John Abercrombie: "Timeless" (ECM, Jan. 1975) |
Für
ECM-Verhältnisse eine relative rockige Produktion - und das, obwohl
der Gitarrist John Abercrombie hier nur von Jack DeJohnette am
Schlagzeug und Jan Hammer an der Orgel begleitet wird. Letzterer
leistet mit seinen Füssen auf den Orgelpedalen als Bassersatz fantastische
Schwerstarbeit. |
Commander Cody & His Lost Planet Airmen (Warner, Jan. 1975) |
Commander Cody und seine Luftmänner vom verlorenen Planeten waren
ein wilder Haufen, der Rock'n'Roll, Country, Western Swing etc. mit
viel Humor zu einem erstklassigen Menü zusammengekocht hat. Dieses
titellose Album ist ihr erstes für die Gebrüder Warner - und
hat doch wirklich ein tolles Cover, oder?
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This was their first recording for Warner Bros. after leaving Paramount. With songs by Hoyt Axton, Lowell George, as well as plenty of contributions from Farlow, Tichy, Barlow, and all the rest, this is another good outing for the wild boys. The Tower of Power horn section lends a hand, making their big sound even bigger. Their cover of "Don't Let Go" is outstanding and "House of Blue Lights" never rocked or shuffled and twanged the way the Airmen do it. With plenty of hillbilly stuff to go around, "California Okie" stands proud. A tip of the hat to the South is found on "That's What I Like About the South." "Keep on Lovin' Her," "Hawaii Blues," and "Four or Five Times" are also wonders to behold. "Willin'," done up right here, fits the band perfectly. This Lowell George tune is a standard, and when the Airmen did it their way they gave a whole new meaning to the song. One more time, this band holds all the aces and plays every hand with a poker face that just won't quit. Commander Cody & His Lost Planet Airmen knew exactly what they were doing.
(by Jana Pendragon, All Music Guide)
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Bob Dylan: "Blood On The Tracks" (Columbia, Jan. 1975) |
"BOTT" (wie der Dylanologe sagt) ist für viele Fans und
auch für mich eines der besten Alben des Meisters: wunderbare spartanische
Arrangements, oft nur mit Akustikgitarre (für den Spezialisten:
His Bobness hat auf dieser Platte das Open-Tuning für sich entdeckt:
ich sage nur DADGAD!), aber vor allem wunderbare, ellenlange Lieder,
in denen Dylan seine kaputte Liebesbeziehung aufarbeitet: "Tangled
Up In Blue", "Simple Twist Of Fate", "You're Gonna
Make Me Lonesome When You're Gone", "Shelter From The Storm"
und "Buckets Of Rain".
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Bob Dylan once introduced this album's opening song, "Tangled Up
in Blue," onstage as taking him ten years to live and two years to
write. It was, for him, a pointed reference to the personal crisis --
the collapse of his marriage to Sara Lowndes -- that at least partly inspired
this album, Dylan's best of the 1970s. In fact, he wrote all of these
lyrically piercing, gingerly majestic folk-pop songs in two months, in
mid-1974. He was so proud of them that he privately auditioned almost
all of the album, from start to finish, for pals and peers including Mike
Bloomfield, David Crosby and Graham Nash before cutting them in September
-- in just a week with members of the bluegrass band Deliverance. But
in December, Dylan played the record for his brother David in Minneapolis,
who suggested recutting some songs with local musicians. The final Blood
was a mix of New York and Minneapolis tapes; Dylanologists still debate
the merits of the two sessions. Yet no one disputes the album's luxuriant
tangle of guitars, the gritty directness in Dylan's voice and the magnificent
confessional force of his writing: in the existentialist jewel "Simple
Twist of Fate," the wrung-dry goodbye of "If You See Her, Say
Hello" and the sharp-tongued opprobrium of "Idiot Wind,"
his greatest put-down song since "Like a Rolling Stone." (Rolling
Stone)
Total album sales: 3 million, Peak chart position: 1
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John Martyn: "Sunday's Child" (Island, Jan. 1975) |
Zwischen "Solid Air" und
"One World" fällt dieses Album etwas ab, ist aber trotzdem schön!
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John Martyn's follow-up to 1973's Inside Out is a much more song-oriented, less experimental effort which concentrates on the joys of home and family. Sunday's Child skillfully blends the sensual ("You Can Discover") with the sweet ("My Baby Girl"), the modern ("Root Love") with the traditional ("Spencer the Rover"), and the tormented ("Sunday's Child") with the satisfied ("Satisfied Mind," "Call Me Crazy") while retaining its cohesiveness. The record, his sixth on his own, shows the many facets of Martyn's playing, from his effects-driven electric guitar to his signature acoustic work, which can be both aggressive ("The Message") and gentle ("Lay It All Down"). This album contains a collection of strong original songs, as well as a pair of wonderful covers: the traditional British ballad "Spencer the Rover" and the country standard "Satisfied Mind." His last recording of new material for three years, Sunday's Child is a fine farewell to this period of John Martyn's ever-changing career.
(by Brett Hartenbach, All Music Guide)
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Stackridge: "Extravaganza" (Rocket, Jan. 1975) |
Dieses Album steht schon so lange bei mir im Plattenschrank, dass ich
mich nicht mehr daran erinnern kann, wo, wann und warum ich es gekauft
habe. "Wann" war auf jeden Fall noch im Vinylzeitalter, ca.
späte 70er oder frühe 80er. Es ist das "angeblich nicht mehr so
tolle" vierte Album der Band, wo zu den Urmitgliedern Andy Davis
(Sänger, Songschreiber, Gitarrist & Pianist) und Mutter Slater
(Flötist) eine komplett neue Band dazukam (u. a. Ex-Audience-Saxofonist
Keith Gemmell und Keyboarder Rod Bowkett). Ich mag das
Album mit seiner Mischung aus englischem Humor, Folk- und Progressive
Rock inzwischen sehr, muss aber doch zugeben, das die kürzlich erstmals
gehörten Alben "Friendliness"
(1972) und "The Man With he
Bowler Hat" (1973) noch besser sind. Was will man mehr? Ach
ja - Rocket war in den 70ern das (kommerziell erfolglose?) Hobby-Label
von Elton John. Elton als Mäzén für eher unkommerzielle Popmusik?
Das gibt ein paar Länderpunkte für den kleinen Pianomann!
(03.04.2009)
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After the lavishly produced The Man in the Bowler Hat, it seemed that Stackridge might have blown their best chance of a commercial breakthrough. Just to make sure they did so good and proper, however, they promptly embarked upon the first of a series of bitter internal disputes that meant any fans turning up to a gig did so wondering who'd be playing and who'd be sat at home nursing a grudge. Whichever way you look at it, though, Extravaganza was a pretty odd follow-up, and one that must have left their new label — Elton John's Rocket Records — seething with frustration. By now it must have been clear that expecting Stackridge to focus their energies on a single musical direction was an exercise in futility, and in any case totally contrary to the spirit of the band. But with Andy Davis now calling most of the shots, he and new members Rod Bowkett, Paul Karas, and Keith Gemmell (who replaced Mutter Slater, James Warren, and Mike Evans) set about cultivating a Zappa-ish tendency that, though it had been there from the very beginning, had never before dominated proceedings as it did here. Extravaganza contained no fewer than three (admittedly delightful) intricate jazz-rock instrumentals that recalled the heyday of Hot Rats. Hardly the thing to woo customers attracted by the more pop-friendly Bowler Hat. But of greater concern was the shortage of strong original songs. "The Volunteer" and "Happy in the Lord" (both sung by an uncredited Slater) are classic Stackridge — warmly melodic and wryly humorous. But "No One's More Important Than the Earthworm" (written by ex-King Crimson member Gordon Haskell during a lightning-fast passage through the band's ranks), "Benjamin's Giant Onion," "Highbury Incident," and "Greasepaint Smiles" are pretty pedestrian fare. Small wonder, then, that for all its good points Extravaganza enjoys a reputation as Stackridge's most unloved — and least frequently reissued — album
(by Christopher Evans, All Music Guide)
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Richard & Linda Thompson: "Hokey Pokey" (Island, Feb. 1975) |
Die zweite Platte als Duo schließt nahtlos an "I
Want To See The Bright Lights Tonight" vom Vorjahr an. |
Peter Hammill: "Nadir's Big Chance" (Charisma, Feb. 1975) |
Eine mehr als kuriose Platte. Peter Hammill war Sänger der zu diesem
Zeitpunkt gerade mal wieder aufgelösten Van
Der Graaf Generator, einer der kultigsten Band des so genannten
"Progressive Rocks", wobei deren Ex-Mitglieder Guy Evans
(dr), Hugh Banton (org) und Dave Jackson (sax) hier
gleich die Begleitband stellen. Ausgerechnet "Progrocker"
Hammill macht also ein Konzeptalbum über sein "Alter Ego",
den "Punk" Nadir, wobei manche Stücke wirklich nach
Punkrock klingen, den es damals so eigentlich aber noch gar nicht
gab. War also Peter Hammill der Erfinder des Punkrocks?
Ironischerweise war dann der Punkrock einer der Totengräber des
Prog-Rocks und somit auch von Hammills Band: die von Mitte 75 bis
78 wieder reformierte Band verschwand dabei wieder und nun endgültig
in der Versenkung.
Nachtrag: im neuen Millenium ging es dann doch wieder weiter mit
der Band - und bis zum heutigen Tag mit guten bis sehr guten Ergebnissen
(z.B. auf "Do Not Disturb"
von 2016)
(19.03.2017)
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Jesse Colin Young: "Songbird" (Warner, Feb. 1975) |
Vielleicht etwas zu "nett" oder sogar zu "süßlich"
für den einen oder anderen, aber das hier ist Westcoast-Singer/Songwriter-Poprock
der Ersten Liga. In den frühen 70ern hatte der ehemalige Folksänger
(mit Debüt von 1964!)
und Sänger/Bassist der Youngbloods
so was wie einen Lauf: zwischen 1972 und 78 kam jedes Jahr ein gutes
Album heraus. Alle lohnenswert. Als Vergleich könnte man etwas
überspitzt sagen: Van Morrison mit freundlicherem Gemüt
und etwas mehr Pop-Gefühl. Vielleicht komme ich auf diesen Vergleich
auch nur, weil die Begleitband der beiden Sänger teilweise das
gleiche Personal hatten, z.B. Bläser Jim Rothermel und Bassist
David Hayes ? Letzterer spielt allerdings erst ab dem nächstem
Album auch bei Jesse Colin Young.
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Buoyed by the positive reaction he received opening Crosby, Stills, Nash
& Young's summer 1974 stadium tour, Jesse Colin Young cut another
album of attractive, frequently country-tinged music with his usual backup
band, in which keyboardist Scott Lawrence and reed player Jim Rothermel
had become near-collaborators. Young repeated "Josiane" and
"Sugar Babe" from his Youngbloods days and took on such unlikely
subjects as the plight of Native Americans ("Before You Came"),
while his romantic life seemed to be suffering ("Again") and
he felt the need to answer his critics ("Slick City"). But his
pleasure in playing music remained contagious, especially on the title
track, and his fans responded, making Songbird his highest-charting album
ever.
(by William Ruhlmann, All
Music Guide)
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Ace: "Time For Another" (Anchor, März 1975) |
Album #2 von Paul Carrack und seinen Pubrockern fehlte es leider an
einem Hit wie "How Long" vom Debütalbum "Five-A-Side"
- deshalb hat es kaum einer gehört, auch wenn es für meinen
Geschmack genauso gut ist wie der Vorgänger! |
Justin Hayward & John Lodge: "Blue Jays" (Threshold, März 1975) |
Von 1967 bis 1972 haben die "Moody Blues Mark II" in der klassischen
Besetzung Justin Hayward, John Lodge, Mike Pinder,
Ray Thomas und Graeme Edge sieben gute bis sehr gute Alben
eingespielt. Zwar gab es davor (von mir hier frei nach Deep Purple als
"Mark I" bezeichnet) schon eine, man könnte sagen, "Beatband-Phase"
mit Denny Laine (später bei Paul McCartney & The
Wings) statt Hayward als Gitarristen und Clint Warwick statt
John Lodge am Bass, die aber mit den Moodies der Jahre 67 (ab dem "Klassikrock"-Album
"Days Of Future Passed"
mit dem Welthit "Nights In White Satin" über mein Lieblingsalbum
"To Our Children's Children's Children"
von 1969 bis zum Schwanengesang "Seventh
Sojourn" von 1972) nichts zu tun hat. Anfang 1973 war also
die Luft raus aus der Band und alle Beteiligten machten Soloalben. Flötist
Ray Thomas spielte zwei etwas kitschige, aber nicht schlechte Soloalben
mit der Unterstützung des Songschreibers Nicky James ein.
