Cowboy Junkies: "The Trinity Sessions" (RCA, Jan. 1988) |
Mit
ihrem zweiten Album gelang dem kanadischen Quartett um die Geschwister
Margo (v), Michael (g) und Peter Timmins (dr) und
dem Bassisten Alan Anton völlig überraschend der Durchbruch.
Live in einer Kirche mitgeschnitten werden extrem langsame Songs gespielt,
meist aus der Feder des Gitarristen Michael Timmins. Auch Fremdkompositionen
wie Lou Reeds "Sweet
Jane" oder "Blue Moon" von Elvis Presley klingen
völlig verwandelt. |
Hothouse Flowers: "People" (London/FFRR, Jan. 1988) |
Das
Album und vor allem die Single "Don't Go" brachten frischen
Wind aus Irland in das Jahr 1988. Die Band habe ich auf einer "After
School Party" in Oberhausen entdeckt - soweit ich mich da richtig
erinnern kann. |
Robyn Hitchcock & The Egyptians: "Globe Of Frogs" (A&M, Feb. 1988) |
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Ironically, the band's major-label debut was a step down from their last LP, albeit a solid effort. They're most in command on the faster tunes: the psychedelic, almost danceable "Tropical Flesh Mandala," the rockabilly-flavored "Sleeping With Your Devil Mask," the New Wave rocker "Unsettled," and the catchy, hand-clapping gimmick song "Balloon Man." Plus the similarity of Hitchcock's mid-tempo pop craftsmanship and twangy guitar style to REM (e.g., "Vibrating") is brought out in the open by two Peter Buck guest spots: "Chinese Bones" and the cheerful, mid-60's style album closer, "Flesh Number One (Beatle Dennis)," which also features harmony vocals by Glenn Tilbrook. But too often they slow the tempo; on the title track they deliver a weird, evocative blend of Indian mysticism, Dylan-style harmonica, and a creepy late 60's John Lennon-style chorus. This sort of approach gets out of control on the plodding, soporific "Luminous Rose," and some of the rockers are dull ("The Shapes Between Us..."). It's not a career high point, but the disc still shows off enough intelligence and creativity to make itself worthwhile."
(J.Allroy)
|
McCarthy: "This Nelson Rockefeller" (Feb. 1988) |
Eine
rare 12"-EP von der Band, bei der Tim Gane vor Stereolab
gespielt hat. Im Prinzip ist das typischer britischer Gitarrenpop der
"C86"-Generation. Der zurückhaltende Einsatz von Keyboards
und Drumcomputern lässt aber schon erahnen, dass das Stereolab-Konzept
nicht "aus dem Nichts" entstanden ist. Im Mittelpunkt stand
damals aber noch Sänger & Texter Malcolm Eden. Besonders
schön finde ich das scheinbar schlichte & billige, aber doch
sehr künstlerische Cover mit dem Loch in der Mitte und seiner kaum
lesbaren silbernen Schrift auf grauem Karton.
(08.09.2009) |
The Weather Prophets: "Judges, Juries & Horsemen" (Creation, Feb. 1988) |
Auch
mit dem dritten regulären Album (wenn man die Kompilation "Diesel
River" mitzählt) gelang Peter Astor nicht der große
Durchbruch. Das war viel zu unspektakulärer Gitarrenrock, aber
eben ganz nach meinem Geschmack. Mit der Single "Always A Light"
gibt es auf jeden Fall noch mal einen schönen Ohrwurm - es hat
bloß nicht gereicht. |
The Church: "Starfish" (Arista, März 1988) |
Die
australische Band um den Sänger, Bassisten und Songschreiber Steve
Kilbey auf ihren künstlerischen und kommerziellen Höhepunkt.
"Under
The Milky Way" ist eines meiner absoluten Lieblingslieder.
Das Album hält sogar noch mehr Songs (fast) aus dieser Preisklasse
bereit. |
Nanci Griffith: "Little Love Affairs" (MCA, März 1988) |
Meine
erste Affäre mit Nanci. Hier hat MCA zwar versucht, sie als neuen Star
für die breite Masse aufzubauen - und die Musik doch nicht kaputt
gekriegt. Neben den vorzüglichen eigenen Songs, etwa "Anyone
Can Be Somebody's Fool" oder der Kooperation mit Tom Russell
("Outbound Plane") finde ich besonders das Duett mit John
Stewart bei dessen Song "Sweet Dreams Will Come" gelungen.
Auch die Liste der Gäste ist erlesen: zwar irgendwie eine Art "Nashville-Mafia"
- aber sie sind halt die besten: Mark O'Connor (vio), Sam
Bush (mand), Bela Fleck (bj), Roy Huskey (bass) und Lloyd Green
(pedal steel). Nur Jerry Douglas war wohl verhindert ... |
Microdisney: "39 Minutes" (Virgin, März 1988) |
Der Schwanengesang einer der besten und unbekanntesten britischen Popgruppen.
Sänger Cathal Coughlan gründete danach die bizarren Fatima Mansions,
Gitarrist Sean O'Hagen wandelte mit den High Llamas auf dem Spuren von
Brian Wilson. |
Pixies: "Surfer Rosa" (4AD, März 1988) |
Wenige
Monate nach der Debüt-EP "Come
On Pilgrim" erschien endlich das erste Album und erfüllte
alle Erwartungen, die gesetzt waren. |
The Godfathers: "Birth, School, Work, Death" (Epic, März 1988) |
Eine
gewaltige Platte, irgendwo zwischen Punk und R&B. Der Sänger
Peter Coyne, sein Bruder Chris Coyne am Bass und ihre
drei Mitstreiter brachten im Titelsong mit 2 Akkorden und 4 Worten alles
über das Leben eines Menschen auf den Punkt: "Birth, School,
Work, Death". Brilliant. |
Ian Matthews: "Walking A Changing Line" (Windham Hill, April 1988) |
Das
Comeback nach mehrjähriger Pause wirkt auf den ersten Blick wie ein
Konzeptwerk bzw. eine reine Kopfgeburt: alle Songs sind von dem genialen
Songschmied Jules Shear, gesungen von Matthews mit seiner Ausnahmestimme,
begleitet von wechselnden Duettpartnern, fast durchweg Keyboarder (z.B.:
Patrick O'Hearn, Van Dyke Parks und Mark Hallman).
Und dann noch bei dem eher esoterisch angehauchten und auf Instrumentalmusik
spezialisierten Label Windham Hill (Alex DeGrassi, William Ackerman,
George Winston)! Das hätte alles furchtbar in die Hose gehen können,
tat es aber nicht. Dank Ians Stimme und Jules' Songs. |
Mekons: "So Good It Hurts" (Sin, April 1988) |
Meine
erste Bekanntschaft mit dieser fantastischen Band aus Leeds, die es
bereits seit Ende der 70er gibt und auch im Jahre 2004 als (loses) Kollektiv
mit Wahlheimat Chicago noch existiert. Angeblich ein schwächeres Album
(so manche Kritiken), aber eines meiner liebsten, das mit "Ghost
Of American Astronauts" eines meiner Lieblingslieder enthält,
damals von mir gerne auf Mixkassetten gepackt.
