Nachdem es für Josienne Clarke & Ben Walker in den vergangenen Jahren immer nur aufwärts ging und sie mit ihren Alben mehr als nur einen Preis absahnten, führte »Overnight« 2016 zu einem Bruch in dieser Entwicklung.

Ausgerechnet der erste, dazu sehr anspruchsvoll gestaltete und reich instrumentierte Langspieler fürs neue Label Rough Trade blieb kommerziell hinter den Erwartungen zurück. Das gab dem britischen Folk-Duo zu denken. Unweigerlich stand die Frage im Raum, ob sie von Rough Trade überhaupt noch eine zweite Chance bekommen würden. Zum Glück erhielten sie diese, was für Clarke und Walker Grund genug war, jeden Stein einmal umzudrehen und sich komplett neu zu erfinden.

So entstand mit »Seedlings All« ein Album, mit dem sich die beiden aus ihrer reinen Brit-Folk-Nische raus- und ins Genre der alternativen Singer/Songwriter reinbewegt haben. Hinzu kommt, dass »Seedlings All« die ersten ganz eigenen und dabei sehr biographischen Songs des Gespanns beinhaltet. Unterm Strich zeigen die Aufnahmen Clarke und Walker – vielleicht gerade auch aufgrund der Umorientierung – auf dem Höhepunkt ihres Schaffens!

Feat. Special Guests: Chuck Prophet, Robyn Hitchcock, Pat Sansone (Wilco, The Autumn Defense), Pat McLaughlin, Mando Saenz, u.v.m.

Kim Richey ist seit Mitte der 90er Jahre fester Bestandteil von Nashvilles Musikszene und nahm bereits sieben Studioalben auf. Dabei arbeitete sie mit einer Vielzahl von Musiker-Größen, von Trisha Yearwood bis Jason Isbell, zusammen und wurde inzwischen für zwei Grammy Awards nominiert. Nach einer fast fünfjährigen Pause kehrt Richey im März 2018 mit ihrem achten Studioalbum Edgeland zurück.

Der Begriff Edgeland ist definiert als die verlorene Zone zwischen städtischen und ländlichen Umgebungen, ein Konzept, das Richeys ständige Fluktuation zwischen den starren Genredefinitionen von Country- und Americana-Musik nachahmt. Richey setzt dabei auf den eigenen intuitiven musikalischen Fortschritt um ihren Sound zu formen.

Die Aufnahmen zu diesem neuen Album entstanden in Zusammenarbeit mit Produzent Brad Jones in seinem Studio Alex the Great in Nashville. Für Edgeland brachte Richey einige von ihren talentiertesten Freunden zusammen, um bei den einzelnen Tracks immer wieder mit begleitendem Gesang und instrumentalen Beiträgen für angenehme Überraschungen zu sorgen. Das Ergebnis sind 12 Songs, die sowohl Richeys musikalische Anpassungsfähigkeit als auch Geschicklichkeit für kollaboratives Songwriting zeigen.

The Low Anthem strecken die Arme aus und locken den Hörer ins salzige Meer. Gegründet 2007 von den besten Freunden Ben Knox Miller und Jeff Prystowsky entwickelte sich The Low Anthem zu einem fast versehentlichen DIY Erfolg. Nachdem die Alben »What The Crow Brings« und »Oh My God, Charlie Darwin« in Eigenregie veröffentlicht und zusammen mehr als 100.000 Stück verkauft hatten, unterschrieb die Band einen Deal mit Nonesuch Records, betourte die Welt und bekam gegen ihre eigene Überzeugung den Stempel »Folk Revival« aufgedrückt.

Und dennoch: Nacht für Nacht das gleiche Material darzubieten, konnte nicht das Nonplusultra sein: »Der Moment verlor seinen Zauber. Wir hatten Angst, zu Robotern zu werden«, erklärte die Band die ersten sechs Jahre reflektierend. Im Winter 2012 kehrte The Low Anthem nach Providence zurück, um in ihrer Heimat ihr musikalisches Selbstverständnis von Grund auf zu hinterfragen. Die Band erweckte ein altes Theater aus der Vaudeville – Zeit zum Leben und baute sich ihr eigenes Studio. In diesem frisch restaurierten Theater-Studio fanden The Low Anthem eine neue Richtung.

Die Band wagte sich im Studio an Experimente und benutzte Dinge, die nicht klassischerweise als Instrument gelten, um neue Stücke aufzunehmen und sichtete später hunderte Stunden Material. Diese Übung der kompletten musikalischen Dekonstruktion – musikalische Ideen in ihre Fragmente zu zerlegen und wieder zusammenzufügen – mündete schließlich im Album »Eyeland«. Als komplexes, experimentelles Album, fand die Veröffentlichung von »Eyeland« nach nur vier Konzerten ein abruptes Ende, als die Band in einen schweren Autounfall verwickelt wurde und geschlossen ins Krankenhaus kam und gezwungen war die Tour abzusagen.