Der Drummer gründete mit Adrian Gurvitz die Graeme Edge
Band, im Prinzip war das die Baker-Gurvitz Army ohne Ginger
Baker, deren zwei angeblich hardrockige Alben mir aber nicht bekannt
sind. Keyboarder Mike Pinder emigrierte in die USA und spielte
dort sein Album "The Promise"
ein, bei dem Jazz- und Latinelemente integriert wurden und er das berühmte
Mellotron für die Akustikgitarre in die Ecke stellte und das mir
damals (deswegen?) überhaupt nicht gefiel, aber jetzt - aus der
Distanz heraus betrachtet - sogar die gelungenste Emanzipation vom Sound
der Moodies darstellt. Den besten Moodies-Ersatz lieferte im Jahre 1975
aber natürlich dieses Duo-Projekt "Blue Jays", das nicht
nur im Coverdesign (Gemälde von Phil Travers, der auch die
meisten Moody-Blues-Cover gestaltete) voll auf der Linie der berühmten
7 Alben liegt.
Wenn man jetzt bedenkt, dass die 78er-Reunion der Band in Original-Mark
II-Besetzung schwach war (sehr originell "Octave" genannt;
ich hatte es mir natürlich noch gekauft, obwohl die Moody-Phase
bei mir eigentlich schon irgendwie "durch" war) und zahlreiche
noch schwächere Alben ohne Pinder in den 80ern (die habe ich mir
im Plattenladen zwar teilweise noch angehört, aber dann stehen
gelassen) und 90ern (die habe ich dann ganz ignoriert), so kann man
"Blue Jays" gerechterweise als das letzte gute Moody-Blues-Album
bezeichnen. Und vergesst diese blöde Single "Blue Guitar",
die damals viel im Radio lief. Die ist, Gott sei dank, nicht drauf auf
der Platte.
(06.03.2004)
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The most romantic album to come out of the Moody Blues' orbit, and the biggest success of their five-year hiatus. Hayward has the more distinctive body of songs, but their strength as a unit lies in their vocal pairing, which is as strong here as it ever was with the group. The pair play the guitars and basses, backed by a group that includes members of the Threshold-signed band Providence. Hayward wrote or co-wrote seven of the original album's ten songs, and most of it is fairly impressive as soft romantic rock, although "Nights Winters Years" is a little bit too melodramatic. Lodge has one of the better rockers to come out of the group's orbit, however, in "Saved By the Music," which is also a surprisingly spiritual song. The production by Tony Clarke echoes the best Moody Blues sound. The bonus track, "Blue Guitar," is an added attraction to the CD.
(by Bruce Eder, All Music Guide)
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Spirit: "Spirit Of '76" (Mercury, März 1975) |
Aus der Grabbelkiste!
(06.04.2012)
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This 1975 release on Mercury has Randy California and Ed Cassidy's names imprinted boldly on the cover as Spirit, and the 26 songs -- starting with "America the Beautiful/The Times They Are a Changin'" and concluding with "The Star Spangled Banner" -- are more than just a sly tribute to the bicentennial. They are the most fluid and satisfying statement by the California/Cassidy version of the band, who would be together for another 20 years before California's untimely passing. As ethereal and icy as Feedback, the album Cassidy recorded with the Stahely brothers, there are all sorts of hidden meanings projected throughout this double-vinyl LP. Randy California gives more than a few nods to his work with Jimi Hendrix -- covers of "Like a Rolling Stone" and "Hey Joe" are two of Hendrix's more notable and triumphant revisions -- while "The Star Spangled Banner" has a smart vocal, separating it from California's more famous ex-bandmate's Woodstock instrumental rendition.
This double-record set was the first of four albums by Spirit for the Mercury label in the mid-'70s, all released between 1975-1977. This is the second album Ed Cassidy and Randy California put together after Cassidy recorded the Feedback disc in 1972 for Epic. The 1973 album came out in 1981 as Potatoland on Line Records in Germany and is not usually put in proper chronological order. What is musically interesting about this is that Randy California on Spirit of '76 sounds like the 1972 Stahely brothers version of Spirit. No, the jazz is not here, but his use of acoustic guitar and effects on his electric guitar makes for less bite and more soothing, spacy sounds. It is arguably the best full album the Randy California/Ed Cassidy Spirit recorded without the other original members. A terrific anthem, "One by One," was recorded in 1993-1994 and might be the duo's best song, but this album remains a major achievement for Randy California, a long and elaborate vision put over four sides of vinyl. The tragedy is that no hit single obtained airplay that could have given this project wider exposure. There are more covers than usual too, and unique arrangements -- the pair's understanding of "Happy," for example. It is interesting that producer Jimmy Miller played the drums and recorded the Rolling Stones' version of "Happy" with Keith Richards, with their Exile on Main St. demo track becoming a hit. Drummer Ed Cassidy takes Miller's role, with Randy California being Richards, and they do a nice, mutated version still faithful to the spirit of the original Keith Richards jam with his producer. The depth and intrigue built into the grooves and packaging of Spirit of '76 was a fine direction for this Spirit, and it is too bad Randy California felt so bitter about the industry to lose focus. As Jimi Hendrix kept the recorders rolling, California should have done the same thing over the years, capturing his live magic, seeking out that audience the Grateful Dead tuned into. Spirit of '76 is the best example of California veering off into different directions and coming up with satisfying sounds. Two albums later, Mark Andes would bring his brother, Matt Andes, from Jo Jo Gunne into the fold and re-form with Cassidy, California, and John Lockefor 1976's Farther Along. But that would be a short-lived fusion of multiple songwriting talents. On Spirit of '76, Randy California has all systems go to paint spacy pictures like "Urantia," or the very interesting take on Rufus Thomas' "Walking the Dog." The covers of three of the songs Hendrix covered would remain in the Spirit set for the rest of their days, and they are here in elegant studio versions. Spirit of '76 remains the key to understanding the group who toured as Spirit for the better part of the three decades that the group existed, the stepdad and the guitar prodigy on their own. It's an offbeat work of art that works just beautifully.
(by Joe Viglione, All Music Guide)
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Tangerine Dream: "Rubycon" (Virgin, März 1975) |
Aus der Grabbelkiste!
(10.10.2009)
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The members of Tangerine Dream continued to hone their craft as pioneers of the early days of electronica, and the mid-'70s proved to be a time of prosperity and musical growth for the trio of Chris Franke, early member Peter Baumann, and permanent frontman Edgar Froese. The three of them had been delivering mysterious space records on a regular basis, and their growing confidence with early synthesizers (the best that money could buy at the time) made them virtuosos of the genre, even as they kept things organic and unpredictable with gongs, prepared piano, and electric guitar. Rubycon has aged gracefully for the most part, making it a solid companion (and follow-up) to their 1974 album, Phaedra. The somewhat dated palette of sounds here never overshadow the mood: eerie psychedelia without the paisleys — Pink Floyd without the rock. "Rubycon, Pt. 1" ebbs and flows through tense washes of echo and Mellotron choirs, as primitive sequencer lines bubble to the surface. "Pt. 2" opens in a wonderfully haunted way, like air-raid sirens at the lowest possible pitch, joined in unison by several male voices (someone in the band must have heard György Ligeti's work for 2001). Rising out of the murkiness, the synthesizer arpeggios return to drive things along, and Froese weaves his backwards-recorded guitar through the web without really calling too much attention to himself. The piece evolves through varying degrees of tension, takes a pit stop on the shoreline of some faraway beach, then ever so gradually unravels a cluster of free-form strings and flutes. The rest are vapors, your ears are sweating under your headphones, and the smoke has cleared from your bedroom. This is a satisfying ambient record from the pre-ambient era, too dark for meditation, and too good to be forgotten.
(by Glenn Swan, All Music Guide)
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Kevin Coyne: "Matching Head And Feet" (Virgin, April 1975) |
Damals war Virgin noch ein echtes "Independent"-Label und hatte mit
Mike Oldfield plötzlich sehr viel Geld verdient. Damit konnten
dann auch eine Zeitlang Außenseiter wie Kevin Coyne unterstützt
werden, bevor Richard Branson seinen Laden zu einem ganz normalen Major
machte. Auf "Matching..." befindet sich Coyne meiner Meinung
nach auf seinem künstlerischen Höhepunkt, was natürlich
vor allem an seinem Gesang und seinen Songs (z.B. "Saviour",
"Sunday Morning Sunrise", "Turpentine" und "Tulip"),
aber auch an der famosen Begleitband liegt, in der damals der Blueser
Gordon Smith und Andy Summers Gitarre spielten. Letzterer
erlangte ja bekanntlich später mit Police Weltruhm. |
Emmylou Harris: "Pieces Of The Sky" (Reprise, April 1975) |
Nach Gram Parsons Tod (1973) übernahm Emmylou dessen Begleitband und
formte daraus die "Hot Band", sicherlich eines der
besten Countryrock-Ensembles (u. a. m. Ron Tutt (dr), James
Burton (g), Glen D. Hardin (p) und Herb Pedersen).
Später gehörten auch Rodney Crowell, Ricky Skaggs und Albert
Lee dazu. Dies ist quasi ihr Debüt, obwohl es von 1969, also vor
ihrer Zeit mit Gram Parsons, schon ein
folkorientiertes, aus heutiger Sicht untypisches erstes Album gibt.
Die Songauswahl ist exquisit: "Too far Gone" (Billy Sherrill),
"For No One" (Beatles), "Queen Of The Siver Dollar"
(Shel Silverstein/Dr.Hook), "If I Could Only Win Your Love"
(Louvin Brothers), "Bottle Let Me Down" (Merle Haggard), "Coat
Of Many Colors" (Dolly Parton) und ihres eigenes Lied "From
Boulder To Birmingham".
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Harris' major-label solo debut quickly establishes the pattern that the vast majority of her subsequent work would follow: Pieces of the Sky is bravely eclectic, impeccably performed, and achingly beautiful. Amidst a collection of songs which ranks among her most well-chosen -- ranging from the catalogs of the Beatles ("For No One") to Boudleaux & Felice Bryant ("Sleepless Nights") and the Louvin Brothers (the hit "If I Could Only Win Your Love") -- the record's centerpiece is one of Harris' rare original compositions, "Boulder to Birmingham," her stirring tribute to fallen mentor Gram Parsons.
(by Jason Ankeny, AMG)
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The Neutrons: "Tales From The Blue Cocoon" (United Artists, April 1975) |
Das zweite Album einer der vielen vergessenen Bands aus den 70ern. Gitarrist
Will Youatt und Keyboarder Phil Ryan waren vorher - wie
scheinbar zu dieser Zeit fast jeder langhaarige Musiker in Wales - für
kurze Zeit bei den legendären Man. Dass gerade deren wunderbare
Alben "Be Good To Yourself, At
Least Once A Day" von 1972 und "Back
Into The Future" von 1973 unter starkem Einfluss dieser beiden
Musiker entstanden, ist auch den beiden Alben der Neutrons anzuhören
- wenn man sie denn hört, da kaum jemand die Platten
damals gekauft hat! Was eben fast nur beinharte Man-Fans wie ich getan
haben. Was natürlich sehr schade ist. Album #2 hat auf jeden Fall
ein schönes Cover! |
Steely Dan: "Katy Lied" (ABC, April 1975) |
Für viele Kritiker nicht unbedingt erste Wahl, aber das ist die Platte, mit der
ich die Band damals für mich entdeckt habe. Vor allem "Black Friday"
mit der tollen Gitarrenarbeit von Rick Derringer und "Doctor Wu"
mit dem Saxofonsolo von Jazzlegende Phil Woods hatten es mir angetan.
