, rock, even gospel -- for a satisfying journey through the mystic and the real. Its double-disc length, however, is a bit off-putting; a spirited rewrite of his last album (1990's Enlightenment) really doesn't need this much space to make its point. But his rambling musings (like the soulfully suave "Why Must I Always Explain") retain a compelling power.
(by Michael Gallucci, All Music Guide)
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Nirvana: "Nevermind" (Geffen/Sub Pop, Sept. 1991) |
Im Sommer '91 war ich mit ein paar Kumpels auf dem Spex-Festival im
Kölner Tanzbrunnen. Da ich mich damals nach einem Unfall beim Tanzen
(wirklich!) nur mit Krücken bewegen konnte, kann ich mich noch
gut daran erinnern, wie ich die ganze Zeit dort nur herumsaß und der
Musik lauschte. Eigentlich war ich ja nur wegen Sonic Youth da.
Es spielten aber auch Nirvana, die ich nur dem Namen nach von einem
SPEX-Artikel zu ihrem ersten (und nach meinem Geschmack nicht so dollen)
Album "Bleach" her kannte: und sie waren total beeindruckend,
stachen aus dem Lineup des Festivals deutlich heraus. Im Herbst stand
dann "Nevermind" im Plattenregal von Lothars "Popshop"
in Wesel und ich habe mir das Album dann aufgrund des guten Eindrucks
von dem Auftritt zugelegt. Allerdings ging ich immer noch davon aus,
dass es sich dabei um das übliche Insiderding handelt, bis mich
Lothar darauf aufmerksam machte, dass die Platte sich "ziemlich
gut" verkaufen würde, was ich damals kaum glauben konnte.
Trotzdem hat dann keiner von uns damit gerechnet, dass im Frühjahr
1992 mit der Single "Smells Like Teen Spirit" DERMASSEN die
Post abgehen würde!
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The overnight success story of the 1990s, Nirvana's second album and
its totemic first single, "Smells Like Teen Spirit," shot up
from the Northwest underground -- the nascent grunge scene in Seattle
-- to kick Michael Jackson off the top of the Billboard album chart and
blow poodle-hair metal off the map. No album in recent history had such
an overpowering impact on a generation -- a nation of teens suddenly turned
punk -- and such a catastrophic effect on its main creator. The weight
of success led already troubled singer-guitarist Kurt Cobain to take his
own life in 1994. But his slashing riffs, corrosive singing and deviously
oblique writing, rammed home by the Pixies-via-Zeppelin might of bassist
Krist Novoselic and drummer Dave Grohl, put the warrior purity back in
rock & roll. Lyrically, Cobain raged in code -- shorthand grenades
of inner tumult and self-loathing. His genius, though, in songs such as
"Lithium," "Breed" and "Teen Spirit" was
the soft-loud tension he created between verse and chorus, restraint and
assault. Cobain was a pop lover at heart -- and a Beatlemaniac: Nevermind
co-producer Butch Vig remembers hearing Cobain play John Lennon's "Julia"
at sessions. Cobain also fought to maintain his underground honor. Ultimately,
it was a losing battle, but it is part of this album's enduring power.
Vig recalls when Cobain was forced to overdub the guitar intro to "Teen
Spirit" because he couldn't nail it live with the band: "That
pissed him off. He wanted to play [the song] live all the way through."
(Rolling Stone)
Total album sales: 7,918,000
Peak chart position: 1
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The Perc Meets The Hidden Gentleman: "Lavender" (Strange Ways, Sept. 1991) |
Das Meisterwerk des inzwischen zu einer kompletten Band angewachsenen Duos
Tom Redecker und Emilio Winschetti - und außerdem ein
(ACHTUNG UNCOOL!) KONZEPTALBUM über die uralte Kulturpflanze
Lavendel. Für den Song "The Moon On Both Sides" würden
Pink Floyd wahrscheinlich über Leichen gehen.
