After coming back with 2015's Silver Bullets, an album that reasserted the genius of Martin Phillipps but sounded a little tentative at times, the Chills' second album of the 2010s is a brilliant pop hit that's bold, bright, and confident. Snow Bound is a big pop statement, overflowing with singalong choruses, ringing guitars, rich arrangements, and Phillipps' typically trenchant observations. It's reminiscent of the Go-Betweens' 16 Lovers Lane, Prefab Sprout's Steve McQueen, or the Chills' own Submarine Bells; albums that have ambition and reach but don't sacrifice an ounce of humanity in the process. Unlike those records, which were often tied to some questionable production techniques, Phillipps, his band (the same sympathetic lineup from Silver Bullets), and producer Greg Haver work together to make the album sound modern and spotlessly clean on the surface. They also give it a warmth that keeps it from sounding clinical. Phillipps' songs are witty and super hooky as usual; each one sounds like it could be extracted and called a single. Some of them are as good as any the band have released. Maybe not as timeless as "Heavenly Pop Hit," but the title track, the incessantly catchy "Bad Sugar," and the swinging indie rocker "Scarred" come close. There are political statements ("In Harmony"), introspective moments ("Complex"), and bittersweet love songs (Time to Atone"), all wrapped in sonic finery like sweeping Hammond organ, bubbling synths, piping oboe, and stately piano. The arrangements are full to bursting with sound, but it's never too much. The big hooks and weighty statements Phillipps put to paper needed impressive backing and that's exactly what they got. It may be a long way from the wooly, home-cooked sound of the early Chills, but times have changed, as has Phillipps, and this record is just about the best possible scenario for a Chills record in the late 2010s. The songs are definitely there, Phillipps' wonderfully light vocals are as strong as ever, and the sound is a perfect example of how to make a record that sounds as big as a stadium while still being driven by real emotion.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Es ist das dreizehnte Album des Sängers und Multiinstrumentalisten und seine Rückkehr zum »AOR«.

Es sind nur acht Stücke, diskrete vierzig Minuten und somit perfekt für zwei LP-Seiten, aber jeder einzelne Song des Albums ist ein Klang-Universum. Das Klangspektrum reicht von Soul über Fusion bis Funk und Soft Rock, leidenschaftlich eingespielt und produziert im Estudio Marini, Studio A Casa und Ed Mottas eigenem Dwitza, allesamt in Rio de Janeiro.

Die anderen Musiker auf dem Album geben den ausnahmslos von Ed Motta komponierten, getexteten, arrangierten und produzierten Stücken mit ihren Soli und auch im eng verzahnten Ensemble-Spiel genau die sinnliche Qualität, die er selbst als Zuhörer schätzt.

»Großartige Platte – ein würdiger Nachfolger zu ›Perpetual Gateways‹ (2016).«

(Audio, Oktober 2018)

Erstklassig

Richard Thompson ist zurück. Die Folk-Rock-Legende präsentiert 2018 sein neues, mittlerweile 19. Studioalbum »13 Rivers«. Drei Jahre mussten Fans auf den Nachfolger von »Still« und damit auf neues Material des Londoner Gitarristen, Sängers und Komponisten warten.

13 neue Songs hat Thompson dafür in Los Angeles aufgenommen, und zwar analog mit nur wenigen Overdubs. Unterstützt wurde er dabei von seinen langjährigen musikalischen Partnern Michael Jerome (Schlagzeug) und Taras Prodaniuk (Bass) sowie seinem Gitarrentechniker Bobby Eichorn, der die zweite Gitarre spielte.

Die Produktion von »13 Rivers« übernahm Richard Thompson selbst.

Wie genau sein neues Album klingt, verriet der Musiker und Sänger bereits vorab mit den Auskopplungen »Bones Of Gilead« und »The Storm Won’t Come«.

Richard Thompson ist nach wie vor ein erstklassiger Songwriter und einer der besten Gitarristen aller Zeiten ...

»... ein griffiges Folkrock-Werk.«

(Audio, Oktober 2018)

Das neue, sechste und vielleicht letzte Album

Bereits im letzten Jahr kündigte Jason Pierce ein neues Album von Spiritualized an, leider aber auch, dass es möglicherweise das letzte Werk der britischen Rockband sein könnte.

2018 ist es nun endlich da: »And Nothing Hurt« heißt die insgesamt neun Songs starke Platte, die wieder einmal mit einer perfekten Mischung aus Spacerock, Shoegazing und Psychedelic Rock überzeugt.

Das Album ist der lang erwartete Nachfolger von »Sweet Heart Sweet Light« aus dem Jahr 2012. Es wurde fast vollständig im Alleingang von Jason Pierce in seinem Heimstudio in East London aufgenommen.