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Hawkwind: "Warrior On The Edge Of Time" (United Artists, Mai 1975) |
Vielleicht ist das nicht das ultimative Hawkwind-Album, aber zumindest doch ein
sehr schönes. Ich war damals beinharter Fan der Band und habe mir
dieses Album natürlich sofort, als es herauskam, gekauft. Es hat
ein wunderbar bescheuertes Fantasycover, der bekannte Science Fiction-Autor
Michael Moorcock ist als "Sänger" auf 2 Titeln
dabei, Simon House zaubert auf der Geige, vor allem aber fette
Sounds auf dem Mellotron. Gitarrist und neben Saxofonist Nik Turner
einziges verbliebenes Gründungsmitglied Dave Brock hält
alles zusammen. Bassist Lemmy war zum letzten mal dabei: er wurde
während der darauf folgenden Tournee wegen Drogenbesitz (und das
bei Hawkwind!) aus der Band gekickt: er gründete daraufhin seine
eigene Band Motörhead, die er nach seinem letzten Song für
Hawkwind benannte (die Single-B-Seite zu "Kings Of Speed",
aber leider nicht auf dem Album). Tja - manchmal haben schlechte Dinge,
wie eine Kündigung, auch ihre guten Seiten! |
"Hoelderlin" (Intercord/Spiegelei, Mai 1975) |
Da ist nicht besonders viel "Deutschrock" von damals bei mir
hängen geblieben. Neben Guru Guru gehören Hoelderlin
aus Wuppertal mit ihrem unaufdringlichen "Folk-Prog-Rock"
dazu.
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Veröffentlichung Einskommazwo, denn zu allererst gab es ja das rare
(zumindest auf Original-Vinyl) Erste - Hölderlins Traum (1972) auf
dem Pilz Label des Rolf-Ulrich Kaiser - dem schillernden bis irritierenden
Kraut- und Kosmik-Oberkurier. Erst musste der Vertrag mit dessen Ohr-Verlag
auslaufen, bis man dieses Album 1975 veröffentlichen konnte. Ursprünglich
sollte es For Fritz heißen, die neue Plattenfirma mäkelt und
ändert das. Jedenfalls kommt das romantisch-progressive Werk in Englisch
und füllt mit einem reichen Instrumentarium eine Lücke im Folkrock
- sehr entspannt und ganz unteutonisch unernst. Das entsprechende Cover
gestaltet Bandchef Christian von Grumbkow selbst. Remastered und mit einem
Bonus Track (Deathwatchbeetle - 1974)
(Glitterhouse)
|
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James Taylor: "Gorilla" (Warner, Mai 1975) |
Das beste einer langen Reihe von Taylor-Alben aus den Mittsiebzigern. U.a. mit "Mexico",
überzeugend ist aber auch das Motown-Cover "How Sweet It Is", das auch den Weg in Taylors live-Repertoire
fand. |
Roy Harper: "HQ" (EMI/Harvest, Juni 1975) |
"HQ" ist eines der guten Mitt70er-Alben von Englands unangepasstetstem Singer/Songwriter,
in den USA unter dem Namen "When An Old Cricketer Leaves The Crease"
veröffentlicht, benannt nach einem der besten, hier enthaltenen
Lieder von Harper. Er war damals zwar auch kommerziell nicht sonderlich
erfolgreich, aber immerhin unter Kollegen hochangesehen. Zum Beispiel
wurde er von Pink Floyd eingeladen, auf "Wish
You We Here" den Titel "Have A Cigar" zu singen.
(07.12.2013) |
Neil Young: "Tonight's The Night" (Reprise, Juni 1975) |
Eines
der schwerverdaulichen Young-Alben aus den Mitsiebzigern. Bereits im
Jahr 1973 mit Crazy Horse aufgenommen und erst zwei Jahre später
veröffentlicht. Seine Begleitband bestand damals aus Ralph Molina
(dr), Billy Talbot (bg), Ben Keith und Nils Lofgren.
Das Titelstück thematisiert den Tod von Bruce Berry (Roadie
der Band) und Danny Whitten (Gitarrist von Crazy Horse). |
Caravan: "Cunning Stunts" (Decca/Deram, Juli 1975) |
Caravan sind neben Soft Machine wohl die bekanntesten Vertreter der sog.
Canterbury-Szene, die sich mehr durch personelle als durch musikalische
Gemeinsamkeiten auszeichnete. "Cunning Stunts" gehört
für die Hardcore-Fans allerdinx schon zum "kommerziellen Ausverkauf"
der Band - mir gefällt's aber trotzdem. |
Guy Clark: "Old No. 1" (RCA, Juli 1975) |
Guy Clark ist einer von zahlreichen genialen texanischen Singer/Songwritern,
der hier mit seinem Debüt Maßstäbe setzte. U.a.m.:
"She Ain't Goin' Nowhere", "L.A. Freeway", "Desperados
Waiting For The Train" und "A Nickel For The Fiddler".
Eine kleine Fußnote: meines Erachtens taucht hier zum ersten mal der
damals noch recht junge Steve
Earle in den Besetzungsliste einer Platte auf.
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Though Guy Clark recorded only two albums for RCA, the label was fortunate to have him at all at the beginning of his career. If only every country songwriter could release a debut album as auspicious and fine as this one. Houston's Guy Clark, well known to the outlaw movement for his poetic, stripped-to-the-truth songs about ramblers, history, the aged and infirm, the drunken, the lost, and the simple dignity of working people who confront the darkness and joy of life quietly, issued Old #1 when his compadres had already been making waves with his songs. Jerry Jeff Walker had already cut "L.A. Freeway" and other tunes by Clark, as had Gary Stewart, Billy Joe Shaver, and others. But the definitive versions come from Clark himself. On this disc with help from Emmylou Harris, fellow Houstoners (a young) Steve Earle and Rodney Crowell, guitar wizards Chip and Reggie Young, Mickey Raphael on harp, pianist David Briggs, fiddle boss Johnny Gimble, and the angel-voiced Sammi Smith, Clark executed a song cycle that is as intimate and immediate as it is quietly devastating with its vision of brokenness and melancholy, loose wild times, and unforgettable characters. The opener is the up-tempo Texas swing of "Rita Ballou," a woman out for all she can get and then some; the outlaw's statement of love's determination on "L.A. Freeway" to not get killed or caught; and the summation of so much of what is contained here and on the follow-up to this album, Texas Cookin', "That Old Time Feelin," which should be the new "Auld Lang Syne." Acoustic guitars dominate everything here. Old #1 is a quiet record because its songs don't need to be amplified; they speak for themselves in a straight, poetic, and powerful way. In addition to the above, two Clark classics are here as well, the amazing recollection "Desperadoes Waiting for a Train" and one of the most beautiful and confessional love songs ever written in any genre, "Like a Coat From the Cold." The most underrated track is an aural movie called "Instant Coffee Blues," where Clark's protagonist is a lonesome rambler, aimlessly hitchhiking his way to who knows where. He is picked up by a single working woman who is also on the wrong side of alone; they have an evening of companionship that has its share of intimacy and passion -- until morning when, "she just had to go to work/and he just had to go." The disc closes with "Let Him Roll," a snappy, laid-back observation about destiny having its own way at staying out of its way. Old #1 was unequaled in 1975 for the depth of its vision and the largeness of its artistic and empathetic heart; only Bruce Springsteen's Born to Run came close to it in terms of aesthetic merit.
(by Thom Jurek, All Music Guide)
A classic record, featuring the deftly-sculpted, imagistic story-song, "Texas, 1947," wherein Clark tells the story of the first time a young boy in the South saw a modern, streamlined passenger train barreling down the tracks, past his little hick hometown. It's an impressive piece, with all the literary oomph of the best short stories -- all the more so for its simplicity and lack of flash. This same compact, concise style comes through on his other early masterpieces, "Desperadoes Waiting On A Train," and "Let Him Roll," a pair of shamelessly sentimental tunes paying tribute to tobacco-spittin' old-timers everywhere, and the fab drifter ballad, "LA Freeway," (which was also covered by Jerry Jeff Walker." With a debut album like this, no wonder folks had Clark pegged as a songwriting genius so early on.
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Bob Dylan & The Band: "Basement Tapes" (Columbia, Juli 1975) |
1967 lebte und jammte Bob Dylan in Woodstock mit den Musikern, die später
als "The Band" auch ein klein wenig berühmt wurden. Nach
zahlreichen Bootlegs dieser Sessions entschloss man sich nun zu einer
offiziellen Veröffentlichung. |
Fairport Convention: "Rising For The Moon" (Island, Juli 1975) |
Als Sandy Denny Ende 1974 mitten in einer Australientournee zur Band
zurückkehrte, spielten dort doch tatsächlich immer noch dieselben
Musiker wie bei den beiden letzten Album von 1973 ("Rosie"
und "Nine"): die drei Daves (Swarbrick, Mattacks
und Pegg), sowie die Gitarristen Trevor Lucas (Sandies
Ehemann) und Jerry Donahue, eine für die Band doch recht
ungewöhnliche Situation. Island finanzierte sogar mit Glyn Johns
ein absolutes Produzentenass. Aber auch dieses mal wurde es kein kommerzieller
Erfolg. Mitten in den Aufnahmen überlies Dave Mattacks den
Platz am Schlagzeug dem Amerikaner Bruce Rowland (Ex-Grease
Band). Nach der Platte verließen Denny, Lucas und Donahue die Band
und die zwei übrig gebliebenen Daves versuchten mit Trommler Bruce
das Schiff am Schwimmen zu halten. "Gottle O'Gear" (1976)
wurde mit vielen Gastmusikern eingespielt und ist ziemlich misslungen.
1977 kehrte dann sogar Gründungsmitglied Simon Nicol für
zwei Studio- und ein Livealbum zurück. 1979, mitten in stürmischen
Punk/New Wave-Zeiten, war dann aber ganz Schluss. Allerdings starteten
Dave Pegg, Simon Nicol und der zurückkehrte Dave Mattacks in den
80ern einen erfolgreichen Neuanfang, der bis in unsere Zeit anhält.
Nach langen Jahren ist Mattacks inzwischen wieder weg (lebt jetzt in
den USA und trommelt für Mary Chapin Carpenter und andere) und
durch den alten Bekannten Gerry Conway (Ex-Fotheringay)
ersetzt worden.
Zurück aber zu "Rising For The Moon": ein wunderschönes
Album, mit wunderbaren Songs von Lucas, Swarbrick und vor allem Sandy
Denny. Neben dem noch am US-Westcoast orientierten Debüt von 1968
vielleicht das am wenigsten "folkige" Album der Band. Meiner
Meinung nach sogar ihre letzte Grosstat vor Sandy's tragischen Unfalltod
1978. |
Gryphon: "Raindance" (Transatlantic, Juli 1975) |
Diese Platte hatte ich damals von ein paar Kumpels zum Geburtstag bekommen.
Sie zeigt die Band in der Ãœbergangsphase von ihrem Barock-Folk
hin zum "Prog-Rock": Richard Harvey, der Blockflötenweltmeister,
konzentriert sich auf die Keyboards, Graeme Taylor setzt verstärkt
auf E- statt A-Gitarre, mit Malcolm Bennett gibt es auch einen
neuen festen Bassisten, David Oberlè spielt statt einzelner
Trommeln richtig Schlagzeug und singt: und zwar das wunderschöne
"Mother Nature's Son" von den Beatles. Nur Brian Gulland,
der wilde Mann am Fagott, bleibt seinem Ursprungsinstrument treu. Beeindruckt
hat mich damals das fast 20minütige Instrumentalstück mit
deutschem Titel: "Ein Kleines Heldenleben".