Im Anschluss an die Genesung konnten The Low Anthem ihre musikalischen Ideale destillieren und ihre wahre Stimme finden. Mit »The Salt Doll Went To Measure The Depth Of The Sea« präsentieren The Low Anthem zwölf kurze Songs, die zerbrechlich, voller Nuancen und zu 100% aufrichtig sind. Im Kontrast zu dem existenziellen Freakout auf »Eyeland« oder den vorherigen Folkalben, vermittelt »The Salt Doll...« ein Gefühl des feinfühligen Vorsatzes. Akustische Arrangements werden mit subtilen elektronischen Elementen angereichert zu Songs, die zugleich organisch und höchst konzeptionell sind.

Die vier Meister des modifizierten Folk und Multiinstrumentalisten beherrschen die Poesie des Weglassens. Ihr Gesang ist seidenweich und eingängig, ihre Melodien umschmeicheln das Ohr. Unter diesen Hooks blubbern und knacken verhaltene Electronics.

(stereoplay, Mai 2018)

Seine Aufrichtigkeit und Geradlinigkeit sind legendär - vielen gilt Tom Liwa als bester deutschsprachiger Singer/Songwriter. Nach »Ich liebe Menschen wie ihr«, dem 2012 veröffentlichten Quasi-Comeback-Album der Flowerpornoes, und »Umsonst & Draußen« von 2015, Liwas erstem Album für Grand Hotel van Cleef, ist viel passiert. Zunächst spielte der Duisburger Songpoet, der jetzt in der Nähe von Soest auf dem Land wohnt, jede Menge Konzerte.

Viele davon privat, sowohl mit den Flowerpornoes als auch solo. Zudem schrieb er ein - noch nicht veröffentlichtes - Buch, hatte seine erste Ausstellung mit Zeichnungen und wurde noch einmal Vater. Weiterhin nahm er mit seinem Jugendfreund Mike Krollmann unter dem Namen Sundown ein wunderschönes, zart psychedelisches Album in englischer Sprache auf. Und schließlich arbeitete er an »Ganz normalen Songs«.

Das heißt einer weiteren ausdrucksstarken Liedersammlung, die mit sensiblen akustischen Gitarrenklängen und brillanten Texten das gesamte Spektrum zwischen Melancholie und Zynismus ausleuchtet. Das warmherzige Album wurde von Tobias Levin (Tocotronic, Ja Panik) gemischt und gemastert. »Noch nie hat Musik von mir so fantastisch geklungen«, bedankte sich Liwa bei Levin. »Noch nie wurde eins meiner Alben mit soviel Liebe zum Detail fertiggestellt.«

»Nordub« ist das erste gemeinsame Album der Grammy-Preisträger und Reggae-Legenden Sly & Robbie mit dem norwegischen Jazz-Innovator Nils Petter Molvaer. Gemeinsam erschaffen sie eine einzigartige Klangwelt, die sich zwischen den farbenreichen Sounds des norwegischen Jazz und den energiegeladenen Grooves Jamaikas aufspannt. Zusammen mit Eivind Aarset (Gitarren) und Vladislav Delay (Elektronik) hat sich eine Band von seelenverwandten Musikern gefunden, die alle Genre-Grenzen sprengt.

Mit ihrem Projekt »Nordub« erregten sie bereits mit einer gemeinsamen Tournee in den Jahren 2015/16 weltweit Aufmerksamkeit. Nun erscheint das langersehnte Album mit dem musikalischen Ergebnis ihrer Zusammenarbeit. Sly (Sly Dunbar) & Robbie (Robbie Shakespeare) haben bereits Hits für Paul McCartney, Britney Spears oder No Doubt geschrieben und mit Künstlern wie Bob Dylan, Sting, Serge Gainsbourg oder Sean Paul zusammengearbeitet.

Für ihrem innovativen Stilmix aus Dancehall-, Soul-, Hip Hop- und Reggae-Elementen wurden sie bereits zwei Mal mit dem Grammy ausgezeichnet. In der Zusammenarbeit mit Jazz-Trompeter Nils Petter Molvaer erkunden sie neues Terrain.

Es scheint, als würde sich der Sound unentwegt ausdehnen, immer größere Räume umfassen und den Hörer in immer entlegenere Winkel der Galaxis mitnehmen.

(stereoplay, April 2018)

Molvær lässt sein Instrument zum kochenden Dub singen, die Elektro-Atmosphäre ist sensationell.

(Audio, April 2018)

Jeff Tweedys akustischer Karriererückblick

Mit »Together At Last« präsentiert Jeff Tweedy 2017 sein neues Soloalbum.

Es handelt sich dabei um eine Sammlung von insgesamt elf Solo-Akustik-Versionen von Songs seiner Bands Wilco, Loose Fur und Golden Smog.