(09.09.2004) |
Neil Young & The Bluenotes: "This Note's For You" (Reprise, April 1988) |
Für
fast 10 Jahre war Neil Young mit seiner Musik (zu Recht) aus meinem
Aufmerksamkeitsbereich entschwunden: "Hawks & Doves"
von 1980 war einfach nur blass, "Re*Ac*Tor" von 1981 (zumindest
damals) unhörbar, auf "Trans" (1983) sang er von der
Band Kraftwerk inspiriert durch einen Vocoder (igitt), "Everybody's
Rockin'" (1983), die Premiere beim Geffen-Label war (Gott sei
Dank nur 25 Minuten langer) "authentischer" Rockabilly,
"Old Ways" von 1985 dann ebenfalls "authentischer"
Country, "Landing On Water" von 1986 "Stadionrock"
voller Keyboards aber ohne Bassisten. "Life" von 1987 brachte
ihn zwar wieder mit "Crazy Horse" zusammen, lief aber wie
alle Alben seit "Re*Ac*tor" komplett an mir vorbei.
Dann war er wieder bei Reprise und spielte sich ausgerechnet mit dieser
Bigband-Bluesplatte zurück in meine Wahrnehmung. Mit dem Titelsong
hatte er sogar mal wieder einen kleinen Hit. Zumindest lief das Video
mit dem brennenden Michael Jackson des öfteren bei MTV. Bei den Bluenotes
spielten u. a. Crazy Horse Gitarrist Frank Sampedro als Keyboarder,
Langzeit-Pedal Steel-Begleiter Ben Keith als Altsaxofonist
und Langzeit-Gitarren-Roadie Larry Craig als Baritonsaxofonist
mit. Mit Trommler Chad Cromwell und Bassist Rick Rojas
gibt es auch eine neue und flexible Rhythmusgruppe, die in den nächsten
Jahren immer mehr Ralph Molina und Billy Talbot von Crazy Horse ablösen
werden.
Im Nachhinein betrachtet ist dieses Bluesalbum wohl nur als Vorspiel
zum phänomenalen Comebackalbum "Freedom"
zu betrachten, das endlich wieder exzellentes Songwriting hatte und
keine Fingerübung in irgendeinem bestimmten Musikstil war. Von
den ganzen merkwürdigen Alben der "dunklen Phase" habe
ich im Nachhinein eigentlich nur "Hawks & Doves" (einige
gute Songs, z.B. "Captain Kennedy"), "Re*Ac*Tor"
(ich liebe inzwischen guten PUNK!) und "Old Ways" (ich liebe
inzwischen guten COUNTRY!) schätzen gelernt.
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Camper Van Beethoven: "Our Beloved Revolutionary Sweetheart" (Virgin, Mai 1988) |
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After making most of their earliest records on their own dime, Camper Van Beethoven moved up to the big leagues with 1988's Our Beloved Revolutionary Sweetheart, their first album for Virgin Records. While some fans wondered if a larger budget and corporate oversight were going to change the shape-shifting folk-punk smart alecks, the results offered a decisive answer: yes and no. Producer Dennis Herring gave CVB a much bigger and glossier sound than they had ever had before, and between the horn charts, the gated drums, the tasty electric guitar tones, and the keyboards that no longer sounded like they'd been rescued from a junk shop, Our Beloved Revolutionary Sweetheart made the band sound like professionals rather than enlightened (and slightly sloppy) amateurs, which had always been a certain part of their charm. There was also a greater snark in Our Beloved Revolutionary Sweetheart, as the cockiness of their humor developed a sharper and more defensive edge on tunes like "Never Go Back," "Life Is Grand," and particularly the darkly witty paean to Patty Hearst, "Tania." But for all the polish, Our Beloved Revolutionary Sweetheart is still very much a Camper Van Beethoven album, especially when Victor Krummenacher's loping bass kicks in, Jonathan Segal's fiddles and keyboards color the melodies, and David Lowery spins his tales confirming that, despite his loose-limbed attitude and goofy sense of humor, he wasn't a hippie -- or a hipster for that matter. Our Beloved Revolutionary Sweetheart revealed you could clean up Camper Van Beethoven but you couldn't necessarily make them behave, which was certainly a good thing.
(by Mark Demming, All Music Guide)
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Thin White Rope: "In The Spanish Cave" (Demon/Frontier, Mai 1988) |
Eine Zufalls Entdeckung aus der (damals noch dünn gefüllten)
CD-Grabbelkiste! Thin White Rope gab es von ca. 1983 bis 1992, kamen
aus einem Wüstenkaff in Kalifornien und waren mit ihrem "Wüstenrock"
leider nie so erfolgreich, wie sie es verdient gehabt hätten. Den
Kern der Band bildeten Guy Kyser (Gesang/Gitarre/Songwriting)
und Russ Kunkel (Gitarre), mit wechselnden Rhythmusgruppen. Neben
der ungewöhnlichen Gesangsstimme von Kyser war vor allem das doppelte,
ineinander verwobene Leadgitarrenspiel der beiden das Markenzeichen
der Band, vergleichbar also mit der Aufgabenverteilung bei Television
und Eleventh Dream Day. "Spanish Cave"
ist als das erste von mir gekauftes Album der Band mein allerliebstes
und enthält mit "Mr. Limpit" auch meinen Lieblingssong
der Truppe. Neben vielen anderen guten Kyser-Songs gibt's immer mal
wieder geschmackvolle und gleichzeitig überraschende Coverversionen,
die oft ganze EPs ausfüllen. Auf diesem Album sind das zwei von
den Elektropunks Suicide und Blueslegende Jimmy Reed.
Gern werden aber auch Lee Hazelwood, Can und Hawkwind
gecovert.
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The Rope's frame of reference (no surprise to longtime fans) draws from
'60s West Coast folk rock (and like-minded '80s practitioners), but with
darker underpinnings and with an unpretty lead growler in vocalist/guitarist
Guy Keyser. As a songwriter, Keyser (with help from bassist John von Feldt
and guitarist Roger Kunkel) is hip without being condescending and occasionally
(e.g. "Mr. Limpet"'s Don Knotts imagery) show a wickedly funny
sense of humor...They're more interested in challenging their audience
rather than simply regurgitating the same tired riffs that have propelled
many of their compatriots into hockey arenas. Not everything works here...but
there's tons of good stuff...
(by John Dougan, Option 21_88, All
Music Guide)
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Little Feat: "Let It Roll" (Warner, Juli 1988) |
Anfang
1979 hatte sich die Band eigentlich aufgelöst. Im April erschien
das Solodebüt von Lowell George "Thanks
I'll Eat It There", das ich damals nicht sonderlich mochte.
Am 29.06.79 verstarb der begnadete Sänger, Slidegitarrist und
Songschreiber einer der besten Rockbands aller Zeiten. Die übrig gebliebenen
Feats versuchten sich recht erfolgreich als Studiomusiker und Produzenten
(vor allem Keyboarder Bill Payne) und weniger erfolgreich als
Solisten (von Paul Barrere gibt es zwei schwache Soloalben
aus den frühen 80ern). Drummer Richie Hayward war zum
Beispiel beim legendären Rockpalastauftritt von Joan Armatrading
dabei, während Bassist Kenny Gradney in Bob Weirs Nebenprojekt
"Bobby & The Midnites" spielte. Nur von Congaspieler
Sam Clayton ist mir über seine Aktivitäten zu dieser
Zeit nichts bekannt.
Dann erschien fast 10 Jahre später und freudig von mir und sicherlich
allen anderen Feats-Fans begrüßt wie aus heiterem Himmel dieses Comeback,
auf dem Lowell George als Songwriter und Sänger zwar schmerzlich
vermisst wird, aber alle Beteiligten den typischen Feat-Groove sofort
wieder zum Leben erwecken. Lowell muss natürlich gleich durch
zwei Musiker ersetzt werden: Sänger und Gelegenheitsgitarrist
Craig Fuller spielte vorher bei den Countryrockern Pure
Prairie League (wo sein Nachfolger Vince Gill hiess!) und
in der gescheiterten Allstartruppe American
Flyer. Gitarrist Fred Tackett ist ein alter L.A.-Studiohaudegen,
der auch vorher schon als Gast auf vielen Feat-Alben dabei war.