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The group's fourth album is more electronic than folk, and, indeed, the electronics are dominated by Richard Harvey's electronic keyboards. The lineup here is Harvey (keyboards, krumhorns, recorders), Graeme Taylor (guitars, backing vocals), Brian Gulland (bassoon, backing vocals), Malcolm Bennett (bass, flute), and David Oberle (drums, vocals). The sound is surprisingly new age-ish, especially the title track, which, like most of this album, seems rather cold and mechanical. The exceptions are a cover of the Beatles' "Mother Nature's Son," which doesn't seem to have much point or purpose in these surroundings, and Graeme Taylor's aimless, folkish "Fontinental Version" and insultingly slight throwaway rock number "Don't Say Go." Most of the rest is hardly memorable, especially the meandering keyboard instrumental "Wallbanger," which sounds like a leftover from the Red Queen to Gryphon Three album, which does, indeed, date from a year earlier than most of the rest of this. A 16-minute instrumental called "(Ein Klein) Heldenleben" is better than anything else here, a bracing and exciting piece of music whose pyrotechnics seem to reflect the group's contact with Yes as an opening act on the latter's tour, but all in all hardly a track to justify this album -- everything it has to say that was special to Gryphon was said better on the Red Queen album, although anyone who absolutely needs more of what was there could do worse than purchasing this disc, at least for this and "Wallbanger."
(by Bruce Eder, All Music Guide)
Wer progressive Rockmusik aus Großbritannien mag und mal eine Abwechslung vom Menü Genesis/Caravan/Camel/King Crimson benötigt, wird mit Gryphon die richtige Wahl treffen.​
(Good Times, 02-03/2011)
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Kursaal Flyers: "Chocs Away!" (Polydor/UK, Juli 1975) |
Die Kursaal Flyers waren eine ziemlich schräge Truppe in der damals
aufkeimenden Pubrockszene. Im Gegensatz zu ihren Kumpels von Dr.
Feelgood orientierten sie sich aber stärker an der Countrymusik.
Der Sänger Paul Shuttleworth war ein Crooner der alten Schule,
mit Vic Collins hatten sie einen hauptamtlichen Pedalsteelgitarristen,
der Bassist Ritchie Bull griff gerne mal zum Banjo und die meisten
Songs wurden ungewöhnlicherweise vom Schlagzeuger Will Birch
zusammen mit dem Leadgitarristen Graeme Douglas geschrieben.
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The Kursaal Flyers bridged the gap between pub rock and power pop, turning out a handful of fine albums and great singles in their brief two-year career. Comprised of Paul Shuttleworth (vocals), Graeme Douglas (guitar), Vic Collins (guitar, steel guitar, vocals), Riche Bull (bass, vocals), and Will Birch (drums), the band released their first album, Chocs Away, in 1975; it was followed soon afterward by The Great Artiste. Both records showed a grasp of country and roots rock, as well as pure pop. They would begin to emphasize their pop elements with 1976's Golden Mile, released by CBS Records. The union with the major label helped the single "Little Does She Know" reach the British Top 20. Douglas left to join Eddie & the Hot Rods before the recording of their final album, Five Live Kursaals (1977); he was replaced by Barry Martin. The band broke up after the release of punk- and power pop-injected Five Live Kursaals. Out of the members, only Will Birch and John Wicks stayed active — they formed the Records immediately after the Kursaal Flyers' disbandment. The Kursaal Flyers reunited in 1988, recording A Former Tour de Force Is Forced to Tour, which picks up right where they left off in 1977.
(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)
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"Guru Guru Mani und seine Freunde" (Atlantic, Aug. 1975) |
Ende 1974 stand Guru Gurus Trommler Mani Neumeier nach dem
Ausstieg von Gitarrist Conny Veit und Bassist Hans Hartmann
alleine da. Auf Anraten seiner Freunde von Kraan
machte er sich an sein erstes Soloalbum, bei dem er von Musikern von
Kraan (Bassist Hellmut Hattler, Trommler
Jan Fride und Gitarrist Peter Wolbrandt), Karthago
(Keyboarder Ingo Bischof und Perkussionist Tommy Goldschmidt)
und Harmonia (Dieter Möbius und
Achim Roedelius) unterstützt wurde. Dazu kamen Jazzsaxofonist
Gerd Dudek und Bluespianist Champion Jack Dupree. Mit
Jogi Karpenkiel und Sepp Jandrisits waren auch zwei Musiker
der nächsten Guru Guru Besetzung ("Tango
Fango" von 1976) dabei, wobei für mich unklar ist, ob
es zum Aufnahmezeitpunkt, April 1975, eine aktive Guru Guru-Besetzung
gab oder nicht. Aber im Grunde ist das bei dem tollen Ergebnis egal,
denn die Sessions müssen wohl allen beteiligten Musiker riesigen
Spaß gemacht haben.
(16.07.2008) |
Harmonia: "Deluxe" (Brain, Aug. 1975) |
Lost
And Found!
(05.12.2004) |
Man: "Maximum Darkness" (United Artists, Sept. 1975) |
Man gelten für viele als die "walisischen Grateful Dead"
bzw. "britischen Allman Brothers", was angeblich nicht nur
an der Musik, sondern auch an der gemeinsamen Vorliebe für bewusstseinserweiternde
Mittelchen liegt. Auf diesem Livealbum spielten sie dann mit einem
ihrer Helden, dem ehemaligen Quicksilver-Gitarristen John Cipollina.
Wie Cipollina mit Man zusammenkam, soll er selbst erzählen:
"Ich hörte glaube ich im Radio, dass
diese englische Formation in der Stadt war und mit mir spielen wollte.
Also besorgte ich mir die Adresse ihres Ãœbungsraums und ging
dorthin. Ich klopfte an und es machte mir jemand auf, der mich fragte
was ich wollte. Ich sagte: Ich bin John Cipollina, soviel ich weiß
wollt ihr mit mir spielen. Der Typ (es war Deke Leonard) sagte, nein,
du bist nicht John Cipollina, der sieht ganz anders aus. Das ging
eine Zeitlang so hin und her bis mir die Geduld riss und ich
ihm meinen Führerschein zeigte und sagte: Da steht ja wohl mein
Name, oder? Selbst dann war er noch nicht überzeugt und meinte:
Spiel doch mal mit uns, wir werden ja hören, ob du wirklich Cipollina
bist. Danach waren sie dann endlich überzeugt und boten mir an,
zusammen mit ihnen im Winterland aufzutreten."
Bei diesem Konzert bekam Cipollina dann Respekt vor seinen neuen
Kollegen, denn obwohl so ziemlich alles schief ging, was nur schief
gehen konnte (Verstärker fielen aus, Saiten rissen und, und,
und ...) "zog Man das Konzert durch, als ob nichts geschehen
wäre." Im Anschluss daran tourte Cipollina mit dem Quartett
durch England und wurde auf dieser LP verewigt, die auf ausgezeichnete
Weise die Songs von Man mit dem unvergleichlichen Gitarrenspiel von
Cipollina vereinigt.
(ca.2002)
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Clive John: "You Always Know Where You Stand With A Buzzard" (United Artists, Sept. 1975) |
Lost And Found!
(01.03.2003) |
Pink Floyd: "Wish You Were Here" (EMI/Harvest, Sept. 1975) |
Kürzlich aus völlig unerfindlichen Gründen für mich wieder entdeckt:
Pink Floyd in den frühen bis mittleren 70ern. Vor allem mein
Lieblinxalbum "Wish You Were Here", das erste, das ich mir
damals neu angeschafft hatte, dann vielleicht etwas überraschend "Relics",
die Resteverwertung von 1971 mit den frühen Singles von Syd Barrett,
aber eben auch der Megaseller "Dark
Side Of The Moon".
(05.01.2009)
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The Floyd's follow-up to The Dark Side of the Moon was
another essay on everyday lunacy, dominated by the liquid-rock suite "Shine
On You Crazy Diamond," a poignant allusion to errant ex-member Syd
Barrett. "Have a Cigar" is a searing blast at the music biz, with
the classic line, "Which one's Pink?" (Rolling Stone)
Total album sales: 6 million
Peak chart position: 1
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Linda Ronstadt: "Prisoner In Disguise" (Elektra/Asylum, Sept. 1975) |
Alleine schon wegen der exquisiten Liedauswahl ist das für mich eine wichtige
Platte: Neil Youngs "Love Is A Rose" (vom Meister selber
nur als Outtake später auf "Decade"
veröffentlicht), James Taylors "Hey Mister, That's
Me Up On The Jukebox", Little Feats "Roll Um Easy"
(mit Lowell George an der Slidegitarre und insgesamt rockiger
als das Feat-Original von "Dixie
Chicken"), Smokey Robinsons "Tracks Of My Tears",
und mit "Heat Wave" ein zweiter Motown-Klassiker, Jimmy
Cliffs "Many Rivers To Cross", Dolly
Partons "I Will Always Love You", dazu zwei neue Lieder
des damals noch recht unbekannten John
David Souther und Anne McGarrigle. Gesangliche
Unterstützung kommt neben u. a. von Emmylou Harris
und Maria Muldaur, in der instrumentalen
Begleitung will ich nur den omnipräsenten Andrew Gold, David
Lindley an der Geige und James Taylor an der Akustikgitarre
hervorheben. Eine perfekte "Westcoast-Pop-Platte", produziert
von Peter Asher.
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Linda Ronstadt followed the commercial and critical breakthrough success of Heart Like a Wheel with Prisoner in Disguise, a record that essentially repeats the formula of its predecessor. While it lacks the consistency of Heart Like a Wheel, it's thoroughly enjoyable, highlighted by sturdy remakes of the Motown classics "Tracks of My Tears" and "Heat Wave."
(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)
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Atlantis: "Get On Board" (Vertigo, Okt. 1975) |
Letztes Album dieser wunderbaren Hamburger Band um die Sängerin Inga
Rumpf. Nicht unbedingt ihr bestes oder bekanntestes Album, aber
der Titelsong hat es mir schon vor vielen Jahren angetan ...
(19.06.2019) |
Kraan: "Let It Out" (Intercord/Spiegelei, Okt. 1975) |
Zwar kein wirklicher Klassiker der Band, aber das einzige Album, dass ich
mir damals direkt angeschafft hatte. Angeblich schon zu poppig - aber
ich mag's nach wie vor. Nach meinem Wissensstand auch das letzte Album
mit Saxofonspieler Johannes "Alto" Pappert und gleichzeitig
das erste mit Keyboarder Ingo Bischof (Ex-Karthago). Also quasi
ein Album des Ãœbergangs.
Kleine Anekdote gefällig? Beim damaligen Konzert in der Dinslakener
Stadthalle gab's als "Vorprogramm" eine dämliche Modenschau,
die Helmut Hattler dazu veranlasste, das Publikum anschließend
mit "Hallo Jeanslaken" zu begrüßen. Den Gag soll er kürzlich
im Jägerhof beim Konzert mit eigener Kapelle dann auch wieder gebracht
haben, wie es in der Zeitung stand. Ich war dieses mal leider nicht
dabei.
(Dez. 2006) |
New Riders Of The Purple Sage: "Oh, What A Mighty Time" (Columbia, Okt. 1975) |
Ich liebe diese Scheibe! Selten habe ich eine derart irrsinnige Mischung
von verschiedenen Stilen, gutem und schlechtem Geschmack gehört!
Mit anderen Worten: grandioser Kitsch-Trash-Country-Calypso-Funk-TexMex-Rock'n'Roll
mit Kinderchor! Leider teilen nicht viele Leute diese Meinung
(zumindest kenne ich eigentlich nur eine Person - doch dazu später
mehr).
Zuerst fiel mir diese Band auf, weil Anfangs Jerry Garcia
als fester Pedalsteelgitarrist dabei war. Vor langen, langen Jahren
(muss Anfang der 80er gewesen sein) habe ich dieses Album dann in
der Duisburger Stadtbücherei entdeckt, ausgeliehen und aufgenommen.