Wie genau Spiritualized klingen, verrieten sie bereits vor Album-VÖ mit den beiden Singles »I’m Your Man« und »A Perfect Miracle«.

Ob es nun das letzte Album ist oder nicht: »And Nothing Hurt« ist ein neuer Meilenstein in der Diskografie von Spiritualized.

Die Folklegende covert sich selbst: Paul Simon mit »In The Blue Light« und spannenden Gästen

Paul Simon veröffentlicht 2018 unter dem Titel »In The Blue Light« sein 14. Studioalbum. Der legendäre Songwriter produzierte den Longplayer gemeinsam mit Roy Halee, mit dem er schon seit den 1960ern zusammenarbeitet.

Die Gastmusiker, die auf den Tracks zu hören sind, gehören zur Crème de la Crème der Szene. Mit ihrer Unterstützung packt der Künstler zehn seiner Lieblingssongs in ein neues Soundgewand und überrascht den Hörer mit spannenden Neuinterpretationen der Titel.

Paul Simon wählte für »In The Blue Light« Tracks aus, die ursprünglich auf folgenden Alben veröffentlicht wurden: »There Goes Rhymin' Simon« (1973), »Still Crazy After All These Years« (1975), »One-Trick Pony« (1980), »Hearts and Bones« (1983), »The Rhythm of The Saints« (1990), »You're The One« (2000) und »So Beautiful Or So What« (2011).

Zu den Gastmusikern, die sich auf »In The Blue Light« die Ehre geben, zählen u. a. die Jazz-Superstars Wynton Marsalis (Trompete), Bill Frisell (Gitarre) sowie Jack DeJohnette und Steve Gadd (beide Schlagzeug). Die Songs »Can't Run But« und »Rene and Georgette Magritte with Their Dog After the War« wurden mit den sechs Mitgliedern des New Yorker Kammermusikensembles yMusic eingespielt, das Paul Simon aktuell auch auf seiner »Farewell-Tour« begleitet.

In den Linernotes des Albums erklärt Paul Simon: »Es ist nicht alltäglich, dass man als Künstler die Gelegenheit bekommt, sein Frühwerk zu überarbeiten, neu zu überdenken und sogar komplette Parts der Original-Songs zu verändern.«

»Ich nutzte diese Gelegenheit, die es mir noch dazu ermöglichte, mit außergewöhnlichen Musikern zu spielen, die bisher an keiner meiner Aufnahmen mitgewirkt haben. Ich hoffe, dass ich den Songs neuen Schwung verleihen konnte, so wie man einem alten Wohnhaus einen neuen Anstrich verpasst.«

Wenn Vater und Sohn zusammen ein Album machen, ist die Wahrscheinlichkeit hoch, dass es ein sehr persönliches wird. So geschehen bei Neil & Liam Finn, deren gemeinsames Werk »Lightsleeper« via Inertia/[PIAS] erscheint. Neil Finn wurde in den 80ern mit seiner Band Crowded House bekannt und tourt noch dieses Jahr als neuestes Mitglied von Fleetwood Mac.

Zusammen auf der Bühne standen die beiden schon öfter, doch »Lightsleeper« ist die erste gemeinsame Studioproduktion der Neuseeländer. Und um die familiäre Atmosphäre und Intimität der Songs mit Liams LoFi-Melodien und Neils Pop-Sensibilität noch zu unterstreichen, spielt Sharon Finn – Neils Frau bzw. Liams Mutter – Bass auf zwei der Songs und Elroy Finn – Liams Bruder – Schlagzeug bei gleich sieben Nummern.

Brandneues Studioalbum der britischen Folkotronica Pioniere Tunng. Ihr neues Meisterwerk »Songs You Make At Night« wurde in der Originalbesetzung mit den beiden Masterminds Sam Genders und Mike Lindsay aufgenommen.

Einige musikalische Partnerschaften sind so stark, intuitiv und natürlich, dass sie aufgrund des natürlichen Magnetismus in der Beziehung fast nicht zu trennen sind. Eine dieser eng gestrickten Songwriter-Familien sind Tunng, und ihr neues Album »Songs You Make At Night« vereint die Gründungsmitglieder Sam Genders und Mike Lindsay (frisch von seinem LUMP-Seitenprojekt mit Laura Marling) und den Rest der Tunng-Gang zum ersten Mal seit 2007's Good Arrows. »Wir wollten wirklich eine Tunng-Platte machen, die auf die ursprüngliche Besetzung zurückgeht«, sagt Lindsay. »es gab eine echte Magie in den ersten Aufnahmen, die wir alle für dieses neue Album wieder einfangen wollten.«

Seit der Gründung im Jahr 2003 und im Laufe von fünf Alben sind Tunng eine Gruppe geworden, die die Grenzen zwischen akustischer und elektronischer Musik erforscht hat und zum Synonym für das Folktronica-Genre geworden ist, bevor sie in ein Gebiet vordrang, das es geschafft hat, um sich diesem Label zu entziehen und es immer wieder neu zu definieren. »Songs You Make At Night« findet eine Gruppe von Musikern, die sich wieder mit einem früheren kollektiven Zustand verbinden, um etwas Neues und Zukunftsweisendes hervorzubringen.