Mit dabei sind Klassiker wie »Hummingbird«, »I’m Trying To Break Your Heart«, »Via Chicago« und viele mehr. Einen ersten Vorgeschmack auf die Platte gab es bereits mit dem Loose-Fur-Song »Laminated Cat«.

Aufgenommen hat Tweedy das Album in Eigenregie in seinen Loft Studios in Chicago. Die Produktion teile er sich mit Tom Schick.

»Together At Last« ist die erste Folge einer Solo-Akustik-Serie mit dem Namen »Loft Acoustic Sessions«.

So hat man diese Songs noch nie gehört: Jeff Tweedys »Together At Last« ist eine wunderschöne akustisch-reduzierte Hommage an seine eigenen Bands.

Es mag angesichts des Titels paradox anmuten, aber ›Together At Last‹ ist ein brillant auf den Punkt gebrachtes Solo-Best-Of von Wilco.

(stereoplay, Juli 2017)

Tweedy singt uns ganz nah ins Ohr – eindringlich, lässig und melancholisch. Eine Harp setzt klagende Klangtupfer. Ein überragendes Statement dafür, wie groß kleine Lieder klingen können. Aufgenommen in seinem Chicagoer Loft Studio ist dies der Auftakt der ›Loft Acoustic Sessions‹. Bitte mehr!

(Audio, Juli 2017)

Die magische Studioversion eines Solokonzerts des Wilco-Chefs.

(Rolling Stone, 5.Juli 2017)

Ende der Siebziger gehörte die Londoner Gruppe The Monochrome Set zur Speerspitze der sich neu formierenden Postpunk-Bands. Bis 1985 veröffentlichte die Formation mehrere Alben und Singles. Zu den größten Hits zählten die Songs »He's Frank«, »Alphaville«, »Eine Symphonie des Grauens« und insbesondere »Jacob's Ladder«. Ihre Alben »Strange Boutique« und »Love Zombies« (beide 1980) erreichten Kultstatus.

Die außergewöhnliche Mischung aus New Wave und 60s-Beat, trockenem Gesang und rhythmischen Gitarrenparts, Pop und Psychedelic, in die auch mal Northern-Soul-, Ska- oder Folk-Elemente einfließen durften, hatten einen prägenden Einfluss auf die englische Musikszene. Morrissey und Edwyn Collins gehörten zu den ersten großen Bewunderern.

In den folgenden Jahrzehnten zeigten sich The Divine Comedy, Graham Coxon und vor allem Franz Ferdinand von The Monochrome Set beeinflusst. Nicht umsonst läuteten Letztere mit ihrem gleichnamigen Debüt 2004 das Postpunk-Revival ein.

Aufgrund geringen kommerziellen Erfolgs löste sich die Formation in den Achtzigern auf, reformierte sich aber 1990 und ist seither mit Pausen bis heute aktiv. Gerade in den letzten Jahren erschienen wieder verstärkt neue Alben mit dem so typischen, zeitlosen Sound, zuletzt beim Label Tapete. Dort kommt nach »Spaces Everywhere« (2015) und »Cosmonaut« (2016) auch »Maisieworld« heraus.

Auch Album Nr. 15 erfreut mit popmusikalischer Extravaganz ... Aufregend.

(Audio, März 2018)

Dass diese Band Songs zu Klassikern befördern kann, das muss sie nicht mehr beweisen. Dafür hat sie zahlreiche Verneigungen von ihren Rock’n’Roll-Enkeln erhalten, von den Smiths, Belle & Sebastian, Blur und Franz Ferdinand.

(musikexpress)

Das gesamte Spektrum von Yo La Tengo

Yo La Tengo stehen 2018 mit ihrem neuen, mittlerweile 15. Album in den Startlöchern. »There’s A Riot Going On« heißt die erste neue Studioplatte seit »Fade« (2013). Der Titel ist eine Referenz zum gleichnamigen Album von Sly and the Family Stone aus dem Jahr 1971.

Gleich vier Songs veröffentlichten die Alternative-Ikonen bereits im Voraus: »You Are Here«, »Shades Of Blue«, »She May, She Might« und »Out Of The Pool«. Alle vier zeigen, dass Georgia Hubley (Gesang, Schlagzeug), Ira Kaplan (Gesang, Gitarre) und James McNew (Bass) auch nach mehr als 30 Jahren Bandgeschichte vor Kreativität nur so sprudeln: Alternative Rock, Indie, Folk, Psychedelic, Funk: auf »There’s A Riot Going On« offenbaren Yo La Tengo ihr gesamtes Spektrum. Mit sage und schreibe 15 neuen Tracks haben sie auch genug Möglichkeiten dafür.

Außerdem machen sie deutlich, dass sie ein perfekt eingespieltes Team sind. Kein Wunder, dass sie auch die Produktion von »There’s A Riot Going On« selbst in die Hand nahmen. Nur beim Mixing ließen sie sich von John McEntire unterstützen.