Leider hat die Kassettenkopie die Jahre nicht überlebt, sodass
ich die Platte fast wieder vergessen hatte. Eine CD-Wiederveröffentlichung
war dann auch nicht zu bekommen (gibt's die überhaupt?). Letztens
habe ich über mein Kumpel Wulf Weißmüller aus
Freiburg Hermann Goller von der Schwäbischen Alb kennen
gelernt, die zusammen als mehr oder weniger beinharte Deadheads an
einer CD-Kompilation mit Jerry Garcia-Gastauftritten arbeiteten. Ich
konnte ihnen dabei helfen und es stellte sich heraus, dass Hermann
"Mighty Time" ebenfalls gut findet und als Platte besitzt!
Endlich hat es mit dem Brennen einer CD-Kopie geklappt und ich sitze
vor den Lautsprechern und kann noch fast alle Lieder mitsingen!
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Hier noch ein paar Anmerkungen zu den Musikern und den Songs, da die wohl den wenigsten von Euch präsent sein dürften: Gegründet wurde die Band von Sänger/Gitarrist John Dawson und dem Gitarristen David Nelson zusammen mit Jerry Garcia, damit dieser ausserhalb von den Grateful Dead Platz für seine Pedalsteel-Ambitionen hatte. Da die Band relativ erfolgreich war, hatte Garcia bald nicht mehr genug Zeit für seine "Hobbyband" und es wurde mit Buddy Cage ein neuer Mann für dieses feine Instrument gefunden. Am Schlagzeug hatte Spencer Dryden (Ex-Jefferson Airplane) schon vor dem Debütalbum Mickey Hart (auch von Grateful Dead) abgelöst. Auf "Mighty Time" ist erstmals Skip Battin am Bass zu hören, der den zu Kingfish abgewanderten Dave Torbert ersetzte. Zugvogel Battin war zuvor bei den Byrds (u.a. auf "Untitled") und im nächsten Jahr schon wieder zu den Flying Burrito Brothers weitergezogen.
- "Mighty Time" von Don Nix (schrieb auch "I'm Going Down" für Freddie King) ist der ultimative Partyknaller: die Session im Studio muss ebenfalls eine einzige grosse Party gewesen sein. Vielleicht hat die Band ja gefeiert, weil es ihr letztes Album für CBS war (nach uns die Sintflut!). Mit dabei waren Jerry Garcia und die Woodstock-Legende Sly Stone, sowie ein echter Kinderchor. Hoffentlich hatte man die armen Kinder nicht unter Drogen gesetzt!
- "I Heard You've Been Layin' My Old Lady" stammt von Grateful Dead's Bob Weir und ist ein kleines, gemeines, ein wenig frauenfeindliches Stück Countrymusik, das die Dead selber nie aufgenommen haben. Mit einem völlig zugekifft-chaotischen Ende.
- "Strangers On A Train" wird von Skip Battin gesungen, der es auch mit seinem Kumpel Kim Fowley geschrieben hat.
- "Up Against The Wall, Redneck Mother" stammt vom texanischen Songschreiber Ray Wylie Hubbard und macht sich wunderbar lustig über Rednecks, die natürlichen Feinde der Hippies
- "Take A Letter, Maria" von R.B.Greaves - das ist tatsächlich jenes Lied, welches es in meiner Jugend unter dem Namen "Und darum schreib ich Maria" (oder so ähnlich) als deutscher Schlager von Rex Gildo gesungen wurde. Oder war's Michael Holm? Hab ich auf jeden Fall mal bei Dieter Thomas Heck gesehen und bis heute nicht verdrängen können.
- "Little Old Lady" - hier darf John Dawson wunderschön schaurig jodeln!
- "On Top Of Old Smokey" - schöner Bluegrass mit ein bischen zuviel Autoharp.
- "Over & Over" - eine von den wenigen Dawson-Kompositionen auf der Platte. Mit schauerlich schönen Trinidadtrommeln von Jeff Narrell (wohl ein Verwandter des bekannten Steeldrummers Andy Narell aus S.F.)
- "La Bamba" - genau das, was ihr vermutet. Und immer noch Party im Studio.
- "Going Round The Horn" - das zweite Dawson-Original. Country mit 'ner schönen Fiedel von Ray Park.
- "Farewell, Angelina" - ein wunderschöner Dylan-Song, den der Meister selber nie offiziell veröffentlicht hat (gibt's -glaube ich- sonst nur von Judy Collins). Hier gesungen von Skip Battin, der scheinbar über seine Byrds/McGuinn-Connection nah dran war am Meister.
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Inga Rumpf: "Second-Hand-Mädchen" (Philips, Okt. 1975) |
Ingas erstes Soloalbum, aufgenommen noch zu Atlantis-Zeiten,
von denen auch alle Musiker hier mitspielen, ergänzt durch einen
fettes Bläsersatz, arrangiert von Peter Herbolzheimer und
auch ein paar abgefahrenen Mundharmonikatönen des legendären
Toots Thielemans aus Belgien. Die schnodderigen deutschen Texte
hatten ihr den Vorwurf eingebracht, auf den "Udo-Lindenberg-Zug"
aufzuspringen. Die nächsten Soloalben waren dann auch wieder auf
Englisch. Trotzdem: Coole Kippe, colle Platte, wenn auch nicht der große
Erfolg ... |
Bruce Springsteen: "Born To Run" (Columbia, Okt. 1975) |
Die Platte ist natürlich ein Klassiker. Sogar ein sehr gutes Album.
Aber eben nicht mein Lieblinxalbum vom "Boss", den ich erst
mit dem Nachfolger "Darkness
On The Edge Of Town" entdeckt habe, der für mich immer
an erster Stelle der Bruce-Liste stehen wird.
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Bruce Springsteen spent everything he had -- patience, energy, studio
time, the physical endurance of his E Street Band -- to ensure that his
third album was a masterpiece. Springsteen's reputation as a perfectionist
on record begins here: There are a dozen guitar overdubs on the title
track alone. He was also spending money he didn't have. Engineer Jimmy
Iovine had to hide the mounting recording bills from the Columbia paymasters.
"The album became a monster," Springsteen told his biographer,
Dave Marsh. "It just ate up everyone's life." But in making
Born to Run, Springsteen was living out the central drama in the album's
tenement-love operas ("Backstreets," "Jungleland")
and gun-the-engine rock & roll ("Thunder Road," "Born
to Run"): the fight to reconcile big dreams with crushing reality.
He found it so hard to get on tape the sound in his head -- the Jersey-bar
dynamite of his live gigs, Phil Spector's Wagnerian grandeur, the heartbreaking
melodrama of Roy Orbison's hits -- that Springsteen nearly scrapped Born
to Run for a straight-up concert album. But his make-or-break attention
to detail -- including the iconic cover photo of Springsteen leaning onto
saxman Clarence Clemons, a perfect metaphor for Springsteen's brotherly
reliance on the E Street Band -- assured the integrity of Born to Run's
success. In his determination to make a great album, Springsteen produced
a timeless, inspiring record about the labors and glories of aspiring
to greatness." (Rolling Stone)
Total album sales: 6 million
Peak chart position: 3
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Starry Eyed & Laughing: "Thought Talk" (Columbia, Okt. 1975) |
Die Gruppe hatte sich nach einer Textzeile aus Dylan's "Chimes
Of Freedom" benannt und spielte einen stark an den Byrds angelehnten
Sound. Nach ihrem unbetitelten und erfolglosen Debüt
von 1974 erschien noch dieses zweite Album. Beide Alben sind nach
meinem Kenntnisstand nie auf CD wieder veröffentlicht worden. Entdeckt
hatte ich die Band in einer Musikladen-Sendung (Vorläufer des Rockpalasts)
und beide Alben in den Jahren danach aus Grabbelkisten von 2nd-Hand-Plattenläden
gezogen.
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Originally a distinctly Byrds-influenced duo of guitarist/vocalists Ross
McGeeney and Tony Poole (and thus instantly comparable to an early R.E.M.),
Starry Eyed and Laughing were one of the most individual acts to gravitate
toward the London pub rock scene as the 1970s neared their midpoint. Formed
in the midlands city of Northampton during 1973, within a year the band
had swollen to a quartet comprising McGeeney, Poole, bassist Steve Hall,
and drummer Nick Brown and were packing venues across the capital. This
lineup survived only a matter of months, but did bring the band to the
attention of CBS. With a new rhythm section of Iain W hitmore and the
splendidly named drummer Mick Wackford, plus a cast of guests including
Russ Ballard, Lindisfarne's Ray Jackson, and BJ Cole, Starry Eyed and
Laughing cut their eponymous debut album in mid-1974, alongside the single
"Money Is No Friend of Mine."
A second album, Thought Talk, followed in 1975, together with further
singles "Nobody Home" and Good Love," and that fall, Starry
Eyed and Laughing made their U.S. debut with a short, but very well-received
tour. Upon returning home, however, McGeeney quit the band -- he was replaced
by Roger Kelly for the 1976 single "Don't Give Me a Hard Time,"
before bassist Whitmore, too, departed.
Opting to continue on as a trio, the band abbreviated its name to Starry
Eyed alone, but never recaptured the excitement of earlier years and broke
up soon after.
(by Dave Thompson, All
Music Guide)
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"Where do you start? How about with the name?
Yeah. Starry Eyed And Laughing, as all good Dylanophiles know, is the
first line of the last verse of "Chimes Of Freedom". It's the
sort of name you probably won't forget, and it's also to be a great extent
onomatopoaeic (which means it sounds like it looks). They don't laugh
out of context, mind you, and after all that motorway food, stars in the
eyes could prove a little difficult, but the sound is basically that produced
by optimists, and the songs are unlikely to lead to dispair even in the
most downtrodden of lives.
It's my contention, and several tasteful writers agree, that Starry Eyed
And Laughing come several miles nearer to successfully adapting that jingly
jangly Californian style, complete with original material, than anyone
so far. Tony Poole (12string-player) says his group's music "guaranteed
to take you higher". Should I explain what he means by "higher"?
Too much time and vinyl are taken up with ramblings. Here is the music
that belongs to everyone - yours to enjoy."
(Covertext von John Tobler)
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Van Der Graaf Generator: "Godbluff" (Charisma, Okt. 1975) |
Anfang
des Jahres gab es auf Peter Hammills Soloalben (u.a. "Nadir's
Big Chance") bereits die musikalische Wiedervereinigung des
Kernquartett (Saxmann David Jackson, Trommler Guy Evans
und Organist/Bassist Hugh Banton. Das hat wohl so gut geklappt,
dass wieder unter dem gemeinsamen Bandnamwen musiziert wurde ...
(19.03.2017)
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Following the release of Pawn Hearts, bandleader Peter Hammill took time out to develop a solo career, choosing to focus his energy on darkly introspective works that seemed to be intended to examine the personal consequences of his life. When it came time for reuniting the members of Van Der Graaf, this change in direction had its effect on the band's post-1975 music. While the musical structures continued to be complex and dense, there seemed to be far less accent on the demonstration of musical skill than had formerly been the case. Indeed, the album opened with daring quietness, with David Jackson's flute echoing across the stereo space, joined by Hammill's voice as he whispered the opening lines. There was sturm und drang to come, but the music had been opened up and the lyrics had developed more focus, often abandoning metaphor in favor of statement. Godbluff was a bravura comeback -- only four cuts, but all were classics.
(by Steven McDonald, All Music Guide)
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John Cale: "Helen Of Troy" (Island, Nov. 1975) |
Die 70er waren eine andere Zeit: Brian Eno und Phil Collins
zusammen im Studio, ohne dass einem das komisch vorkam. Ansonsten: Ex-Velvet
John Cale wie immer auf höchstem kompositorischem Niveau
und mit einem för seine Verhältnisse relativ "normalem"
Ergebnis.
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"The supporting crew on Cale's final Island album makes for a lineup
that could never have happened again at least, in terms of future
results, imagining, among others, Cale, Chris Spedding, Brian Eno, and
Phil Collins once more in the same room together seems totally unlikely.