PS: "Thanks I'll Eat It There"
von Mr. George mag ich inzwischen doch ganz gerne!
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Graham Parker: "The Mona Lisa's Sister" (Demon/RCA, Juli 1988) |
Zwischendurch
und völlig unerwartet mal wieder ein schönes Parker-Album.
Zwar gibt's seine alte Band The Rumour nicht mehr, zwei der alten
Kollegen mischen aber immer noch bzw. wieder mit (Brinsley Schwarz
and der Gitarre und Andy Bodnar am Bass). Dazu am Schlagzeug
Terry Williams (ex-Man, Ex-Rockpile,
Ex-Dire Straits), der Steve Goulding aber gut ersetzt. Goulding
trommelt inzwischen bei den Mekons! Graham Parker als Missing
Link zwischen den Dire Straits (= böse) und den Mekons (= gut)?
Eine gewagte These. Parker selber wird das scheißegal sein, denn sein Songs
stehen für sich und brauchen keinen Vergleich zu scheuen. |
Patti Smith: "Dream Of Life" (Arista, Juli 1988) |
Nach
fast 10jähriger Pause (Hochzeit mit Fred Smith, Kinderkriegen,
Kindererziehung) gab es dieses wunderbare Comeback, das von vielen als
"zu kommerziell" abgetan wurde - totaler Blödsinn, denn
die Single "People Have The Power" ist zwar ein Ohrwurm, aber
eben kein Hitparadenschund. Und ein richtiger Hit ist es eh nicht geworden.
Federführend am Album ist neben den alten Mitstreitern aus der
Patti Smith Group (Keyboarder Richard Sohl und Drummer J.
D. Daugherty) Pattis Ehegatte Fred "Sonic" Smith,
ehemaliger MC5-Gitarrist. |
Ferryboat Bill: "Liquors & Telescopes" (Big Store, Aug. 1988) |
Gab
es in den späten 80ern eine richtig gute Gitarrenband aus deutschen
Landen, ja sogar aus den provinziellen Randzonen des Ruhrgebiets, die
locker mit der amerikanischen Konkurrenz vom Schlage Green
On Red oder Thin White Rope mithalten
konnte? Natürlich war das diese Band um die singenden und die Gitarren
zum Krachen bringenden Gebrüder Uebelhöde aus Waltrop
bei Dortmund. Dies ist das wunderbare Longplay-Debüt.
(02.06.2011) |
Green On Red: "Here Come The Snakes" (Red Rhino, Aug. 1988) |
In
den frühen 80ern waren sie neben Rain Parade, den Long
Ryders und Dream Syndicate eine der wichtigsten Bands des
L.A.-Paisley Undergrounds. Bei dieser Platte waren sie auf das Kernduo
Dan Stuart (Gesang) und Chuck Prophet (Gitarre) geschrumpft
und wurden von Musikern aus dem Umfeld der hier produzierenden Memphis-Legende
Jim Dickinson unterstützt. |
John Hiatt: "Slow Turning" (A&M, Aug. 1988) |
Nach
dem beeindruckenden "Bring
The Family" vom Vorjahr mit seinen Kumpels Ry
Cooder, Nick Lowe und Jim
Keltner hatte ich mir vom Nachfolger eigentlich nicht viel versprochen,
den er mit seiner Liveband "The Goners" eingespielt hat. Doch
Slidegitarrist Sonny Landreth entpuppt sich als wahrer Könner,
der Ry Cooder in nix nachsteht
und danach ja auch eine eigene erfolgreiche Karriere startete. Auch
Bassist David Ranson und Drummer Ken Blevins machen ihre
Sache mehr als ordentlich. Produziert hat der Altmeister Glyn Johns,
der auch die Studiogäste geschmackssicher einsetzt: Bernie Leadon
(Ex-Flying Burrito Brother, Ex-Eagle)
an diversen Saiteninstrumenten und James Hooker (Ex-Amazing
Rhythm Ace, aktueller Bandleader von Nanci
Griffith) an der Orgel. Dazu als Chorsänger ein alter Bekannter,
lange verschollen: Dennis Loccoriere (ex-Sänger von Dr.
Hook The Medicine Show - nein, nicht der mit der Augenklappe, sondern
der andere mit der tollen Stimme). Exquisit wie immer ist das Songmaterial,
was sich durch die vielen, inzwischen erschienenen Coverversionen belegen
lässt: "Drive South" (Kelly Willis), "Feels Like
Rain" (Aaron Neville, Buddy Guy) und "Icy Blue Heart"
(Emmylou Harris). Nur von meinem Lieblingssong auf der Platte "Georgia
Rae" war lange nichts zu finden, bis wir uns selber mit W4L
drum gekümmert haben! |
Sylvia Juncosa: "Nature" (SST, Aug. 1988) |
Ende
der 80er war SST mit Bands wie Hüsker
Dü, den Meat Puppets und
den Minutemen absolut kultig. Der Sound nannte sich "Post
Punk", "Hardcore" und dergleichen. Den meisten dieser
Bands war auf jeden Fall ein harter Gitarrensound, der nichts mit Heavy
Metal zu tun hatte, gemeinsam. Inmitten dieses "Männersports"
gab es ganz vereinzelt mal eine Frau, wie zum Beispiel Sylvia Juncosa.
Sie bringt hier auf ihrem Solodebüt phantastische Gitarrenarbeit,
während der Gesang da nicht ganz mithalten kann, was aber keine
Rolle spielt. Ein Song hat es mir dabei besonders angetan: "Lick
My Pussy, Eddie van Halen" ist genauso gut, wie es der Name verspricht.
Bei den Rusty Nails haben Bernd Baumgart
und ich mal ein Lied über die Lady verfasst: "Sylvie
On The Roller-Coaster" handelt davon, wie Bernd mal Anfang
der 90er mit Sylvia Juncosa in Düsseldorf-Oberbilk auf der Kirmes
war (Freunde von uns veranstalteten damals Konzerte und veröffentlichten
diverse Independent-Platten). Da wäre ich gerne dabei gewesen (was Bernd
vielleicht etwas gestört hatte!) |
Steve Earle: "Copperhead Road" (MCA, Sept. 1988) |
"Steve
Earle always played hard country music with the swagger of a rock
& roll star, so it made sense that he would take a detour out
of Nashville, both literally and figuratively. On Copperhead Road,
Earle opted to record in Memphis and veered away from mainstream country
in several directions at once -- into potent hard rock (most notably
on the superb title song, which became his first rock radio hit),
as well as Irish folk (with The Pogues backing Earle on "Johnny
Come Lately"), and even bluegrass (virtuoso acoustic pickers
Sam Bush and Jerry Douglas sit in on "Nothing But a Child").
If Copperhead Road lacked a bit of the tight focus of his acclaimed
debut Guitar Town, it had
energy, firepower, and smart-ass humor to spare (along with Earle's
always-superb songs), and it made clear that Steve Earle had the stuff
to be a contender in rock & roll, if that was what he wanted."
(Mark Deming, All Music Guide)
|
The Go-Betweens: "16 Lovers Lane" (Beggars Banquet, Sept. 1988) |
Der
Schwanengesang der Band mit neuem Bassisten John Wilsteed. Nach
einer Welttournee im Vorprogramm von R.E.M. (ich
war dabei in der Düsseldorfer Philipshalle!) beendeten die beiden
Sänger/Gitarristen und Songschreiber Robert Forster und
Grant McLennan die Sache, um sich jeweils "Solokarrieren"
zu widmen. |
The Jeremy Days (Polydor, Sept. 1988) |
Englischsprachiger
Rock/Pop aus Deutschland von internationalem Format? Im großen Loch
zwischen NDW und Viva? Geht nicht? Geht natürlich doch. Irgendwie.