Das Resultat ist ein absolut abwechslungsreiches Album, das sich nur schwer in eine Schublade stecken lässt: »There’s A Riot Going On«.

Der reißerische Albumtitel trügt: hier geht es musikalisch sehr beschaulich zu. Milde plinkern die Gitarren, ungehetzt regiert der klassische Velvet Underground-Groove. Georgia Hubley, Ira Kaplan und James McNew haben im Proberaum ein wenig herumgejamt, mitgeschnitten und daraus ein Album gezaubert. Ohne Producer, der alte Weggefährte John McEntire hat anschließend nur noch den Mix gemacht. Hier werden die Dinge also betont einfach gehalten. Die immerhin 15 Songs geraten auch mal ambientös, ohne Vocals oder verspielt percussiv, es dominieren aber die typischen, ausgeruhten Soft-Psychedelia-Nummern mit gewollt laschem, süßlichem Gesang und hypnotisch plinkernden oder auch mal fuzzigen Gitarrenflächen. Manches wirkt improvisiert, bzw. wie Ausschnitte aus den längeren Jams, teils auch postrockig verdaddelt und leicht orientierungslos. Um dann aber wieder zu kleinen, runden und harmonischen Songs mit Sixties-Feeling zu finden, mit immer zurückgenommenem Gesang und sanft pluckernden (teils fast karibischen) Rhythmen. Dieser schlaffe Exotica-Vibe macht mich beim Hören ziemlich schläfrig, manches erinnert an die guten (aber wohl vergessenen) Pram oder Tortoise. Einmal erweist man dem Bossa-Pionier Walter Wanderley einen verorgelten Tribut, ein anderes Mal wird die Mitte zwischen frühen Pink Floyd und Stereolab gefunden. Oft passiert aber auch schlicht gar nichts. Fans werden die Musik als in sich ruhend und gelassen-schön finden, Skeptiker könnten dieses Album aber auch schlicht langweilig finden. Ich tendiere diesmal zu Zweiterem.

(Joe Whirlypop, www.gitterhouse.de)

Ungewohnt klavierbetont

Ein gebrochener Fingernagel war der Grund, warum Alela Diane beim Songwriting für ihr neues Album vor allem das Piano an Stelle der Gitarre wählte. Auf die hat sie aber natürlich nicht komplett verzichtet, und natürlich auch nicht auf ihre markante Stimme.

Mit »Cusp« zeigt sich die Singer-Songwriterin 2018 dennoch von einer neuen Seite, die ihr ausgezeichnet steht. Elf Songs hat Diane für die Platte im Flora Playback Studio in ihrer Heimat Portland aufgenommen. Unterstützung erhielt die 35-Jährige dabei von Produzent Peter M. Murray.

Zudem warten einige hochkarätige Musikerkollegen auf »Cusp«: Peter Broderick, Heather Woods Broderick (Sharon Van Etten, Efterklang), Daniel Hunt (Neko Case) und Ryan Francesconi (Joanna Newsom).

Einen ersten Vorboten schickte die Musikerin bereits im letzten Jahr mit »Émigré« ins Rennen.

Zusammen mit ihren Gästen ist Alela Diane ein wirklich besonderes, klavierbetontes Album gelungen: »Cusp«.

New Yorke

Jono McCleerys viertes Album ist eines voller Cover-Versionen. Aber der Brite hat es sich nicht einfach gemach. Die Songs stammen aus diversen Epochen der vergangenen 70 Jahre und den unterschiedlichsten Genres. Der Opener "Gabriel" gehört eigentlich in die Garage-House-Diskografie von Roy Davis Jr., "God bless the child", das auch das Artwork von "Seeds of a dandelion" beeinflusst haben dürfte, singt Billie Holiday im Original und "Halo" war 2008 kein kleiner Hit für Beyoncé, die Grand Dame des populären R'n'B. Warum das trotzdem als geschlossenes Ganzes funktioniert, ist leicht erklärt: McCleery und sein Produzent Tim Rowkins, der auch schon an "Pagodes" arbeitete, gehen an das emotionale Korsett des Stücke, schütteln zuerst den originären Klangkörper ab und addieren dann – je nach Gemengelage – Streicher, Percussions oder Bass und verlieren dabei nicht einmal die stilistische Vielfalt des Londoners aus den Augen.