Regardless of the oddity, Cale once again led a great ensemble band (Spedding
now having fully taken over from Manzanera on guitar) through another
set of great, inspiring songs. Whoever is putting in the guitar solos,
Spedding or Cale, sometimes misfires, sometimes succeeds brilliantly
consider opening song "My Maria," where the earlier efforts
are intrusive but the concluding parts a perfect addition to the building
smack of the song. Cale's songs generally tend towards the uneasy throughout,
his sometimes strained but never forced singing, high volume at points,
making the most of the material. The atmosphere of the album as a whole
is perhaps the most band-oriented of the three Island records, with further
arrangements sounding like additions more than intrinsic parts of the
songs. It's not a criticism, though, more an interesting experiment with
often strong results, like the strident horns and heavily treated noise
on the title track. "I Keep a Close Watch" is the secret emotional
sucker punch on Helen of Troy Cale long harbored a sadly unfulfilled
dream that Frank Sinatra might cover it, and there's little doubt why.
Taking the opening line from Johnny Cash's "I Walk the Line"
as inspiration, with a much different thematic intent, it's an unabashedly
romantic number with a great string and horn arrangement. There are, again,
gentler moments that call to mind earlier tributes to the Beach Boys here
and there, such as "China Sea," along with a great rendition
of Jonathan Richman's "Pablo Picasso." Overall, Helen of Troy
finds Cale at his edgiest, with fascinating results." (Ned Raggett,
AllMusicGuide)
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Little Feat: "The Last Record Album" (Warner, Nov. 1975) |
Für
Hardcore-Fans das letzte gute Album, weil danach statt Lowell
George zunehmend der Keyboarder Bill Payne die Führung
übernimmt und angeblich fiesen "Jazzrock" macht! Was
bleibt, sind auf jeden Fall gute Songs, z.B. "Long Distance Love"
(Lowell George) und "All That You Dream" (Bill Payne/Paul
Barrere). |
Richard & Linda Thompson: "Pour Down Like Silver" (Island, Nov. 1975) |
Mit Nic Jones und Aly Bain (fiddle), Ian Whiteman
(Ex-Mighty Baby, flute), Henry
Lowther (trumpet), John Kirkpatrick (button accordion, anglo
concertina), Pat Donaldson und Dave Pegg (bass), Timi
Donald und Dave Mattacks (drums). Den einen oder anderen
mag damals und auch heute das streng islamische Outfit der beiden frisch
Konvertierten etwas abgeschreckt haben - aber auf dieser Platte sind
drei der allerbesten Songs von Richard Thompson: das meisterhafte Gitarrenfeature
"Night Comes In", der betörende Rocker "For Shame
Of Doing Wrong" (gibt's auch in tollen Coverversionen von Sandy
Denny, den Blue Aeroplanes und Yo La Tengo) und Lindas
beste Ballade "Dimming Of The Day" (gibt's auch von Any
Trouble, Bonnie Raitt, Mary Black und sogar David
Gilmour!).
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The serious-looking portraits of Sufi Richard and his loyal
muslim wife could have put off the casual purchaser. The music is often
profound, but within there are a number of classic Thompson songs. John
Kirkpatrick's opening (just like Jimmy Shand) is a joy on "Streets
Of Paradise," where the tears fall down like whiskey and wine. Similarly
strong are "Night Comes In" and "Beat The Retreat."
The final song, sung by Linda, is a beauty--a love song of immense depth,
with the final lines "...I need you at the dimming of the day..."
What a pity Linda has all but retired from singing.
Pour Down Like Silver was the last album Richard &
Linda Thompson would release before beginning a self-imposed three-year
retirement in order to join a communal Sufi Muslim sect. The cover photographs
show the Thompsons dressed in traditional Muslim garb, and while lyrically
the album offers few clear signs of the Thompsons' new spiritual direction,
the stark asceticism of the music marked a real change from the alcohol-fueled
mood swings of I Want to See the Bright Lights Tonight and Hokey Pokey.
The horns, accordion, and ancient instruments that had dotted Richard
and Linda's previous albums were used far more sparingly on Pour Down
Like Silver, and even Thompson's usually astounding electric guitar solos
were pared down in favor of an emotionally intimate, bare-wired approach
that sounds alternately like a confession and a plea for guidance. Pour
Down Like Silver is downbeat even by Richard Thompson's less than joyful
standards, but it also features some of his most beautiful and compelling
songs the ravaged plea for salvation of "Streets of Paradise,"
the mysterious and mesmerizing "Night Comes In," the mournful
romantic meditations "Beat the Retreat" and "For Shame
of Doing Wrong," and the spare but heartfelt love song "Dimming
of the Day." And Linda (usually the more pragmatic of the two) breaks
the mood near the end of side two with the cynically witty "Hard
Luck Stories." Pour Down Like Silver is the most severe of the Richard
& Linda Thompson albums, but those brave enough to look past its dark
surface will find a startlingly beautiful album; it's not an easy album
to listen to, but it greatly rewards the effort.(Mark Deming)
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Neil Young & Crazy Horse: "Zuma" (Reprise, Nov. 1975) |
Mit
diesem Album fanden Hardcore-Fans und "normales Publikum"
allmählich wieder zusammen. Die meisten Songs entstanden mit den
reformierten Crazy Horse (Billy Talbot, Ralph Molina und
Frank Sampedro, der den verstorbenen Danny Whitten ersetzte),
u. a. "Don't Cry No Tears", "Danger Bird", "Barstool
Blues" und das genial-simple "Cortez The Killer". Fär
ein Lied ("Through My Sails") gab es sogar eine kleine Reunion
mit den alten Kumpels Crosby, Stills und Nash,
woraus sich eine Tournee, aber leider kein neues Album ergab. |
Patti Smith: "Horses" (Arista, Dez. 1975) |
Bereits die ersten Worte auf dieser Platte machen alles klar: "Jesus
died for somebody's sins, but not mine". Von John
Cale produziert gibt es hier allerfeinsten Garagenrock, aber: ist
das schon Punk? Mit einer tollen Coverversion von Van Morrisons "Gloria".
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From its first defiant line, "Jesus died for somebody's sins, but not mine," the opening shot in a bold reinvention of Van Morrison's garage-rock classic "Gloria," Smith's debut album was a declaration of committed mutiny, a statement of faith in the transfigurative powers of rock & roll. Horses made her the queen of punk. But she cared more for the poetry in rock. In "Free Money," "Redondo Beach" and the incantatory rave-up "Land Medley," she sought the visions and passions that connected Keith Richards and Arthur Rimbaud -- and found them, with the intuitive assistance of a killing band (pianist Richard Sohl, guitarist Lenny Kaye, bassist Ivan Kral and drummer Jay Dee Daugherty) and her best friend, photographer Robert Mapplethorpe, who shot the unforgettable cover portrait.
Total album sales: Under 500,000 - Peak chart position: 47
(Rolling Stone)
It isn't hard to make the case for Patti Smith as a punk rock progenitor based on her debut album, which anticipated the new wave by a year or so: the simple, crudely played rock & roll, featuring Lenny Kaye's rudimentary guitar work, the anarchic spirit of Smith's vocals, and the emotional and imaginative nature of her lyrics — all prefigure the coming movement as it evolved on both sides of the Atlantic. Smith is a rock critic's dream, a poet as steeped in '60s garage rock as she is in French Symbolism; "Land" carries on from the Doors' "The End," marking her as a successor to Jim Morrison, while the borrowed choruses of "Gloria" and "Land of a Thousand Dances" are more in tune with the era of sampling than they were in the '70s. Producer John Cale respected Smith's primitivism in a way that later producers did not, and the loose, improvisatory song structures worked with her free verse to create something like a new spoken word/musical art form: Horses was a hybrid, the sound of a post-Beat poet, as she put it, "dancing around to the simple rock & roll song."
(by William Ruhlmann, All Music Guide)
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Emmylou Harris: "Elite Hotel" (Reprise, Dez. 1975) |
Innerhalb
kürzester Zeit bringt Emmylou zusammen mit ihrer Hot Band die zweite
Sammlung vorzüglicher Songs heraus: mit "Ooh Las Vegas",
"Sin City" und "Wheels" sind gleich drei Songs ihres
ehemaligen Gesangspartners Gram Parsons dabei. Dazu kommen Titel
von den Beatles ("Here, There And Everywhere"), Don
Gibson ("Sweet Dreams"), Hank Williams ("Jambalaya")
und Rodney Crowell ("Till I Gain Control Again").
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While much of Harris' career has been spent carrying on the legacy of Gram Parsons, Elite Hotel ranks among her most overt tributes to his genius, thanks to its covers of the Flying Burrito Brothers' "Sin City" and "Wheels," along with "Ooh Las Vegas" from the Grievous Angel album. In addition to the usual eclectic mix of covers -- which includes the Beatles' "Here, There and Everywhere" and Hank Williams' "Jambalaya" this time out -- Elite Hotel offers renditions of the country perennials "Together Again" and "Sweet Dreams," which were, respectively, Harris' first two number one chart hits.
(by Jason Ankeny, AMG)
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Tom Waits: "Nighthawks At The Diner" (Elektra/Asylum, Dez. 1975) |
Live
im Studio vor eingeladener Gästeschar und mit einer hochkarätig
besetzten Jazzband (Pete Christlieb am Sax, Jim Hughart
am Bass, Billy Goodwin am Schlagzeug und Mike Melvoin
am Piano) entstand dieses Album, mein Einstieg in den Wait'schen Kosmos.
Von vielen Kritikern wurde die Platte damals vor allem aufgrund des
Entstehungszusammenhangs abgelehnt, was ich nicht nachvollziehen kann.
Vielleicht wäre das Konzept 15-20 Jahre später bei "MTV
Unplugged" oder bei "VH1-Storytellers" besser aufgehoben
gewesen? |
John Abercrombie/Dave Holland/Jack DeJohnette: "Gateway" (ECM, 1975) |
Ein Highlight aus meiner spät70er-ECM-Phase. Für ECM-Verhältnisse
recht "fetzig". Das heißt natürlich nicht, es wäre
Freejazz oder Jazzrock oder dieser oft furchtbare "Fusionsound".
Einfach nur ein gutes Gitarrentrio. Interessanterweise stammen die Kompositionen
fast vollständig von der Rhythmusgruppe Holland/DeJohnette, die
beide zuvor bei Miles Davis gespielt hatten, obwohl Gitarrist John Abercrombie
ja eigentlich der "Chef" hier ist. Zumindest wird die Platte
im Laden meist unter "A" einsortiert. Miles Davis und Jimi
Hendrix hätten ihre Freude daran gehabt. Ja gut - Miles weilte
1975 noch unter uns und hatte vielleicht sogar wirklich seine Freude
daran. Ich meine das ja auch nur in einem übertragenem Sinne. Klangtechnisch
oder so.
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Guitarist John Abercrombie was one of the stars of ECM in its early days. His playing on this trio set with bassist Dave Holland and drummer Jack DeJohnette is really beyond any simple categorization. Abercrombie's improvisations are sophisticated yet, because his sound is rockish and sometimes quite intense (particularly on the nearly 11-minute "Sorcery 1"), there is really no stylistic name for the music. Holland contributed four of the six originals while DeJohnette brought in the other two (one of which was co-written with Abercrombie). The interplay between the three musicians is quite impressive although listeners might find some of the music to be quite unsettling. It takes several listens for one to digest all that is going on, but it is worth the struggle.
(by Scott Yanow, All Music Guide)
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Amazing Rhythm Aces: "Stacked Deck" (ABC, 1975) |
Das
Debüt der Südstaatenband um den Sänger und Songschreiber
Russell Smith, den Pianisten und späteren Nanci Griffith-Begleiter
James Hooker und den Gitarristen, Toningenieur und Produzenten
Barry Burton. Sie brachten auf unverwechselbare Art und Weise
Country aus Nashville und Rock/Soul aus Memphis bzw. Muscle Shoals zusammen.
Man nannte sie auch die Steely Dan des Südens
(na ja: wie wär's mit Lynyrd Skynyrd mit Hirn?).
Von den Songs ist "Third Rate Romance" am bekanntesten (wurde
in den 80ern ein Hit für Rosanne Cash). Aufgenommen wurde
übrigens im berühmten Sun-Studio von Sam Phillips
in Memphis! |
David Blue: "Comin' Back For More" (Asylum, 1975) |
Lost And Found!