Hat's aber schwer. Auch mit englischen Starproduzenten (Clive Langer
& Alan Winstanley). Und einer genialen Hitsingle ("Brand New
Toy"). Was hätte alles passieren können, wenn die Jungs
nicht aus Hamburg, sondern London, Manchester oder L.A. gekommen wären? |
Talk Talk: "Spirit Of Eden" (EMI, Sept. 1988) |
Diese
Band begann als mehr oder weniger typische 80er-Jahre Synthiepop-Band
und wurden über ihre Hits hinaus (z.B. "Such A Shame")
von mir auch nicht wirklich wahrgenommen. Dann plötzlich diese
völlig unkommerzielle Musik, die mehr Kammermusik als Rockmusik
war. Neben Sänger Mark Hollis ist als treibende Kraft vor
allem der Produzent und Keyboarder Tim Friese-Green zu nennen. |
Kastrierte Philosophen: "Nerves" (Normal, Okt. 1988) |
Ein
wirklich saublöder Name für eine deutsche Band mit englischen
Texten und starkem amerikanischen bzw. internationalen Einschlag. Das
musikalische und Lebenspaar Matthias Arfmann und Katrin Achinger
produzierte hier seinen künstlerischen Höhepunkt. Es gibt
klasse Gitarrenarbeit und wirklich gute Songs, z.B. das auch als Maxi
veröffentlichte "Toilet Queen" von Achinger und "She's
Allergic" von Arfmann. |
Keith Richards: "Talk Is Cheap" (Virgin, Okt. 1988) |
Was
soll man zu Keef sagen? Er kann zwar eigentlich nicht singen - und macht
daraus das Beste, indem er einen halbwegs guten Bob Dylan gibt und auch
ein paar schöne Songs hat. Wenn man mich fragt, war das besser
als das, was von den Stones zu dieser Zeit produziert wurde. Wichtigster
Mitstreiter und Co-Autor der meisten Songs auf der Platte ist der Drummer
und Produzent Steve Jordan. |
Nanci Griffith: "One Fair Summer Evening" (MCA, Okt. 1988) |
Ein
sparsam instrumentiertes Livealbum aus einem kleinen Club in Austin/Texas.
Zu Nancis Stimme und Gitarre kommen nur James Hooker mit seinem
Piano, ein Kontrabassist und zwei Chorsänger. Diese Stripped-Down-Versionen
bekommen den meisten Songs ganz vorzüglich, z.B.: "Once In
A Very Blue Moon" von Pat Alger, "Roseville Fair" von
Bill Staines und Julie Golds "From A Distance" (viel besser
als Bette Midlers Bombastversion). Am besten ist Nanci natürlich
mit ihren eigenen Liedern, von denen mir besonders "Love At The
Five & Dime" und "Spin On A Red Brick Floor" an's
Herz gewachsen sind. |
Richard Barone: "Cool Blue Halo" (Line/Passport, Nov. 1988) |
Die
Bongos (blöder Bandname!) hatte ich nie bewusst gehört,
weshalb Richard Barone damals ein neuer Name für mich
war. Interessant ist, dass er für sein Solodebüt ein Livealbum
machte, nur mit Gitarren, Perkussion und einem Cello als Soloinstrument
eingespielt. Hier taucht in meiner Plattensammlung zum ersten Mal
der Name von Jane Scarpantoni auf, die danach zu einer der
profiliertesten Cellistinnen der New Yorker Szene wurde: z.B. "Green"
von R.E.M., "Workbook"
von Bob Mould, Sheryl Crow, "Gone Again" von
Patti Smith und natürlich -nomen est omen- "Between
Heaven And Cello", dem bisher letzten mir bekannten musikalischen
Lebenszeichen von Richard Barone.
"Der New Yorker Barone - ehemals Chef der Rockgruppe
Bongos - zeigt hier eine andere Seite. Der Live-Mitschnitt vom Sommer
1987 präsentiert ihn als sensi- blen Interpreten fremder Songs
- etwa Cry, Cry, Cry von den Beatles - und als respektablen Schreiber.
Dabei bevorzugt er folkähnliche Töne." (Audio)
|
My Bloody Valentine: "Isn't Anything" (Creation, Nov. 1988) |
Dieses irische Quartett um den Sänger/Gitarristen Kevin Shields
war zwar kommerziell nie erfolgreich, gilt aber als eine der einflussreichsten
Bands aus dem Bereich des geräuschlastigen Schrammel-Gitarrenrocks.
Drummer Colm O'Ciosoig tauchte Jahre später als Begleiter
von Hope Sandoval auf deren Solodebüt "Bavarian
Fruitcake" auf.
Mehr ...
Heather Phares Though it's often seen as just a precursor to their magnum opus Loveless, in its own way My Bloody Valentine's Isn't Anything is nearly as groundbreaking as their 1991 masterpiece. Not only was it the most lucid, expansive articulation yet of the group's sound, it virtually created the shoegazing scene and spawned legions of followers. The album's tightly structured songs still bore traces of My Bloody Valentine's previous incarnation as jangly indie popsters, but Kevin Shields and company crafted wide-ranging experiments within those confines. "Feed Me with Your Kiss"'s mix of bruising guitars, drums, and sensual boy-girl vocals define My Bloody Valentine's signature sound, while "All I Need"'s weightless guitars and vocal melodies melt into a heady haze. Shields' unique tunings, tremolo, and miking techniques stand out on "You Never Should" and "Nothing Much to Lose," but Deb Googe's surprisingly funky bassline on "Soft as Snow (But Warm Inside)" reaffirms that all of the Valentines contributed to their innovative sound. Indeed, many of Isn't Anything's disturbingly beautiful highlights come from Bilinda Butcher. On the wrenching "No More Sorry," she sings abstractly pained lyrics like "Your septic heart and deadly hand/Loved me black and blue," barely audible over a swarm of fragile yet menacing guitars, while on "Several Girls Galore" she's sexy, yet dazed and distant; it sounds like she's whispering in your ear outside of a blaring nightclub. the Valentines' dark side is especially prominent on the album, particularly on "Sueisfine," where the chorus slyly morphs from "Sue is fine" to "Suicide." Isn't Anything captures My Bloody Valentine's revolutionary style in its infancy and points the way to Loveless, but it's far more than just a dress rehearsal for the band's moment of greatness.
(by Thom Jurek, All Music Guide)
|
R.E.M.: "Green" (Warner, Nov. 1988) |
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"REM are one of the few contemporary manifestations of a classically
straightforward songwriting rock group that, while adhering to the genre's
basic tenets, have created a body of work that both affirms and extends
rock's potential to be both articulate and gut-punchingly powerful. They're
also one of the few contemporary groups where every album can be read
like the next installment in some slow-spooling epic psychodrama, as vocalist
and lyricist Michael Stipe works through his obsessions.
They're arguably best when they're at their most hermetic, when Stipe's
lyrics combine with the hypnotic shapes of Peter Buck's guitar to form
radiant little puzzles that you can tussle with for months. But I still
find myself coming back to 1988's Green, undoubtedly one of their most
open and inclusive sets to date.
It rocks. Between this and the preceding Document, REM had beefed themselves
up, channelling all the transcendental energy of the likes of The Byrds
and Moby Grape into a series of crushing, inspired compositions. Lyrically,
Stipe was really coming out of himself, wrestling with the need to communicate
versus the urge to just curl up into a ball.