Wer McCleery und seine herrlichen Alben "There is" und "Pagodes" kennt, weiß um die Interpretationsfreudigkeit des Mannes mit den rötlichen Haaren, hat bereits Blacks "Wonderful life" und Robert Wyatts "Age of self" wohltuend neu vernommen. Nicht zu vergessen sind jene Cover, die er bei seinen Auftritten einstreut. Die Fallhöhe mag insofern für ihn etwas niedriger ausfallen, weil es dann doch kein so unbekanntes Terrain ist. Zum Start kitzelt er den Soul aus oben erwähntem House-Track "Gabriel", ehe Paul Wellers "Brand new start" folgt. Ein unkaputtbarer Song des Modfathers. Das schafft McCleery natürlich ebenso wenig. Er konserviert die Traurigkeit, entstöpselt die Gitarren und fügt Violinen hinzu. Fraglos schön, bietet aber auch wenig neue Akzente. Den Kürzeren zieht McCleery im direkten Vergleich aber nur bei Scott Walkers "Old man's back again".

Bei "Halo", das definitiv keinen Beat benötigt und vor allen Dingen "Know who you are at every age" schaut das hingegen anders aus. Schließlich singt das Original Elizabeth Fraser, Stimme der Cocteau Twins. Bei McCleery verschwindet der schlierenziehende Dream-Pop und mit ihm eine Minute Laufzeit. Und beides fängt der Brite sehr gekonnt an seiner Akustikklampfe auf. Noch strenger im Einkürzen ging er bei Sébastien Telliers "La ritournelle" vor. Er kann zwar nicht mit Tony Allen an den Drums aufwarten, den braucht er für seinen fünf Minuten kürzeren Harfen-Traumfänger allerdings auch nicht. Ohne Frage zu den Highlights zählt "Ingenue", dessen Zeilenpart "Seeds of a dandelion" auch Namenspatron für diesen vierten Langspieler ist.

McCleery wechselt hier auch in die Kopfstimme, aber eben nur sporadisch, variiert mehr als Thom Yorke in seinem beständigen Höhen-Wimmern. "Ingenue" ist eines der Stücke, bei denen sich der Brite zusätzlich Basslicks, Percussion und einen Orgel-Teppich gönnt. Unter dem Strich sind Atoms For Peace somit immer greifbar, aber McCleerys Interpretation ist klasse, hat sogar mehr emotionale Tiefe. Auch Jeff Buckleys "Morning theft" zelebriert er ehrfürchtig und mehr als würdig, rüttelt nicht am klassischen Element Rufus Wainwrights in "Dinner at eight" und Tim Buckleys "Dream letter" spendiert er ein sensationelles Outro, was seine Version – aus Rezensentensicht – sogar über das Original hebt. Muss Jono McCleery covern? Nein. Kann er es? Ja.

(Stephan Müller, www.plattentest.de)

Pete Astor, ehemaliger Frontmann bei The Loft und The Weather Prophets, gewissermaßen den »Lieblingsbands« des Labels Creation, vereint in seinem Werk all die großen und kleinen Strömungen, die im Lauf der Jahre seine Wege gekreuzt haben. Dadurch wurde er zu einem unerschöpflichen Quell für zeitlosen Gitarrenpop. Dieser dient ihm als Rahmen für sarkastische Gedichte und eingängige Melodien. Auf diese Weise macht er Musik für die Gegenwart, die deutlich hörbar in der Vergangenheit wurzelt und zugleich in die Zukunft blickt.

Nach den euphorischen Reaktionen auf die Veröffentlichung von »Spilt Milk« zum Jahresbeginn 2016 entwickelte Astor den musikalischen Geist dieses Albums auf »One For The Ghost« straight weiter. Als zentrale Stütze wirkte erneut James Hoare (Ultimate Painting, Proper Ornaments, Veronica Falls) an der Gitarre mit. Für den Rhythmus sorgten dieses Mal Franic Rozycki am Bass und Jonny Helm am Schlagzeug (beide: The Wave Pictures).

Pam Berry von Withered Hand und Black Tambourine bereicherten die Aufnahmen mit ihrem Gesang. Wie Astor bemerkte, war Zeit der wichtigste Geburtshelfer bei der Entstehung des Werks: »Eines Abends, bei einem Glas meines Lieblingsrotweins, habe ich im Andenken an vergangene Zeiten und Menschen ein zweites Glas genommen. Daraus hat sich eine Tradition entwickelt, und aus der Tradition ein Song und schließlich ein Albumtitel: ›One For The Ghost‹.«

Ein großartiges, reflexives Pop-Album.

(Audio, März 2018)

Traumhafter Pop von Jonathan Wilson

Jonathan Wilson ist zurück. Der US-amerikanische Multiinstrumentalist, Sänger und Produzent veröffentlicht 2018 sein neues Soloalbum »Rare Birds«, den Nachfolger von »Fanfare« aus dem Jahr 2013.

Insgesamt 13 neue Songs hat Wilson dafür aufgenommen und selbst in seinen Fivestarstudios in Los Angeles produziert. Unterstützung bekam er im Studio von ein paar prominenten Kollegen: Father John Misty, Lucius, Lana Del Rey und New-Age-Musiklegende Laraaji sind auf dem Album mit von der Partie.