(12.08.2007)
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Billed as a "Story by David Blue," this record of songs is
one of the poorer excuses for the term "concept album." Recorded
with the help of Joni Mitchell's backup musicians at the time, some of
the finer jazz/rock players at that, the sound here is patchy and a bit
thin. It really doesn't leave you "Comin' Back For More."
(by James Chrispell, All
Music Guide)
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Keith & Donna Godchaux: "Keith & Donna" (Round, 1975) |
Tja...
Das Solodebüt (besser Duodebüt) des Ehepaares, die ansonsten
als Klavierspieler und Chorsängerin bei den Grateful
Dead aktiv waren. An Donnas Gesang scheiden sich die Geister
der Deadheads (sie singt ja falsch!). Und Keith weigert sich, was
anderes als normales Klavier zu spielen (wo bleibt die Psychodelik?).
1979 sind die beiden dann auch weg von den Dead und Keith stirbt kurz
darauf bei einem Autounfall (der zweite von insgesamt vier toten Dead-Keyboardern!).
Aber egal - denn das hier ist eine schöne Platte, auf der durchgängig
Jerry Garcia mit seiner Gitarre ganz entspannte Sachen spielt.
An Bass und Schlagzeug hören wir zwei Musiker, die sonst eigentlich
nicht in's Dead-Umfeld gehören: Chrissie Stewart (Engländer,
spielte bei Frankie Miller) und Denny Seiwell (war,
wenn ich mich nicht täusche, bei Paul McCartney & The
Wings - aber da kenne ich mich nicht aus). Bis auf das tolle,
verlangsamte Phil-Spector-Cover "River Deep, Mountain High"
und den Á-Capella-Folksong "Who Was John", auf dem
die drei oft gescholtenen Sangeskünstler Keith, Donna & Jerry
wirklich ganz fantastisch zusammen klingen, gibt's nur Eigenmaterial
der beiden.
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"A nice solo effort by two of the Dead's members.
Supported by a cast of many wonderful musicians this duo brings something
special to the music. The cover of "River Deep, Mountain High"
is slow, soulful and has that Phil Spector feel. And the cover photo
is a hoot as well.
(TralFaz-Archives)
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The Grease Band: "Amazing Grease" (Good Ear, 1975) |
Die
Grease Band - leider nur eine Fußnote in der Rockgeschichte. Gegründet
wurde die Band als Begleittruppe für Joe Cocker. In Woodstock
waren sie dabei - und von Henry McCullough
(g) und Alan Spenner (bg) stammt auch live der Kastratenchor
bei "With A Little Help From My Friends". Im Sommer 1970 waren
die beiden mit ihrem Drummer Bruce Rowland dann plötzlich
arbeitslos (Cocker zog mit Leon Russell als "Mad Dog &
The Englishmen" durch die amerikanischen Hallen und Stadien), wollen
aber zusammen weiterarbeiten. Zuerst bei den Aufnahmen zu "Jesus
Christ Superstar", dann (aus ihrer Sicht unbefriedigend) bei Spooky
Tooth auf deren (aus meiner Sicht durchaus gelungenem) Album "The
Last Puff". Schließlich konnten sie zusammen mit dem
neuen Gitarristen Neil Hubbard unter dem alten Namen 1971 das
Album "The Grease Band" bei Harvest herausbringen,
das leider nur von der Kritik, aber eben nicht vom breiten Publikum
beachtet wurde. 1972 war dann wieder alles vorbei. 1975 erschien dann
noch dieses Nachfolgealbum, von dem ich gar nicht weiss, ob es sich
um Outtakes von 1971 oder ein echtes Reunion von 1975 handelt. Beide
Alben gibt es als Re-Release auf CD als Doppelpack. Von beiden Alben
gefällt mir dieses besser, vielleicht wegen der Songs (u.a. eine
geniale Coverversion von Bob Dylans im Original eher blasser
Nummer "New Morning"!),
vielleicht auch nur, weil ich das Album als rare französische Vinylpressung
mal in den frühen 80ern in Dinslaken bei "Schallplatten Ludwig"
erstanden habe - also eher eine nostalgische Geschichte? Was auch immer
- beide Greaseband-Alben bieten funkigen, lockerleichten Bluesrock ohne
Gebolze mit starker Gitarren(team)arbeit von McCullough und Hubbard. |
Chico Hamilton: "Peregrinations"
(Blue Note, 1975) |
Mein erstes Blue Note Album vom ehemaligen
Trommler des berühmten Gerry Mulligan/Chet Baker Quartetts. Mehr über das
Blue Note-Label gibt's hier.
(01.09.2009)
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This unusual LP, the first of three featuring altoist Arthur Blythe with drummer Chico Hamilton's mid-'70s group, has an uncomfortable mixture of advanced jazz and commercial elements. Hamilton is joined by a large rhythm section that includes Steve Turre (on electric bass) and guitarists Barry Finnerty and Joe Beck, along with Blythe, Arnie Lawrence on soprano, the keyboards of Jerry Peters, and several vocalists. The overall effect is a bit weird, dated but with some colorful moments. Definitely a mixed bag.
(by Scott Yanow , All Music Guide)
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Henry McCulloch: "Mind Your Own Business" (Dark Horse, 1975) |
Der
irische Gitarrist ist ein Mann der zweiten Reihe, der aber auch gelegentlich
(kaum verkäufliche?) Soloalben einspielt. Zu seinen bisherigen
Arbeitgebern gehören Spooky Tooth (als Ersatzmann auf deren
Klassiker "The Last Puff"),
Joe Cocker (in Woodstock in dessen Grease Band,
die sich danach erfolglos selbständig gemacht hatte), Paul McCartney
& The Wings und Frankie Miller. Das Label Dark Horse gehört
im Ãœbrigen George Harrison.
Was wird geboten? Ähnlich wie schon bei der Grease Band entspannter,
amerikanisch angehauchter Rock. Mit dabei seine alten Grease Band-Kollegen
(Alan Spenner, Neil Hubbard und Bruce Rowland)
und bei einem Lied sogar sein aktueller Arbeitgeber Frankie Miller als
Gastsänger. Eine schöne, unspektakuläre (das meine ich
positiv!) Platte. |
Kate & Anna McGarrigle (Warner, 1975) |
Das Debüt der kanadischen Schwestern, nachdem einige ihrer Lieder
bereits im Vorfeld in den Versionen von Kollegen für Aufmerksamkeit
gesorgt haben. Ohne Linda Ronstadts Version von "Heart
Like A Wheel" vom Vorjahr wäre Warner vielleicht gar nicht
auf Kate und Anne aufmerksam geworden. Sehr schön ist auch die
Coverversion von Loudon Wainwrights
"Swimming Song" (der war damals mit Kate verheiratet und hatte
selber bereits "Come A Long Way" von seiner Frau gecovert).
Die Platte hat wunderbare akustisch/elektrische Arrangements mit viel
Gitarre, Piano, Geige, Saxofon, Akkordeon und Banjo und hat absolut
nichts mit Rockmusik oder Country zu tun. Produziert hat das Ganze der
wunderbare Joe Boyd. An der Slidegitarre hören wir sogar
einmal Lowell George.
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If you know Linda Ronstadt's version of "Heart Like a Wheel,"
you are duty-bound to seek out the source. These Canadian sister songwriters'
original version--the highlight of their self-titled debut--has a fragile
elegance that, over the course of three minutes, will break, mend, and
break your heart again. But the pain in McGarrigle's quiet songs--piano,
banjo, and guitar provide much of the accompaniment--is always sweet.
Their double and triple harmonies are the sound of dreams. And their lyrical
sensibility is as timeless and effortless as that of a Carter Family song.
(Roy Kasten)
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Debut albums simply aren't supposed to be as accomplished and beautifully
crafted as Kate & Anna McGarrigle's first record, which is as lovely
and superbly realized as folk-rock gets. While producers Joe Boyd and
Greg Prestopino assembled an all-star crew to back up the McGarrigle sisters
(including Lowell George, Tony Levin, Steve Gadd, and Bobby Keys), nothing
steals the spotlight away from Kate and Anna, both of whom sing with a
pure clarity that's never so pretty it fails to reflect the real world,
harmonize with an uncanny grace, and write songs that are clever, witty,
wise, and often deeply moving. Lots of folkies have written movingly about
the troubling ties of home (as in "My Town" and "Talk to
Me of Mendocino"), a good number have sung about the ache of a broken
heart (like in "Heart Like a Wheel," famously covered by Linda
Ronstadt), some can communicate bitter resignation or sly, sarcastic wit
("Go Leave" and "Jigsaw Puzzle of Life"), and no more
than a few can express the joys of grown-up eros ("Kiss and Say Goodbye").
Kate & Anna McGarrigle is a record that manages to make all these
emotions ring true, and never with one canceling out another. Quite simply
a nearly perfect record, and if you're not a fan, repeated listenings
to this album might make you one.
(by Mark Deming, All
Music Guide)
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Barry Melton: "The Fish" (United Artists, 1975) |
Eigentlich
bin ich nie ein besonderer Fan von Country Joe & The Fish
gewesen, jener über ihren Woodstock-Auftritt weltberühmten
Band, die Folksänger Joe McDonald und Gitarrist Barry
Melton Mitte der 60er Jahre in San Francisco gegründet hatten.
Dies ist sein zweites Soloalbum, heutzutage sehr rar und nach meinem
Wissensstand immer noch ohne CD-Veröffentlichung. Aufgefallen ist
mir die Scheibe damals wegen des Aufnahmeortes (das legendäre Rockfield-Studio
in Wales, in dem auch die besten Platten von Man
entstanden) und wegen der Mitspieler und Co-Autoren einiger Songs: an
Schlagzeug, Mischpult und als Co-Produzent fungiert Dave Charles
(Ex-Help Yourself, später
bei Dave Edmunds), am Bass Ken Whaley (Ex-Help
Yourself, Ex-Man, später
bei der (Sean) Tyla Gang), an
den Keyboards Tommy Eyre und Ray Martinez (Gypsy, Showaddywaddy)
als zweiter Gitarrist. Songs entstanden z. T. zusammen mit Grateful
Dead-Trommler Mickey Hart und Peter Monk (hat später
zusammen mit Phil Lesh das Lied "Passenger" für
Grateful Deads Terrapin Station
geschrieben). Wie klingt das Ganze? Packt alle genannten Einflüsse
(außer vielleicht Showaddywaddy!) zusammen, rührt alles gut
durch, gewöhnt Euch an die Stimme (bei Country Joe & The Fish
hatte er ja nicht gesungen). Insgesamt eine schöne Westcoastplatte
"made in Wales".
Seit den 80ern arbeitet Melton als Jurist und musiziert nur noch nebenher,
z.B. mit seiner S.F.-Altherrenband The Dinosaurs
(u.a.m. Merl Saunders, Quicksilvers John Cippolina und
Dead-Texter Robert Hunter und Pete Albin von Big Brother
& The Holding Company) und fiel dabei etwas unangenehm auf,
als er Ende der 80er J Mascis dazu zwang, dessen Band in "Dinosaur
Jr." umzubenennen. Tja - wenn man schon mal selber Rechtsverdreher
ist ... |
Charlie Musselwhite: "Goin' Back Down South" (Arhoolie, 1975) |
Phantastische
'74er-Session von einem der Meister der Bluesharp, zusammen mit dem
Pianisten Lafayette Leake. Außerdem sind zwei tolle ältere
Aufnahmen von 1971 mit der Charles
Ford Band dabei, die es aus mir unerklärlichen Gründen
damals nicht auf das Album "Takin'
My Time" geschafft haben: da wäre zum einen "Crazy
For My Baby" von Willie Dixon. Ich fand diese Aufnahme damals
so toll, dass wir die Nummer mit den Rusty
Nails auch auf unsere erste EP "Breaking
Up Somebody's Home" genommen haben. Zum anderen gibt es mit
"Blue Stu" ein Instrumentalstück, auf dem sich der angehende
Gitarrengott Robben Ford sehr kompetent am Altsaxofon versucht.