The resultant confusion spawned a schizophrenic mix of tracks, from the
airy bubblegum of Pop Song 89 and Get Up, through to the venomous drive
of Turn You Inside Out and the starkly beautiful World Leader Pretend.
And just as it all starts to seem a little too pat, they go out on I Remember
California, like a nagging doubt or a blurred photograph."
|
|
The Waterboys: "Fisherman's Blues" (Chrysalis/Ensign, Nov. 1988) |
Sänger,
Gitarrist und Songschreiber Mike Scott und Mandolinenspieler
und Saxofonist Anthony Thistlethwaite hatte es nach Irland verschlagen,
wo dieses wunderbare Folkrockalbum entstand.
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Mike Scott had been pursuing his grandiose "big music" since he founded the Waterboys, so it came as a shock when he scaled back the group's sound for the Irish and English folk of Fisherman's Blues. Although the arena-rock influences have been toned down, Scott's vision is no less sweeping or romantic, making even the simplest songs on Fisherman's Blues feel like epics. Nevertheless, the album is the Waterboys' warmest and most rewarding record, boasting a handful of fine songs ("And a Bang on the Ear," the ominous "We Will Not Be Lovers," "Has Anybody Here Seen Hank?," and the title track), as well as a surprisingly successful cover of Van Morrison's breathtaking "Sweet Thing."
(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)
|
A R Kane: "69" (Rough Trade, 1988) |
Gefunden in der Grabbelkiste!
(02.06.2011)
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With both early EPs and the M/A/R/R/S smash success behind them, A.R. Kane found themselves more than ready to go ahead with a full album in 1988, and did so wonderfully. It's safe to say that the start of the opening track alone, "Crazy Blue," resembles little else recorded that year or any other one -- a few plucked guitar notes, a sudden jazzy scat-vamp by singer Rudi with his truly unique voice, then a more direct poppish strum, the woozy line, "Ooooh...everything's gone crazy now," followed by a series of intense reverbed chime sounds and bongo-like percussion. From there on in, things take a turn for the strangely captivating in song after song. Never simply poppy nor completely arty, and definitely not just the Jesus and Mary Chain/Cocteau Twins fusion most claimed they were (admittedly song titles like "Spermwhale Trip Over" and "Baby Milk Snatcher" easily led to the description!), A.R. Kane here feels playful, mysterious, and inventive all at once, impossible to truly pin down. The best one-two punch on the record comes from "Sulliday," with buried, measured percussion and evocative drones, and "Dizzy," featuring a mesmerizing call-and-response by Rudi with himself, veering between more gentle, direct vocals and echoed shouts, eerily foretelling much of what Tricky would similarly do years later. An unfairly long-lost classic.
(by Ned Raggett, All Music Guide)
|
And Also The Trees: "The Millpond Years" (Reflex, Mai 1988) |
Normalerweise bekomme ich bei Gitarren, die durch Digitalechos bombastisch
aufbereitet werden, extrem z.B. bei U2 und Cure in den
80ern, leider auch bei manchen Bands des neuen Jahrtausend, ja eigentlich
nur Pickel, aber And Also The Trees aus Mittelengland bilden
da irgendwie eine Ausnahme. Liegt vielleicht daran, dass ihr Bombastsound
eher nach mutierten Balalaikas klingt und kaum nach den Charts schielt.
Diese U2-artigen Gitarren könnten auch der Grund sein, warum
ich aktuellen Bands wie Coldplay, Muse und Vega4
irgendwie nix abgewinnen kann. Wären AATT ebenfalls jetzt
und nicht vor 15 Jahren aktuell, so könnten sie kaum eine meiner
Lieblingsbands werden. Aber mit ein bisschen Rücksicht auf den
Zeitgeist der 80er und dem Vergleich zu viele anderen damaligen Kapellen
...
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"The Millpond Years" is a kind of cult secret that is literally begging to be discovered by a new generation of music fans. When this record was released in 1988 it barely registered in England and the music press (apart from Melody Maker) seemed oblivious to it's existence. And Also The Trees are a great British group who are in dire need of a reassessment by the public. This album is in retrospect their finest simply because it combines the poetical with the organic in a completely new way never heard in any music up to this point. Like all AATT's music, "The Millpond Years" is haunting and complex. They conjure up a world of intense rural disharmony and darkness which is increasingly seductive with each listen. I think the great problem with AATT for many people is the "awkward" sound which greets them on initial listens. Like the greatest paintings or poetry, the beauty of this record is that it creates a unique vision which seeps into your mind and soul and still rewards you years later. Forget all those ridiculous "Cure-comparisons" and "gothic" tags that this remarkable band have been lumbered with over the years and just listen to "The Millpond Years" and share 45 minutes of your life in a deep and sensuous world that rock music has never dreamed of before. An unequivocal masterpiece.
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Edie Brickell & The New Bohemians: "Shooting Rubberbands At The Moon" (Geffen, 1988) |
Irgendwie eine Art One-Hit-Wonder. Die Band stürmte mit dem genialen
"What I Am" (mit dem Jerry-Garcia-mässigen Gitarrensolo)
die Charts, brachte aber nur noch ein kaum beachtetes Folgealbum zustande.
Dann gab's noch ein schönes und total geflopptes Soloalbum der
Sängerin. Sie hat dann - so weit ich weiß - Paul Simon (!)
geheiratet.
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As debut albums by young bands go, Shooting Rubberbands at the Stars is nearly flawless. With a slight southern twinge in her voice, the 23-year-old Brickell churned out brilliant lyrics and captivating vocal performances, backed by the solid and innovative players that comprised the original New Bos -- Kenny Withrow, Brad Houser, John Bush, and Brandon Aly. Twisting words like putty, Brickell wraps herself up in phrases and melodic lines with layers of meaning not easily grasped at first listen. Her simple observations offer deep contemplations for the willing disciples of her musical philosophies. The catchy breakthrough hit "What I Am" is the perfect example: "I'm not aware of too many things/I know what I know, if you know what I mean." Zen and the art of songwriting. On other fronts, Brickell's fascination with actress Edie Sedgwick turned itself into "Little Miss S.," while strained friendships inspired "Circle." Every song on this record hits its mark and is worthy of special attention. How well does "Nothing" capture the frustration of a non-communicative partner? Very well, indeed. Then there's "The Wheel," "She," and "Air of December." Highlights, one and all. Rather than an overblown big rock finish, Shooting Rubberbands at the Stars closes with a solo acoustic performance of "I Do," a quiet plea for a partner who's equal and true, complete and steady; yet another testimony to the simplicity and thoughtfulness that this album and this band offer. "What I Am" did more than kick off a record, it jump started a career amidst the clamor of the late '80s folk-rock scene. Along with 10,000 Maniacs, Tracy Chapman, and others, Edie Brickell & New Bohemians took their place in the spotlight, basking in every second of their 15 minutes of fame.
(Kelly McCartney, www.allmusic.com)
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Alex Chilton: "High Priest" (New Rose, 1988) |
Ein
kleines Comeback des ehemaligen Boxtop- ("Give me a ticket
for an aeroplane...") und Big
Star-Sängers, aber (natürlich) ohne deren kommerziellen
Erfolg. Trotzdem eine schöne Platte mit viel Beatles, Trash,
Blues & Memphis. Und die Coverversion von "Volare"
ist natürlich genial. Und war Chiltons größter Erfolg in
seiner Zeit als Straßenmusiker im großen Loch zwischen Big
Star und diesem Comeback.