»Wir sind alle so verschieden, aber jeder bringt etwas Wesentliches mit, etwas wichtiges, spezifisches für die Band Tunng. Sei es im Studio, auf der Bühne, im Van oder in der Kneipe. Ich denke, dass die neuen Songs, die Mike und Sam zusammen gemacht haben, das Beste in uns allen hervorgebracht haben«, bestätigt Sängerin Becky Jacobs.

»Ich war verrückt nach Musik« - so erinnert sich Joe Camilleri an die Zeit, als er anfing, in Bands zu spielen. »Ich war an nichts anderem interessiert. Ich habe Musik gelebt, geatmet und gegessen.«

49 Alben später – Citizen John ist sein 21. mit den Black Sorrows und das allererste für Blue Rose Records - und Camilleris Leidenschaft ist, falls möglich, größer als je zuvor.

Mit seinem langjährigen Songwriting-Partner Nick Smith arbeitet er fast täglich an neuen Songs. Auf die Frage nach seinem Lieblingssong in seinem großen Katalog antwortet er augenzwinkernd: »Der nächste.« Immer schon ein produktiver Songschreiber, landeten für Citizen John 13 Songs auf dem Album, die alle Genres abdecken, die Joe als Schreiber und Musikliebhaber über die Jahre inspiriert haben.

Das Album ist wie eine Feier und Reise durch die lebendigsten Musikstile des 20. Jahrhunderts und trägt zugleich eindeutig die Handschrift von Joe Camilleri. »Ich habe mein Netz schon immer weit ausgeworfen«, sagt er. Warum auch nicht? Schließlich bleibt es dadurch spannend - für den Künstler wie für sein Publikum.

»Und das ist eine vielseitige, klasse Rockband!« Gemeinsam liefern sie eine fantastische Mischung ab, die Gospel, Zydeco, Reggae, Texas Swing, Old-School R&B und Soul auf einem großen, selbstbewussten, stets beseelten Album zusammenbringt.

Auch wenn Bruce Robison diese saitenstrotzende Songkollektion als Produzent in final-feine Form gegossen hat, so findet der Kelly-Kenner hier nach mehr als zehn Jahren des Wartens und Weinens endlich, endlich wieder ein echtes Willis-Soloalbum vor, ein in allen besten Bedeutungen des Wortes altmodisches Album, das die ganze Vielfalt und vokale Wunderkraft dieser einzigartigen Country-Stimme bündelt und perfekt präsentiert. Eröffnet mit einem mitreißenden Soul-Seitensprung führt das 10-Song-Werk, gekonnt gemischt aus Kelly-Originalen und wenigen, wohlgewählten Fremdwerken, durch die faszinierend facettenreiche Vielfalt des klassischen Country der seligen Tage, als Nashville noch nicht der finanziellen Verlockung der penetranten Power-Balladen verfallen war (O-Ton Willis: „Roots-Rockabilly-Country-Blues, to narrow it down for you. Kind of Nick Lowe meets Skeeter Davis meets Crystal Gayle“.). Begleitet von mal gleißend elektrischem, mal traditionstreu akustischem Instrumentarium führt uns die zeitlos berührende Stimme durch die wurzelweisen Weiten des klassischen Country-Terrains, glänzt in Swing, Waltz, Honky Tonk und Rockabilly gleichermaßen, und krönt des Country-Connaisseurs Genuss mit tränenziehenden Balladen-Prachtstücken, die kaum jemand derart delikat beherrscht wie Kelly. Trotz dieser angeborenen Balladen-Gabe weiß sie auch in heftigen und deftigen Gangarten eine betörende Figur zu machen, und ihre Stimme weiß auch neben Stones-nahen Riffs, im CCR-Swamp oder in Roots Rock a la John Hiatt zu leuchten. Mit solchen Songs, mit einer so unverwechselbaren Stimme spielt die Country-Göttin längst in einer Klasse mit Emmylou, Linda und Dolly (wie traumhaft wäre ein Quartett gewesen …), leider aber weilt diese Solo-Sternstunde nur 32 Minuten. Aber wozu gibt es eine Repeat-Taste …

(cpa, Glitterhouse)