Einen ersten Vorgeschmack auf »Rare Birds« gab es bereits im Dezember 2017 mit der epischen und romantischen Single »Over The Midnight«.

Und die zeigt: Jonathan Wilson ist so experimentierfreudig wie eh und je. Von Folk und Psychedelic geht es 2018 weiter in Richtung Dream-Pop. Eine Entwicklung, die ihm ausgezeichnet steht.

Neue Besetzung, neues Album, gelungene Mischung

Vor fast 50 Jahren gründete Ian Matthews seine Matthews’ Southern Comfort. Nach gerade einmal zwei Jahren und drei Alben verließ er die Band allerdings wieder und war von nun an auf Solopfaden unterwegs.

2018 kehrt er jetzt zu seinen Anfängen zurück, mit einer neu besetzten Band und einem neuen Album: Hier ist »Like A Radio« von Matthews’ Southern Comfort.

Das verjüngte Line-up der Band besteht aus den drei Niederländern Bart Jan Baartmans, Bart de Win und Eric De Vries.

Gemeinsam haben sie 15 Stücke für »Like A Radio« eingespielt, darunter zwölf neue Kompositionen und die drei neu eingespielte MSC-Klassiker »Something In The Way She Moves«, »Darcy Farrow« und »To Love«.

Das Ergebnis ist ein Album, das zweifellos an das Original aus den frühen 1970ern erinnert, trotzdem frisch und modern klingt. Eine absolut gelungene Mischung: Matthews’ Southern Comforts »Like A Radio«.

Mit ihnen (auch als überzeugende Harmoniesänger) hat er zwölf neue Songs (plus drei Bonustracks) eingespielt, bei denen allein schon die Texte uneingeschränkte Aufmerksamkeit einfordern. Genauer: deren politische Statements, seine Beobachtungen und Anmerkungen zum Sozialverhalten seiner Mitmenschen. Musikalisch sind die meist im Midtempo vorgetragenen Nummern zwischen Folk- Rock und Americana angesiedelt, mit dem wunderschönen, für seine Tochter geschriebenen ›Crystals On The Glass‹ als Höhepunkt.

(Good Times, Februar / März 2018)

Aller guten Dinge sind drei

Gleich drei neue EPs veröffentlichen Belle & Sebastian im vergangenen Dezember sowie Januar und Februar 2018.

Die ganze Sammlung gibt es jetzt unter dem Titel »How To Solve Our Human Problems« auf CD bzw. LP. Zuletzt war 2015 ihr Album »Girls In Peacetime Want To Dance« erschienen.

Einen ersten Vorgeschmack auf ihr neues Material gab die schottische Indireockband bereits im Oktober mit dem Song »I’ll Be Your Pilot«, der sich auf der zweiten EP befindet.

Insgesamt warten auf »How To Solve Our Human Problems« 15 neue Tracks, die die Band zusammen mit Produzent Brian McNeill in den Rocket Science Studios in Glasgow aufgenommen hatte. Sie waren zu jeweils fünf Songs auf die drei EPs aufgeteilt und können sowohl eigenständig als auch als Album verstanden werden.

Nicht eine, nicht zwei, sondern gleich drei EPs von Belle & Sebastian, und zwar auf einem Longplayer: Hier ist »How To Solve Our Human Problems«.

Ein bisschen Frieden für unruhige Zeiten.

Die Lösung der menschlichen Probleme, also: ein ziemlich umfassendes Brett, das Belle And Sebastian da anbohren. Erstens: Welche sind das denn eigentlich genau? Zweitens: Ist natürlich irgendwie augenzwinkernd gemeint. Drittens: Dann doch wieder nicht so ganz. Zwar klingen die Schotten seit ehedem zwar cosy, einnehmend und niedlich wie ein geblümtes Tischtuch. Ihre Songs aber hatten immer auch die Schicksale der Misfits, der Nerds, all jener zum Gegenstand, die nicht so ganz reinpassen. Am Trostfaktor dieser Songs hat sich bis heute wenig geändert.

Der Titel aber geht tatsächlich nicht auf B&S-Kopf Stuart Murdoch zurück, sondern auf einen buddhistischen Text mit dem Titel "How To Solve Our Human Problems: The Four Noble Truths" von Geshe Kelsang Gyatso. Dessen Credo lautet: "Offering Peace In Troubled Times".

Dieses Motto nutzen Belle And Sebastian als thematische Klammer. Frieden ist immer gut, aufwühlende Zeiten sind es auch, lassen wir uns also ein wenig im Rhythmus wiegen. Das behutsame Dance-Update "We Were Beautiful" kreiselt in der Strophe um eine wehmütige Steel-Pedal-Guitar, um sich im Refrain trotzig und selbstbewusst nach oben zu winden.

Im Anschluss folgt mit "Fickle Season" wieder einer dieser federleicht verhuschten Songs, zu dem sich prima der Picknickkorb packen lässt, gefolgt von "The Girl Doesn't Get It", das dann wieder so uplifting anmutet wie das Intro zu einer Kinderquiz-Sendung.