"From his humble beginnings as a Box Top, Alex
went on to become a Big Star and well respected cult figure among
the independent music press and the fans as well. He's got a nice
balance of styles here and the rotating cast of musicians helps to
keep the record feeling fresh. And if any of you collect "cover
tunes" there's a version of "Volare" here to bring
tears to your eyes. And the cover photos, well you just can't find
that type of sincerity nowadays." (TralFaz-Archives)
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Guy Clark: "Old Friends" (Sugar Hill, 1988) |
"If
I had to pick, I'd say this is my second favorite Guy Clark album --
and it's a damn close call between this one and South Coast of Texas...
Like Better Days, this has some of his weightier songwriting, but he
has worked in a stronger melodic sensibility, so the songs are more
accessible and captivating. Clark seemed to be in a state of grace for
this one -- several tracks are standouts, including the gentle, philosophically
rich title track, along with "Hands," "To Live Is To
Fly," and "Through Throwing Good Love After Bad," all
of which share a gentle, generously wise world view. His take on American
ancestry, "Immigrant Eyes," should send a tingle through anyone
with Ellis Island ancestry -- one of the most striking "confessional"
songs ever written. Other highlights include "Heavy Metal,"
a tribute to John Deere farm equipment and "Doctor, Good Doctor",
about the foibles of psychoanalysis. As far as the hit-to-miss ratio
goes, this is probably his best overall album -- HIGHLY recommended,
and a must-purchase album, since it's the only album on Sugar Hill,
and none of these tracks make it onto any of the current best-of retrospectives"> |
The Cleaners From Venus: "Town & Country" (RCA, 1988) |
Die Cleaners sind eigentlich das Homerecording-Projekt des englischen
Singer/Songwriters Martin Newell, eingespielt mit wechselnden
Partnern (auf dieser Produktion Keyboarder Giles Smith). Vorherige
Alben gab es nur als Kassette oder Vinyl im Selbstvertrieb, so dass
dieses Album bei der deutschen Abteilung vom Majorlabel RCA doch
sehr überraschte. Bei etwas größerem Budget konnte mit
Ichiro Tatsuhara (dr) und Peter Nice (bg) auch endlich
mal eine echte Rhythmusgruppe bezahlt werden!
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A big improvement on Going to England. The sound is still somewhat cleaned up from what you'll hear on Cleaners' cassettes, but not so much so that it gets in the way of the songs. Some of Newell's most jubilant ("Let's Get Married") and gleefully silly ("I Was a Teenage Idiot Dancer") writing is here; "The Beat Generation and Me" is one of the best examples of his ability to write about the icons of the past with bittersweet nostalgia that steers clear of revivalism. Giles Smith proves to be a songwriter of merit as well on his two compositions, particularly the dainty "Felicity."
(by Richie Unterberger, All Music Guide)
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Cliff Barnes & The Fear Of Winning: "The Record That Took 300 Million Years To Make" (Happy Valley, 1988) |
Kaum
zu glauben, aber wahr: authentischer Kiffer-Country-Rock'n'Roll aus
dem tiefsten Westfalen (Osnabrück, soweit ich weiß!). Hinter CBATFOW
verbargen sich der Sänger "Bobby Tijuana" und
der Gitarrist "Henry Rebellius" mit diversen Begleitern,
u. a. "Dr. Marvin Wah-Wah" an der Orgel. Ende der 80er
strahlte für kurze Zeit (für genau 2 Alben) der Stern dieser
Band am deutschen und umgebenden Himmel (so weit ich weiß, traten die
Junx sogar in Texas auf!), was an den klasse Liveshows (ich hab sie
damals nachmittags in praller Hitze in Haldern gesehen!), aber
auch an den guten und überhaupt nicht provinziellen Songs lag:
Eigenes wie "Crazy 'Bout Kinski" oder "No One's
Got An Asshole Like a Cowboy", aber auch gelungene Adaptionen,
wie "Down Drinking At The Bar" von Loudon Wainwright III.
übrigens haben sich die Burschen wieder zu neuen Schandtaten zusammengetan,
auch mit neuer Platte, die ich aber leider noch nicht gehört habe.
(Okt. 2016) |
Nick Cave & The Bad Seeds: "Tender Prey" (Mute, 1988) |
Eine
Großtat. Keine Frage. "The Mersey Seat", "Deanna"
und "City Of Refuge" - Lieder für die Ewigkeit.
(24.12.2014) |
Crime & The City Solution: "Shine" (Mute, 1988) |
Auf
dem dritten Album hatte der australische Sänger mal wieder eine neue
Truppe um sich geschart: aus dem alten Nick
Cave/Birthday Party-Umfeld geblieben war Mick Harvey, der
jetzt von der Gitarre an das Schlagzeug wechselte, neu kamen die Geigerin
Bronwyn Adams (seine Freundin bzw. Ehefrau) und drei Musiker
aus der neuen Berliner Heimat: Gitarrist Alex Hacke von den Einstürzenden
Neubauten, Bassist Thomas Stern (so weit ich weiß, Livemixer
der Neubauten) und Keyboarder Chrislo Haas. Auch dies war eine
beeindruckende Truppe, wie jeder im Film "Der Himmel über Berlin"
von Wim Wenders sehen kann. Oder er war einer der glücklichen Anwesenden
bei einem der wenigen Konzerte damals: einmal habe ich sie im Dortmunder
FZW gesehen: eines der beeindruckendsten Konzerte, auf dem ich je
war. Alex Hacke ist ein Gitarrengott.
(07.02.2009) |
Chris D. & Divine Horsemen: "Snake Handler" (New Rose, 1988) |
Letztes
Album der Band um den Ex-Flesheaters-Sänger Chris Desjardins
und seine ebenfalls singende Gattin Julie Christensen. Kräftiger,
traditioneller Gitarrenrock mit Wurzeln in Punk, Blues und Folk, nahe
dran an den Rolling Stones, mit der Gesangs-Doppelspitze (männliche,
kratzige Nicht-Stimme, kombiniert mit weiblichem Elfengesang) als Markenzeichen.
Heutzutage würde man so was wohl "Americana" nennen und wohl
auch besser verkaufen können. Chris und Julies Ehe wurde dann geschieden
- und aus war es mit der Band. Oder umgekehrt. Chris schrieb anschließend
Bücher über japanische Gangsterfilme (kann man von so was leben?). Julie
wurde Chorsängerin für Leonard Cohen (auch eine "Nicht-Stimme"
als Chef, aber finanziell sicherlich zufrieden stellender!). Ein Highlight
des französischen New Rose-Labels und auch eine meiner ersten
CDs. |
Eleventh Dream Day: "Prairie School Freakout" (New Rose/Amoeba, 1988) |
Bands mit Schlagzeugerinnen fand ich schon immer Klasse: Moe Tucker
bei den Velvet Underground, Lindy Morrison bei den Go-Betweens,
Georgia Hubley bei Yo La Tengo, um nur einige zu nennen
und ein bisschen die Richtung der Band um Janet Bean und ihren
Lover Rick Rizzo anzudeuten. Wobei der Einfluss von Neil Youngs
Spiel auf der E-Gitarre auf Rizzo nicht zu überhören ist.
Später wurde Janet Bean als Sängerin/Gitarristin mit ihrer
Band Freakwater wesentlich populärer,
ähnliches gilt für den Bassisten Doug McComb, den
man bei den Avantgarde-Rockern Tortoise
hörte.