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Red Hot Chili Peppers: "Blood Sugar Sex Magik" (Warner, Sept. 1991) |
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The Red Hot Chili Peppers' best album, Blood Sugar Sex Magik benefits immensely from Rick Rubin's production -- John Frusciante's guitar is less overpoweringly noisy, leaving room for differing textures and clearer lines, while the band overall is more focused and less indulgent, even if some of the grooves drag on too long. Lyrically, Anthony Kiedis is as preoccupied with sex as ever, whether invoking it as his muse, begging for it, or boasting in great detail about his prowess, best showcased on the infectiously funky singles "Give It Away" and "Suck My Kiss." However, he tempers his testosterone with a more sensitive side, writing about the emotional side of failed relationships ("Breaking the Girl," "I Could Have Lied"), his drug addictions ("Under the Bridge" and an elegy for Hillel Slovak, "My Lovely Man"), and some hippie-ish calls for a peaceful utopia. Three of those last four songs (excluding "My Lovely Man") mark the band's first consistent embrace of lilting acoustic balladry, and while it's not what Kiedis does best as a vocalist, these are some of the album's finest moments, varying and expanding the group's musical and emotional range. Frusciante departed after the supporting tour, leaving Blood Sugar Sex Magik as probably the best album the Chili Peppers will ever make.
(by Steve Huey, All Music Guide)
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American Music Club: "Everclear" (Alias, Okt. 1991) |
Der
American Music Club war das Vehikel des Sängers und Songschreibers
Mark Eitzel. "Everclear" war das letzte Album bei einem
Independentlabel, bevor irgend jemand bei Virgin auf die Idee kam, den
AMC groß herausbringen zu wollen. Nach zwei künstlerisch ebenso
gelungenen Major-Veröffentlichungen war dann Schluss, der Club
schloss seine Pforten. Wir hören auf allen Alben der Band wunderschöne,
aber doch tieftraurige Musik. Nichts für Selbstmordgefährdete. |
Bruce Cockburn: "Nothing But A Burning Light" (Columbia, Okt. 1991) |
Den
kanadischen "Politrocker" hatte ich eigentlich gar nicht auf
meiner Rechnung - und dann ausgerechnet bei einem großen Laden eine
dermaßen gute Produktion (dank T-Bone Burnett!), klasse Songs,
Gesang und Gitarre von Cockburn und eine ganz feine Begleitband:
Booker T. Jones (Orgel), Jim Keltner (Schlagzeug) und Edgar
Meyer (Kontrabass), ergänzt durch interessante Gastmusiker:
u.a. Mark O'Connor an Geige und diversen Saiteninstrumenten,
sowie Jackson Browne und Burnett's Gattin Sam Phillips
im Backgroundchor. |
The Cocoon: "Stretching Things" (What's So Funny About, Okt. 1991) |
"Psychedelik-Rock
& Fusion-Jazz" - ein blödes Etikett, aber es ist schwer
den Stil dieser Platte zu beschreiben. Vielleicht einfach die beteiligten
Musiker erwähnen? Jazzlegende Gunther Hampel an Vibraphon,
Keyboards und Blasinstrumenten, Gitarrist und Toningenieur Matthias
Arfmann (Kastrierte Philosophen),
Sänger/Gitarrist Jürgen Gleue von den legendären 39 Clocks
und Schlagzeuger Rüdiger Klose (Kastrierte
Philosophen und auch Mitwirkender bei den 39 Clocks). Eine
starke und unvergleichliche Platte! |
Garland Jeffreys: "Don't Call Me Buckwheat" (RCA, Okt. 1991) |
Nach
fast 10jähriger Pause mal wieder ein Album des New-Yorker Querdenkers,
der hier seine Lebensgeschichte als Mischlingskind zwischen Schwarzen
und Weißen thematisiert. Es gibt mit "Hail, Hail, Rock'n'Roll"
sogar eine Single, die zwar nicht die Charts stürmte, aber viel
Radio-Airplay bekam. Wie immer bei Jeffreys war das eigene Material
überzeugend (auch mit modernen Hiphop-Elementen) und die musikalische
Umsetzung perfekt. Dafür sorgten u. a.: Steve Jordan (dr),
Sly & Robbie (Jamaikas beste Rhythmusgruppe), Hugh McCracken
(g), Paul Griffin (p), Mike Brecker (sax), Bernard
Purdie (dr), G. E. Smith (g), Vernon Reed (g) und
auch sein alter Weggenosse Alan Freedman (g). |
Talk Talk: "Laughing Stock" (Verve, Okt. 1991) |
Wenn
das keine Veradelung ist! Auf dem amerikanischen Jazzlabel Verve erscheint
der Schwanengesang von Mark Hollis (die anderen Bandmitglieder,
Bassist Paul Webb und Drummer Lee Harris, spielen eine
eher untergeordnete Rolle). |
Teenage Fanclub: "Bandwagonesque" (Creation, Nov. 1991) |
Ein kleine aber feine Gitarrenband aus Schottland, die nie an der Spitze,
aber immer spitzenklasse war und alle Strömungen - auch den Britpop
- überlebt hat.