22 Jahre haben die Gründerväter und -frauen des Twee Pop mittlerweile auf der Uhr, und an der Formel ihres Songwritings hat sich nicht so viel geändert. Dennoch bleiben die Jahresringe unüberhörbar. Waren Klassiker wie "The Boy With The Arab Strap", das Dixieland-dicke "I Love My Car" oder das herrlich zynische "Dress Up In You" hochmelodiöser Pop-Nektar, glänzten sie doch immer auch mit der nervösen Energie eines aus dem Ruder gelaufenen Kirchentags, schlugen eine Brücke zwischen schüchternem Augenaufschlag und trotzigem Coming Out.

Auf Strecke wird es diesmal eher etwas kontemplativer und besinnlicher. Am ehesten findet sich der ursprüngliche Gencode noch in "Show Me The Sun". Dessen Intro klingt, als singe ein Cider-seliger Tross beim Pubquiz das Intro von "Self Esteem" nach. Sonst aber hat hier vieles einen überaus entspannten Ruhepuls.

"Too Many Tears" hätte sicher auch Karen Carpenter gefallen, und die Oboe in "I'll Be Your Pilot" ist wirklich herzallerliebst. Wem B&S immer schon etwas zu niedlich vorkamen, den zieht das hier nicht unbedingt hinüber auf die andere Seite. Für alle anderen bietet die Band eine verlässliche Schulter zum Anlehnen, ein bisschen Frieden in unruhigen Zeiten.

(Ingo Scheel, www.laut.de)

Der Saxophonist und Klarinettist John Surman wird oft als durch und durch englischer Improvisator und Komponist charakterisiert: Anklänge an Volksmusik und eine geradezu idyllische Atmosphäre haben sich zu Charakteristiken seiner Musik entwickelt – die sich in Alben wie The Road to Saint Ives oder Saltash Bells eindrücklich bemerkbar machten.

Doch auch mit Musikern aus anderen Ländern und Kulturkreisen arbeitet Surman seit langem zusammen, Musiker, die durch ihr Gefühl für Klänge jenseits aller Idiome innig verbunden sind. Während einer Tournee durch Südamerika traf Surman zunächst auf den Pianisten Nelson Ayres, der den Liebhabern von brasilianischem Jazz vor allem durch seine Zusammenarbeit mit Airto Moreira, Milton Nascimento und Banda Pau Brasil bekannt sein dürfte.

In Oslo lernte der Brite den aus den USA eingewanderten Vibraphonisten Rob Waring kennen und schätzen (bei ECM unlängst gemeinsam mit Mats Eilertsen vertreten). Im Juli 2017 fanden sich die drei Musiker schließlich im Osloer Rainbow Studio ein, um Werke von John Surman – inklusive Ayres' »Summer Song« – neu einzuspielen. Produziert wurde das Album von Manfred Eicher.

›Invisible Threads‹ ist für Zuhörer das perfekte Album, um runter zu kommen, um das hektische Alltagsleben mal für eine Stunde auszublenden.

(Jazzthing, Februar / März 2018)

In den letzten beiden Jahren war Nils Frahm damit beschäftigt, ein brandneues Studio in Berlin zu bauen, um dort sein siebtes Studioalbum »All Melody« aufzunehmen, das bei Erased Tapes erscheinen wird. Danach wird er seine erste Welttournee seit 2015 antreten.

Seitdem Nils das erste Mal das beeindruckende Tonstudio eines Familienfreundes erleben durfte, war es sein größter Wunsch, eines Tages auch so einen Ort zu erschaffen. Ein Sprung in die Gegenwart und Nils ist inzwischen stolzer Gastgeber des Saals im historischen Berliner Funkhaus aus den Fünfzigern. Einen Großteil der letzten Jahre hat er hier, direkt am Spreeufer, damit verbracht, den gesamten Raum auseinanderzunehmen und wieder aufzubauen: sämtliche Kabel, Leitungen, Vertäflungen zuerst, dann folgten die feineren Einbauten — u.a. eine Orgel und ein komplettes Mischpult, die er beide in Eigenregie mit Hilfe von Freunden konstruierte. So entstand ein Ort, an dem Musik wachsen kann, wo Ideen kultiviert werden können — wo sie einfach Platz haben. Und wo er seine Musik so präsentieren kann, dass es seinen eigenen Vorstellungen so nah wie möglich kommt.