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Following the strum of their own twin-guitar attack, Chicago-by-way-of-Kentucky's Eleventh Dream Day issued their second release (the purposefully misspelled), Prarie School Freakout, in 1988. It certainly didn't have much in common with the noise rock other Chicago-area bands like Big Black and the Jesus Lizard were grinding out at the time. Granted, it rocks almost as hard, but sounds a whole lot more Californian, or even Southwestern. References include Neil Young (the guitar work, not the vocals), X (the vocals), the Dream Syndicate (the vocals and the guitar work), and Giant Sand (the raw, country feel). And although they predated the No Depression movement inspired by Belleville, IL's Uncle Tupelo and spin-off bands, Wilco and Son Volt, in the '90s, they were mining similar alt-country territory. By the time they recorded their first full-length (after 1987's self-titled EP), the band's basic sound was in place they'd already been together for several years but the songwriting still had a way to go. Each song sounds like it would have been a hoot to witness live, particularly "Watching the Candles Burn," but only a few are particularly memorable. At its worst, the record is also a little samey (a problem that would be rectified on subsequent releases), but then it comprises ten out of an impressive 15 songs recorded in a whirlwind six hours in Louisville, KY, in July. From start to finish, Prarie School Freakout sounds inspired not tired. One of the more notable indie debuts of the '80s.
(Kathleen C. Fennessy)
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The Feelies: "Only Life" (A&M/Coyote, 1988) |
"The third official album of the Feelies came out in 1988: called
Only Life, it's another masterpiece. The sound is someway a melting
of the first two records, with more electric guitars and a harder
drumming (reminding in part of those crazy rhythms of their debut)
but also with the quiet atmosphere of the predecessor. A great record.
The Feelies started then a cross-country tour with Lou Reed, even
if they still didn't like to play live, and thanks to some promotion
by their new label (they got signed to A&M) their audience grew up.
Unfortunately, A&M was bought by the big corporation Polygram and
the new management didn't care a lot about the band."
Das mit der Abneigung gegen Livekonzerte mag stimmen (für mich
als Musiker unbegreiflich) - vielleicht waren die Musiker aber auch
einfach nur schüchtern? Ich hatte auf jeden Fall das Glück,
sie auf der damaligen (einzigen?) Europatournee in der Dortmunder
Livestation sehen & hören zu können. Ich fand's sehr
beeindruckend: es gab zwar keine "Show" - aber genial-hypnotische
Musik, irgendwo zwischen den Velvet Underground und Neil
Young. Und zwischen den Stücken wurden im Grateful Dead-Stil
minutenlang die Gitarren mit dem Rücken zum Publikum gestimmt.
Vielleicht rührt daher ja das Gerücht, die Band wäre
keine "Live-Band" gewesen?
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With an unchanged lineup but more attention due to their A&M deal, the Feelies hit the jackpot with their third album, a warm, inviting collection that finally addresses the endless Lou Reed comparisons with a cover of his "What Goes On." With its clearer feeling and peppier overall delivery, it avoids simply cloning the original arrangement and performance. The rest of the album shows off the band's distinctive yet flexible sound, as much jangle as it is quietly moody. Mercer and Million's previously tense guitar power becomes attractive shadings, implying a louder approach without always delivering it, while the Demeski/Sauter rhythm team takes the lead throughout; his steady drums and her low, rolling performances giving the guitarists something to play around instead of dominate. The Feelies always make this tranced-out rock their own, but this time around it's as quietly thrilling, if not more so, than ever. "Higher Ground" is a great example, with Mercer and Million trading off not merely notes and passages but differing approaches, whether laden with distortion or chiming clearly. Though Weckerman's work, as earlier, isn't easily distinguished from Demeski's, from the sound of it everything fit in right when recording. Where appears more audibly, as on the start of "The Undertow," his percussion adds an intriguing wild card to the proceedings, aiming at the same goal with slightly different sonics. Mercer's ghost-of-you-know-who vocals still pop up at times, but here his own ability to actually sing and hold notes comes forward, giving him a technical edge that he uses to great effect on the brisk "Away."
(by Ned Raggett, All Music Guide)
The third official album of the Feelies came out in 1988: called Only Life, it's another masterpiece. The sound is someway a melting of the first two records, with more electric guitars and a harder drumming (reminding in part of those crazy rhythms of their debut) but also with the quiet atmosphere of the predecessor. A great record. The Feelies started then a cross-country tour with Lou Reed, even if they still didn't like to play live, and thanks to some promotion by their new label (they got signed to A&M) their audience grew up. Unfortunately, A&M was bought by the big corporation Polygram and the new management didn't care a lot about the band.
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Michael Hurley: "Watertower" (Fundamental, 1988) |
Ein recht unbekanntes Album des kauzigen Folksängers, erscheinen auf
Eugene Chadbournes Label Fundamental.
(02.12.2008)
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"Michael Hurley, the legendary veteran of the rock/folk otherworld, released Watertower in 1988 on Fundamental (also then home to the Colorblind James Experience and Eugene Chadbourne, who was instrumental in bringing Hurley into the fold). Watertower introduced yet another of Hurley's stirring laments, "Lush Green Trees", in which he requests, "Sorrow, sorrow ignore me." He doesn't plead; he just asks quietly. His resignation is tempered by the solace he derives from verdancy. (..)
No matter the circumstance, Michael Hurley is a quintessential practitioner of the less-is-more dictum. As a writer of riveting and timeless songs, his phrases are short and potent, in service to verses at once elegantly concise and mysteriously layered (...)
There's an ease in his songs that's more readily apparent than in his social interactions. The few words he wishes to use in song, as in life, are supported by simple chords. Hurley, who also answers to the name
Snock, plays guitar, piano, fiddle and banjo. He sings the songs he writes with a voice of confident individuality -- quirks and all -- bundled up in a folksy sonority. He eschews flash in his singing, but more importantly, it is a sound rich with personality. Hurley's a natural.
His songs are about pork chops and neon signs, werewolves and watertowers. He turns small undertakings into magical experiences. If a person, place or thing falls within the scope of his creating, it is all given equal attention, be it painting a sign,watching the moon, or remembering lessons from ma and pa. He'd like life to go smoothly, but if it doesn't, he'll roll along anyway. The songs move at a friendly, but unhurried pace. "
(NO DEPRESSION, December 1999)
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M. Walking On The Water: "M. Walking On The Water" (Fuego, 1988) |
Das Debütalbum
einer der besten deutschen Bands der 80er - und sogar echte Niederrheiner
aus Krefeld! Gitarrist Markus Maria Jansen und Akkordeonspieler
Mike Pelzer hatten hier so etwas wie "Trashpolka" erfunden. |
Mary Margaret O'Hara: "Miss America" (Virgin, 1988) |
Eine ganz merkwürdige Geschichte: M.M. O'Hara gilt gemeinhin
als eine der bedeutendsten kanadischen Singer/Songwriterinnen. Dabei
gibt es nur dieses eine, wenn auch geniale Album von ihr. Die Frau soll
wohl etwas "schwierig" sein. Egal - die Musik stimmt (umgesetzt
vom kanadischen Wundergitarristen Michael Brook), ebenso die
Songs. Ein paar davon sind inzwischen auch in "amtlichen"
Coverversionen vorliegend: "Dear Darling" gibt's von den Walkabouts
auf "Satisfied Mind"
und von Sue Garner, "Help Me Lift You Up" wurde von
This Mortal Coil auf "Blood"
in noch weiter entfernte Sphären geschickt, "You Will Be Loved
Again" haben ihre kanadischen Landsleute von den Cowboy Junkies
auf "Caution Horses"
zelebriert.
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...exquisite torch song terrain that had folks swooning.
(Auf Platz 88 der Greatest Album Ever Made im Mojo)
Obwohl von der Kritik noch weit überschwenglicher gepriesen, war OHaras Debut Miss America ein überragendes torch song-Meisterwerk, dass eine k. d. Lang blaß vor Neid machen müßte, hierzulande nur kurzfristig mal 1988/89 importiert ... das auch klangtechnisch ganz superbe Werk ...