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The gold standard of the early-'90s power pop revival, in its own way Bandwagoneque was as much a benchmark as contemporary records like Nevermind and Loveless; though not the generational rallying cry of the former nor the revolutionary sonic breakthrough of the latter, Teenage Fanclub's sophomore album nevertheless heralded the return of melody and craft, coupled with energy and spirit -- hallmarks of much of the greatest rock & roll of the past, and virtues as rare as hen's teeth in the years immediately prior to the disc's release. Although its incandescent harmonies, lazily immediate songs, and crunching guitars earned it endless comparisons to vintage Big Star, Bandwagonesque is in every way a product of its own time -- the thick, grungy sound of the Fannies' debut A Catholic Education remains intact for gems like "What You Do to Me" (arguably the most brilliantly simpleminded love song ever penned) and the instrumental "Satan," while the lyrics of other standout moments like "Star Sign" and "Alcoholiday" reflect a laissez faire irony and unassuming genius even more emblematic of the moment in question.
( by Jason Ankeny , All Music Guide)
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Sister Double Happiness: "Heart And Mind" (Reprise, Dez. 1991) |
"Blueshardrock" (i.w.S.) vom Feinsten. Das zweite Album der
Band um den schwergewichtigen Sänger Gary Floyd, Ex-Punkrocker
und bekennender Schwuler, der sich auch in seinen wunderschönen
Liebestexten nicht versteckt, sondern ganz offen von "him"
singt. Da das Album nach dem SST-Debüt von 1988 bei einem
Majorlabel erschien, wird es von vielen als das schwächere Album
eingeschätzt, aber ich kann diese Einschätzung nicht teilen
(SST=Independent=Kult, Reprise=Major=Pfui). Zwar werden zwei Songs vom
Debüt in neuen Versionen unter die Leute gebracht ("Sweet
Talker" und der Ohrwurm "You Don't Know Me"), dazu kommt
aber mit "Exposed To You" ein Konzert-Highlight und mein absolutes
Lieblingsstück von der Band. Zudem gibt es neben dem härteren
Bluesrock der Band, nicht unähnlich dem mancher großen Bluesrocker
aus den 70ern (z.B. Free oder ZZ Top), sogar mit "The
Sailor Song" einen wunderschönen Countrysong und in der abschließenden
Ballade "You For You" zeigt die Trommlerin Lynn Perko
(live sehr beeindruckend!) auch am Klavier ihr Können. Natürlich
(?) war die Platte bei allen Anstrengungen auf dem Mainstreammarkt ein
totaler Flopp. Ach ja - und irgendwo auf der Platte macht unser guter
alter John Cale "Radar Blips".