Zu seinen Vorgängeralben gab’s oftmals eine Geschichte: Bei »Felt« (2011) zum Beispiel waren jene Filzbeläge titelgebend, die er damals auf den Hammerköpfen seines Klaviers anbrachte, um die Nachbarn bei nächtlichen Aufnahme-Sessions in seinem alten Heimstudio nicht zu belästigen. Beim Nachfolger »Screws« (2012) war es die Verletzung am Daumen, die ihn dazu zwang, mit nur neun Fingern zu spielen. Sein kommendes Album hingegen entstand aus den immensen Freiräumen und Möglichkeiten, die das neue Kreativreich an der Spree ihm bot, weshalb Nils nun keinerlei Einschränkungen mehr hatte: so dreht sich hier alles um die Melodien selbst — »All Melody«.

Obwohl es mit den majestätischen Wänden des Funkhauses doch konkrete Außenlinien gab, das Album tief vergraben in den Hallkammern wie auch in einem trockenen alten Brunnen auf Mallorca entstand, ist »All Melody« letztlich der Beweis dafür, dass Musik eben keine Grenzen kennt. Dass sie zeitlos ist. Und dass Nils einen sehr langen Weg zurückgelegt hat — vom bloßen Traum eines Jungen bis an den Punkt, an dem er die Parameter der Musik im eigenen Studio komplett selbst steuern kann.

In eigenen Worten von Nils, Oktober 2017:

»Im Prozess der Fertigstellung bringt jedes Album wohl nicht nur ans Licht, was es ist, sondern vielleicht noch wichtiger: was es nicht geworden ist. In meiner Vorstellung war ›All Melody‹ so vieles im Laufe der Zeit, und es war auch tatsächlich vieles – aber nie genau das, was ich ursprünglich geplant hatte. Ich wollte zum Beispiel wunderschöne Trommeln hören: Trommeln, wie ich sie nie zuvor gesehen oder gehört habe, begleitet von menschlichen Stimmen, dem Gesang von Mädchen und Jungen. Sie sollten ein Lied singen, das klar von dieser Welt stammt, aber doch so klingt, als ob er aus einer ganz anderen Sphäre stammen würde. Ich hörte einen Synthesizer, der wie ein Harmonium klingt, auf dem die ›All Melody‹ gespielt wird – was mit einer Harmonium-Melodie verschmelzen würde, die wie ein Synthesizer klang. Meine Orgel würde sich in eine Drum-Machine verwandeln, während meine Drum-Machine wie ein Orchester aus Flötenklängen klingen würde. Ich wollte mein Klavier in meine eigene Stimme verwandeln, und jede Stimme in vibrierende Saiten. Die Musik, die ich in meinem Inneren höre, wird wohl nie auf einem Album landen – denn ich kann sie scheinbar nur für mich selbst spielen. Dieses Album vereint diejenigen Aufnahmen, die meines Erachtens nach hervorstechen, und es beschreibt meine jüngsten musikalischen Entdeckungen auf die für mich denkbar beste Art.«

Das Cover von »All Melody« hat die Fotografin Lia Darjes in Nils’ neuem Studio geschossen, woraufhin Torsten Posselt von Feld das Design beisteuerte. Eine ganze Serie solcher Studiofotos ist im Booklet des physischen Tonträgers zu sehen.

Die große Stärke dieser CD ist neben ihrer betörenden Melodik das logische Ineinanderfließen des Gegensätzlichen.

(stereoplay, Februar 2018)

All Melody is the first album German composer/musician Nils Frahm recorded in a studio he spent two years building, located in the historical Funkhaus complex in Berlin. In the liner notes, he goes into extensive detail about the studio's acoustics, and how the recording process took several turns, resulting in something that often diverged drastically from his original intentions. He mentions that he wanted to turn sounds into other sounds, and hear things he'd never heard before. To achieve this, he deviated from his previous self-imposed rule of not including guest musicians on his solo albums, and worked with an extensive cast of collaborators, including cellist Anne Müller, percussionist Sven Kacirek (who plays bass marimba on the album), trumpeter Richard Koch, and London-based choral ensemble Shards. The result is some of the richest and most ambitious work he's created to date. However, he manages to maintain a simplicity and intimacy, and above all, a sense of spaciousness. Frahm explains that all of the album's sounds were played using physical instruments, as opposed to being digitally generated and edited, and that everything was mixed and mastered at a lower volume in order to preserve the original dynamics and keep the music from being compressed. It's closer in spirit to Frahm's acclaimed 2013 live album Spaces than any of his other recordings, and both the complex, arpeggio-heavy title track and the similar "#2" recall that album's breathtaking standout "Says." "Kaleidoscope" also ventures in this direction, adding a colorful, rapid pipe organ pattern and graceful choral vocals. All Melody seems like a curious title for an album which often seems soft and sparse; the keys clacking during "My Friend the Forest" are almost as loud as the notes themselves, and the whole piece is set against a backdrop of silence. Kacirek and Müller are credited, but it's difficult to discern their contributions to the piece. The title All Melody seems to refer to the singularity of the sounds combining together. It also suggests that while empty space is often a major element to the album, what is present is entirely melodic, and purely based in emotions.

(by Paul Simpson, All Music Guide)