(Rolling Stone. 5 Sterne)
Originally recorded in 1984 and not released until 1988, Miss America still sounds light years ahead of its time: Mary Margaret O'Hara is a force of nature, a remarkable singer and composer whose crystal-clear soprano acrobatics and hypnotic songs defy accepted conventions. Flirting intermittently with country ("Anew Day," "Dear Darling") and jazz ("Keeping You in Mind"), O'Hara works primarily with pop dynamics, but deconstructs and reassembles the form according to her own blueprint: "Year in Song" is jaggedly intense, "To Cry About" is gorgeously ambient, and "Body's in Trouble" is delicately gripping, yet none conform easily to such facile assessments, with hairpin turns in mood and atmosphere which blindside expectations. Following instead its own abstract internal logic, Miss America is a work of mad-scientist genius, and it remains a singular experience.
(by Jason Ankeny, All Music Guide)
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Jim Pepper: "The Path" (Enja, 1988) |
Gefunden in der Grabbelkiste.
(08.09.2012)
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Perhaps the most fully realized of Pepper's own albums, "The Path" showcases all of his varied abilities, with the confident energy that was his personal bounty after several successful years on the European jazz circuit. A highlight among seven strong performances is the quietly beautiful duet arrangement of "Witchi Tai To" with Kirk Lightsey.
(by Jim Olding, www.inmotionmagazine.com)
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Michelle Shocked: "Short, Sharp, Shocked" (Mercury, 1988) |
Nach
ihrem überraschend erfolgreichen Debüt "Texas Campfire
Tapes", solo und live, liegt hier die erstes Studioalbum vor. Produziert
von Dwight Yokams Leadgitarristen Pete Anderson und begleitet
von der Yoakam-Mannschaft (neben Anderson sind das u. a. Drummer Jeff
Donovan und Keyboarder Skip Edwards), nebst zahlreichen Gästen
(z.B. Geiger Byron Berline auf dem bekannten Titel "Anchorage"
und Dobrospieler Al Perkins auf "The L&N Don't Stop
Here Anymore"). |
"Sister Double Happiness" (SST, 1988) |
Gibt
es intelligenten Hardrock? Ja, aber eher selten. |
The Sugarcubes: "Life's Too Good" (One Little Indian, 1988) |
Diese
isländische Band war damals ein richtiges Ereignis, vielleicht
nicht so gewaltig wie Nirvana oder zumindest die Pixies,
doch immerhin so groß, dass ich in der Zeche Bochum damals fast zerquetscht
wurde (voller war's dort eben nur bei den Pixies).
Heute erinnert man sich eigentlich nur noch deswegen an die Band, weil
sie das Sprungbrett zur Weltkarriere für Björk war
- das konnte man damals kaum vorhersehen. Den zweiten "Sänger"
und gelegentlichen Trompeter in der Band (Einar Irgendwas)
finde ich im Nachhinein eigentlich ganz furchtbar. |
Sally Timms: "Somebody's Rockin' My Dreamboat" (T.I.M., 1988) |
Ein wunderschönes "Countryrock" (???)-Album der Mekons-Sängerin,
entstanden zusammen mit ihrem Bandkollegen Jon Langford.
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"This is another hard to find item that is definitely worth the
search. With a set of tunes penned by Timms and Langford, the sole exception
being the excellent cover of the Dolly Parton classic "Down from
Dover", it's just a shame more people don't have access to this record.
Sally is in fine voice and her phrasing and depth make this a joy from
start to finish. Of course when you're surrounded by one class act after
another it's hard to mess up, but every parade needs a Grand Marshall
and Sally's voice hoists the baton here. From her punk roots to her cowboy
leanings you can never go wrong with Sally. The cover painting by Ms.
Bolland has a feel of mystery about it, in its muted tones and energetic
composition. If you can find it buy it or at least borrow it for a fortnight."
(TralFaz-Arcives)
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Feted for a duet single last year with Marc Almond and her
contribution to the unique chemistry of The Mekons, Sally Timms at last
releases a solo album. It may well see her fame as Britain's Queen of Country
spread far beyond certain well-oiled circles in Leeds and South London,
for, whilst this is a humorous record, it is no mere joke. Sally recognises
country as a style that dresses up heartfelt truths in images of commonplace
glamour; its language mixes nuggets of heightened language with the ore
of everyday conversation. Co-written by Sally and fellow Mekon (and part-time
Three John) Jon Langford, the songs here variously declare that grey is
the colour of love, rhinestones are a cowboy's tears and that one is Chained
To The Anchor Of Love. Yet Sally Timms does not adopt a West Virginia twang
to score a laugh or two; her tones are pure Harrogate as elevated by an
English folk voice of a power and crystal clarity to recall the late Sandy
Denny. And her band The Drifting Cowgirls (who include Brendan Croker) play
a subtly rocking abstraction of modern country styles, which heightens the
mood of a deep and melancholy purpose underlying a surface camp conceit.
As such, this is an intriguing play of contrasts whose ultimate emotional
conviction gives an authority to what might easily have remained a half-cocked
intellectual exercise. Well worth investigation.
(Four out of five stars) Q Magazine
Mat Snow
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The Weather Prophets: "Diesel River" (Rough Trade/Creation, 1986) |
"Diesel
River" ist eigentlich nicht der Debüt-Longplayer dieser englischen
Gitarrenband um Sänger, Gitarrist und Songschreiber Peter Astor,
sondern eine 8-Track-Complation der ersten Singles und Maxis von 1985/86,
die damals wohl nur in Deutschland über Rough Trade erhältlich war.
Peter Astor hat sicherlich ganz intensiv das dritte
Velvet Underground-Album gehört, kennt sich aber auch in älterer
Populärmusik aus, was in seinen eigenen Songs, etwa der wunderschönen
Ballade "Like Frankie Lymon" (selber zum ersten mal nachts
im "Night Flight" bei Alan Bangs gehört), aber auch den
unnostalgisch arrangierten Coverversionen ausdrückt: "Downbound
Train" von Chuck Berry und "Stones In My Passway"
von Robert Johnson. |
Womack & Womack: "Conscience" (Island, 1988) |
Zwar ist Soul nicht unbedingt mein Fachgebiet, aber ich muss klar
sagen: eines der besten Alben des Jahres von Cecil Womack (Bruder
des legendären Bobby Womack) und seiner Frau Linda,
der Tochter von - tja ... irgendein bekannter Soulsänger- fällt
mir gerade nicht ein ... Nat King Cole war es wohl nicht, dessen
Tochter heißt ja bekanntlich Natalie. Ihr seht schon:
da kommen wir jetzt nicht weiter, was aber auch egal ist, denn es
bleibt festzuhalten, dass es sich bei "Conscience" um ein
starkes, irgendwie altmodisch klingendes, "unterproduziertes",
aber trotzdem frisches und tanzbares Album handelt. Mein Lieblingssong
natürlich: "Teardrops (Footprints On The Dancefloor)".
(2011)
Linda Womack ist natürlich die Tochter von Sam Cooke
...
(23.ß2.2013)
Mehr ...
"Womack, nicht Bobby, sondern Cecil & Linda. Für eine Spät-Achtziger-Produktion
ist diese Platte überraschend: Keine Samples, angenehm zurückhaltende
Drum-Sounds, kein aufdringliches Gepatsche, nichts dergleichen (außer
im letzten Stück und im Hit "Teardrops"). Die Songs sind
Soul/Funk-Stücke (mehr Soul als Funk), die in der Tradition von Sly
Stone und den Siebzigern stehen: Groovige, atmosphärische, gelegentlich
gitarrenlastige Gebilde, die etwas psychedelisch wirken, und vor allem
völlig homogen in sich sind." (von einer Fan-Page)
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