(11.04.2006) |
Mythos: "Dreamlab" (Kosmische Kuriere, 1975) |
Zweites Album des Berliner Trios um den Multiinstrumentalisten Stephan
Kaske, der hier vor allem Gitarre und sehr kompetent Flöte
spielt. Das ist zwar alles schon sehr kosmisch, aber noch
nicht so ein schreckliches Synthie-Gefrickel wie auf den zahlreichen
späteren Alben Kaskes. Eigentlich ist es sogar ganz gut gelungen,
wenn man mal von ein paar Phaser-Effekten auf dem Schlagzeug, die aus
heutiger Sicht doch recht antiqiert und nervig klingen, und den ebenfalls
recht naiv wirkenden Science-Fiction-Texten absieht. Aber: Those
where the days, my friend.
Ich habe übrigenz sogar von damals die alte Originalausgabe im
Quadrosound im Regal stehen, aber noch nie auf einer ebensolchen Anlage
hören können.
(05.12.2015)
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Fortunately, this is not one of these Kosmische Kuriere albums that made the cosmic (kosmischen) to the odd (komischen) couriers in the German music press. Like other LPs of the label, it has a science-fiction concept, telling of an interplanetary visitor on a mission to earth. Maybe a little na?ve and dreamy today, but different from some labelmates. The musicians are competent and there are perceptible song structures. Dreamlab contains floating, mainly calm and relaxed music. A part of the album was used for the film The Superspider. Often echoes of guitar and flute define the meter and aremore… accompanied by Mellotron sounds. Like on the first LP, effects on voice and drums are frequently used.
|
New Grass Revival: "Fly Through The Country" (Flying Fish, 1975) |
Auf
ihrem 2. Album konnte man das erste NGR-Lineup hören, das in den
kommenden Jahren wegweisend für die Zusammenführung von Bluegrass
mit Stilmitteln der Rockmusik sein wird: Sam Bush an Mandoline
und Geige, Curtis Burch an Gitarre und Dobro, Courtney Johnson
am Banjo und Neuzugang John Cowan (Bass). |
Willie Nelson: "Red Headed Stranger" (Columbia, 1975) |
Willies
Debüt bei CBS gilt für viele als sein bestes Album. Es enthält
auf jeden Fall mit "Blue Eyes Crying In The Rain" einen seiner
größten Hits und mit "Time Of The Preacher" einen
seiner besten Songs. Von ihm selber in Texas produziert und mit seiner
Liveband eingespielt, was damals absolut unüblich war. Mit dieser
Band spielt er auch jetzt nach über 25 Jahren immer noch zusammen:
der geniale Mickey Raphael an der Mundharmonika, seine Schwester
Bobbie Nelson am Piano, die Brüder Paul English und
Billy English an den Schlaginstrumenten, Bee Spears am
Bass und Jody Payne an der Gitarre. |
Old And In The Way (Round, 1975) |
Diese Bluegrassband existierte eigentlich nur für eine Tournee
im Herbst 1973. Von mehreren Konzerten aus San Francisco stammen auch
diese Liveaufnahmen, die auf Round, dem "Solo-Label" der Grateful
Dead, veröffentlicht wurden. Wir hören Jerry Garcia
(Banjo, Gesang), Peter Rowan (Gitarre, Gesang), David Grisman
(Mandoline, Gesang), Vassar Clements (Fiedel) und John Kahn
(Bass).
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"An iconic album for early '70s bluegrass fans, and a big bridge
from the world of acidhead hippies into the traditional folk scene. The
gathering of Grisman, Rowan, old-time fiddle whiz Vassar Clements and
the Grateful Dead's teddybear avatar, Jerry Garcia is news in and of itself
-- the Greg Irons cover art (of later editions) was just icing on the
cake, giving this disc ultimate counterculture status. The band itself
wasn't together that long, and was a pretty informal gig to begin with.
They were, as the saying goes, ragged but right -- a little haphazard
when compared to the classic recordings of the bluegrass elders, but full
of the right attitude. In some ways, it's actually kinda nice how loosey-goosey
Old & In The Way were -- their relaxed, easygoing approach was a folk
scene equivalent of the DIY punk explosion in rock. Doubtless many hundreds
of fledgling pickers were encouraged to pick up an instrument after hearing
this disc. Fun stuff, with nice versions of a couple of Rowan's best tunes,
'Midnight Moonlight', and 'Panama Red...'"
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Pavlov's Dog: "Pampered Menial" (ABC, 1975) |
Lost
And Found!
(28.07.2007) |
John Prine: "Common Sense" (Atlantic, 1975) |
Ich
finde dieses Prine-Album ziemlich klasse und befinde mich ausnahmsweise
mal nicht auf der Kritikerlinie, denn "Common Sense" gilt
unter "Fachleuten" allgemein als schwächer im Vergleich
zu den drei Vorgängern, besonders zum Debüt
von 1971. Na gut - es befindet sich kein "Angel From Montgomery"
darauf, aber immerhin "Come Back To Us Barbara Lewis Hare Krishna
Beauregard", ein tolles Duett mit Bonnie Raitt, das genauso
gut ist, wie es der Titel verspricht, und kein einziger Ausfall. Ich
denke, viele stört der Sound der Platte: kein Folk mehr, sondern
funkiger Rock, aufgenommen mit Steve Cropper in Memphis. Muss
ich noch erwähnen, dass dies die erste (und einzige?) Scheibe von
Prine ist, die je die Top100 erreicht hat? |
Maggie & Terre Roche: "Seductive Reasoning" (Columbia, 1975) |
Auf dem fantastischen Debüt der Roches als Trio von 1979
singen die drei Schwestern:
"Guess which two of us made a record,
Guess what the other one did instead"
Zumindest die erste Frage wird hiermit beantwortet. Produziert übrigenz
von Paul Simon. Hat aber nix genützt.
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"There's something about The Roches that's always tended to provoke
extreme reactions. People either love their swooping three-part harmonies
and folksy-neurotic humor, or they want to flee to another time zone.
Put me firmly in the former camp -- at least when it comes to their lush
and fabulously quirky early studio albums, "The Roches" (1979)
and "Keep on Doing" (1982). To my mind, though, the Roches'
finest album is perhaps their least known -- a rarely-seen 1975 recording
by Maggie and Terre Roche (sister Suzzy joined a few years later) titled
"Seductive Reasoning." Earthier and more unfettered than anything
the trio has done since, "Seductive Reasoning" (which was re-released
in 1981 with a new album cover, shown here) is not only among the most
underrated folk-rock albums of the 1970's, it's a minor classic.
This is the album that got me through college. Maggie and Terre Roche
weren't much older than me when they recorded it, and the songs -- which
are littered with comic and poignant references to drugs, telephone bills,
interracial romance, landlords, contraceptive pills -- express a level
of political and moral confusion that's often missing from their later
work. They're the songs the smart/pensive narrators of some of Jayne Anne
Phillips's early short stories, and her novel "Machine Dreams,"
would have written if they could.
The songs on "Seductive Reasoning" run the gamut from stark
ballads ("West Virginia," about a suicide, is so quiet you can
hear the piano's pedals working) to fast and funny rave-ups such as "If
You Emptied Out All of Your Pockets You Could Not Make the Change,"
which was produced by Paul Simon and features both the Muscle Shoals Rhythm
Section and the Oak Ridge Boys.
Most of the songs strike someplace in the middle, however, with Maggie's
wryly subversive lyrics steering the duo clear of sentimental overload.
On the lovely ballad "Down the Dream," about a white woman who's
running away from her life to hitchhike with her black lover, the singer
reminds herself that "there are some things to fall back on, like
a knife, or a career." And in "Underneath the Moon," Maggie's
and Terre's voices combine for the following observation: "Good men
want a virgin, so don't give yourself too soon/ Except in an emergency,
like underneath the moon." "Seductive Reasoning" brims
with these kind of moments; its title, in fact, says it all."
(Dwight Garner)
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Ralph Towner: "Solstice" (ECM, 1975) |
Meine erste selbst gekaufte ECM-Platte. Wunderbarer kammermusikalischer
Jazz(?) des Gitarristen/Pianisten von Oregon,
zusammen mit dem deutschen Bassisten Eberhard Weber und den Norwegern
Jan Garbarek und Jon
Christensen an Saxofon bzw. Schlagzeug.
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When Ralph Towner burst onto the contemporary jazz scene in the mid-70s, listeners were well aware of his awesome talent as a member of Oregon. But when Solstice was issued on the ECM label, it took the brilliant guitarist's caché to a much higher level, especially as a composer. With the otherworldly curved soprano sax and flute playing of Jan Garbarek, the precise drumming of Jon Christensen, and unique bass sounds of Eberhard Weber, the music on this album lifted the ECM/Euro-styled jazz and improvised music to a new realm of pure expressionism. Simply put — this music is stunningly beautiful. The incredible "Oceanus" begins with Towner's cascading guitar, followed by the swelling and symphonic bass of Weber, a swinging drum line by Christensen with Garbarek's atmospheric and dramatic curved soprano layering contrasting timbres, symmetry, and unusual colors. "Nimbus" opens with some astounding technical harmonics from Towner, more so considering the acoustic nature of his instrument. A circular theme in implied 3/4 underneath 4/4 leads to overdubbed flutes from Garbarek, bowed bass, the curved soprano in 6/8 all identifying the pure ECM sound. "Piscean Dance" is a funky workout between Towner and Christensen, the earthiest track on the date, and an exercise of intuitive confluence. Other portions of the disc are space oriented like the loose, free and haunting "Red & Black," "Visitation" with multiple percussion sounds of flexatone and shakers under Weber's bowed bass and Garbarek's alien dragonfly flute, while Weber's "Sand" has the musicians staring at the Crab Nebula while firmly rooted in a strut later in the piece. Towner's wondrous piano is heard on "Drifting Petals," a pretty and pensive waltz with unison lines alongside Garbarek's flute, then Towner switches to guitar in a deeper discourse with the quartet. As cold as the Norwegian studio (Oslo) they were recording in, "Winter Solstice" is not so much profound as it is telepathic, as the players use stop-start techniques, again inserting a 3/4 rhythm into a 4/4 equation. Of the many excellent recordings he has offered, Solstice is Towner's crowning achievement as a leader fronting this definitive grouping of ECM stablemates who absolutely define the label's sound for the time frame, and for all time.
(by Michael G. Nastos , All Music Guide)
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McCoy Tyner: "Atlantis" (Fantasy/Milestone, 1975) |
... und noch ein starkes Livedoppelalbum des begnadeten Pianisten, vom
gleichen Kaliber wie "Enlightenment"
von 1973, diesmal an 2 Tagen August/September 1974 im "Keystone
Korner" von San Francisco mitgeschnitten, wo auch Jerry Garcia
und Merl Saunders ihr Livealbum
für Fantasy aufgenommen haben. Am Saxofon immer noch das Talent
Azar Lawrence, der danach aber unverständlicherweise nicht
selber zu einem Star wurde.
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This single CD reissues all of the music from a former two-Lp set. Pianist
McCoy Tyner's 1974 quintet consisted of the talented youngster Azar Lawrence
on tenor and soprano (who strangely enough never became more famous than
he was at the time), bassist Joony Booth, drummer Wilby Fletcher and percussionist
Guilherme Franco. As is accurately stated in the new liner notes by Neil
Tesser, Atlantis was the final recording from Tyner's last band to be
based on the music of his former boss John Coltrane. While Lawrence (who
was only 20 at the time) derived his style partly from aspects of Coltrane
and the rhythm section is fiery, McCoy Tyner creates some very powerful
and highly original solos, really tearing into some of the more extended
pieces. Recorded live at San Francisco's legendary Keystone Korner, this
set has four of Tyner's modal originals played by the full group, a rendition
of "My One And Only Love" performed by the leader, Lawrence
and Franco as a trio, and a solo piano version of "In A Sentimental
Mood." Essential music that still sounds fresh and adventurous.
(by Scott Yanow, AMG)
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