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"A fairly nice rock album from the wilds of California, mixing up
elements of Creedence Clearwater Revival, Grateful Dead, Los Lobos and
more. Rough boogie drums from lady powerhouse Lynn Perko, slurred vocals,
bad-mannered blues guitar with the smooth edges blasted away, and a musical
bent that goes from folky acoustic ballads to riffing that would make
Bo Diddley faint" (Steven McDonald, All Music Guide)
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Biff Bang Pow! "L'amour, Demure, Stenhousemuir" (Creation, 1991) |
Alan
McGee ist eigentlich Labelboss bei Creation (und somit mit Oasis
zu Geld gekommen) und betrieb zusammen mit dem Gitarristen Richard
Green diese "Hobbyband". Das vorliegende Album fiel mir,
muss ich gestehen, zuerst wegen des Coverfotos auf (Hach ja!), blieb
aber dann wegen der wunderbaren und zerbrechlichen, an den späten
60ern orientierten und trotzdem nicht altmodischen Gitarrenmusik lange
auf meinem Plattenteller. Der Covertext macht es zwar nicht deutlich,
aber es handelt sich um eine Single/Maxi-Compilation der Jahre 1984-91. |
Fatima Mansions: "Viva Dead Ponies" (Radioactive/Kitchenware, 1990/1991) |
[Microdisney]
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The title that the Fatima Mansions originally had in mind for their second album was "Bugs F*cking Bunny," but the alternative rockers ended up going with the more marketable title Viva Dead Ponies. That's the only real compromise that was made with this CD -- both musically and lyrically, Viva Dead Ponies was among the more uncompromising releases of 1991. The Mansions' lyrics don't go out of their way to be accessible, and musically, the band isn't afraid to keep the listener guessing. Some of the songs are quite melodic (especially "The Door-to-Door Inspector," "Broken Radio #1," and "You're a Rose"), but on "Look What I Stole for Us, Darling" and the single "Blues for Ceausescu" (which reflects on the overthrow and execution of Romania's Stalinist dictator Nikolai Ceausescu), the Mansions make it clear that they aren't afraid to be blistering and highly abrasive. With the Mansions, you never know if you're going to get something as hauntingly melodic as "The Door-to-Door Inspector" or something metallic and industrial-influenced like "Look What I Stole for Us, Darling." Viva Dead Ponies isn't easy to absorb on the first listen, but after several listens, it becomes increasingly clear just how much this risk-taking effort has going for it.
(by Alex Henderson, All Music Guide)
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Monks Of Doom: "Meridian" (Baited Breath, 1991) |
Im Prinzip sind das hier Camper Van Beethoven
ohne deren Sänger David Lowery, also Bassist Victor Krumenacker,
Gitarrist Greg Lisher und Drummer Chris Pedersen, zusammen
mit Gitarrist David Immerglück. |
Matthew Sweet: "Girlfriend" (ZOO, 1991) |
Kaum
von der öffentlichkeit beachtet bringt der Gitarrist, Bassist,
Sänger & Songschreiber wunderbare Alben heraus. Daneben war
er mir nur am Rande als Mitspieler bei Lloyd Cole und Anton Fiers
Golden Palominos aufgefallen. Tolles Cover, nicht wahr? |
Union Carbide Productions: "From Influence To Ignorance" (Radium/MNW, 1991) |
Tolle Platte! Hatte ich völlig vergessen und erst jetzt, wo Ebbot
Lundbergs neue Band "The Soundtrack
Of Our Lives" auch bei uns bekannter wird (u. a. durch den
tollen Auftritt beim Haldern Openair!) und ich die alte CD rausgekramt
habe, fällt mir das wieder auf. Allerbester SCHWEINEROCK aus Schweden!!!
Iggy, eat our heart out!
(10.11.2004)
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This third release was bound to disappoint fans of the outrageous Stooges/Beefheart-influenced
band. The album swung through a wider variety of styles, including Stones-style
boogie rock ("Be Myself Again," "Baritone Street,"
"Circles"), melancholy ballads ("Golden Age," "Can't
Slow Down"), and one genuine psychedelic epic ("Coda").
Taken on its own terms, the 1991 outing is a masterpiece of dissolution,
disappointment, and loss. Chiming Byrds-style acoustic guitars, tambourines,
and piano underscored the evolution toward a cleaner production sound.
The band's playing never sounded more assured, although some detractors
would claim this was a detrimental point. While lacking the whacked-out
intensity of In the Air Tonight, From Influence to Ignorance displayed
new maturity in Union Carbide Productions' growth as a recording and performing
entity. Additionally, it represented a personal watershed for Ebbot Lundberg
as a singer, lyricist, and producer.
(by Joe Pettit, Jr. , AMG) |
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The Wellsprings Of Hope:
"Phonograph" (Safety Net, 1991) |
"Garagesoul"
von Pat Johnson aus San Francisco, den der eine oder andere von
Euch vielleicht als Gitarrist und Songschreiber von/für Penelope
Houston kennt, zusammen mit zahlreichen Mitstreitern aus der Bay-Area-Szene.
Singer/Songwriter- Musik mit Wurzeln im Garagenrock (=Gitarre) und Soul
(=Bläser). |
(2019-12-08)