Das eigene Universum

»Sweep It Into Space« – der Name des neuen Albums von Dinosaur Jr. passt perfekt. Auf ihrem mittlerweile 13. Longplayer nimmt uns das Trio wieder mal mit in ihr ganz eigenes Indie-Rock-Universum.

Dort treffen wir neben J Masics, Lou Barlow und Murph erstmals auch Kurt Vile, der die Platte mitproduzierte. Für die Aufnahme ging es wie gewohnt in Amherst’s Biquiteen.

Eigentlich sollte »Sweep It Into Space« bereits im letzten Jahr erscheinen, aber wie vielen Musikern machte die Corona-Pandemie auch Dinosaur Jr. einen Strich durch die Rechnung.

Jetzt ist es aber endlich so weit. Wie »Sweep It Into Space« klingt, verrieten sie unter anderem bereits mit der Single »I Ran Away«.

Und die zeigt: Dinosaur Jr. setzen 2021 weniger auf Überraschungen als auf Signature-Sound. Genau so soll es sein. Hier ist »Sweep It Into Space«.

Der Traum der Ente

„Also pass auf: Ich war ein Mensch, der im Schlaf geträumt hat, dass er eine Ente ist!“, so beginnt ein Sketch von Karl Valentin, in dem sich der Protagonist drei Minuten lang darüber beschwert, aufgeweckt worden zu sein, bevor er im Traum als Ente einen Wurm fressen konnte…

Willkommen in der fabelhaften Welt der Ente, willkommen zum zweiten International Music-Album mit dem fantastischen Titel „Ententraum“. Die Band hat ihr Album zwar nicht nach der alten Karl-Valentin-Nummer benannt, aber es ist doch ein schöner Zufall.

Peter Rubel, Pedro Goncalves Crescenti und Joel Roters wurden in diesem mehr als einstündigen Psychedelic-Rock-Trip beim kollektiven Träumen glücklicherweise von niemandem gestört. Höchstens von Produzent Olaf O.P.A.L, aber der ist nach der Produktion des gefeierten Vorgängeralbums „Die besten Jahre“ und dem nicht weniger erfolgreichen Album „Nenn mich Musik“ ihrer Schwesterband The Düsseldorf Düsterboys längst ihr Haus- und Hofproduzent geworden. Er stört also überhaupt nicht. Ganz im Gegenteil!

„Wenn ich wüsste, was in dieser Kiste ist, küsste ich Dich, den Fürst von Metternich“, mit diesen Zeilen beginnt die Reise und schon befinden wir uns mittendrin im 17 Lieder starken Ententraum-Epos. Aber Moment mal, meinen die tatsächlich den europäischen Politiker?! Oder den nach ihm benannten Sekt aus dem Rheingau?! Dann wiederum würde auch die besungene Kiste wieder Sinn machen. Die Musik dieses Traum sklingt jedenfalls so, als hätten die Beatles ihre Inspiration für das Weiße Album nicht nur in Indien, sondern auch bei einem schottischen Dudelsackvirtuosen gesucht. Aber kaum hat man seine Gedanken zum fraglichen Fürsten etwas geordnet, da taucht auch schon ein gewisser Herr Schmidt als „Gedankenzähler“ auf. Dieser merkwürdige, von Pedro Concalves-Crescenti gesprochene Charakter, tritt auf diesem Album immer mal wieder als eine Art manischer Philosoph in Erscheinung. Er ist es auch, der sich später auf der Platte für den „Traum der Ente“ verantwortlich zeigt. Auch wenn Peter Rubel ihm dabei immer wieder ins Wort fällt - und das nicht nur in diesem Song.

Der Gedankenzähler jedenfalls scheint vor allem ein großer Geschichtenerzähler zu sein, voller versponnener und entzückender Ideen. Aber das wirklich Verrückte auf diesem Album: Alles in diesem surrealen Ententraum ergibt sofort Sinn, wenn die Band zum Chorgesang anstimmt. Der für International Music so typische Harmonie-Gesang, der immer so klingt, als singen The Byrds gerade zusammen mit Ian Curtis. Sixties-Pop und 80er Jahre Postpunk in einer vollkommen stimmigen Melange. Flowerpower in einer Welt aus Beton und Glasfaserkabeln.

Dabei spielt es überhaupt keine Rolle, ob gerade die „Beauty of the bar“ oder ein „Wassermann“ besungen wird, ob wir uns mit ihnen auf die „Insel der Verlassenheit“ oder in die „Höhle der Vernunft“ begeben. Am treffendsten bringt es die Band selbst im Song „Misery“ auf den Punkt: „Die Sprache ist eklektisch. As you and me!“ Doch sobald der Chorgesang aufblüht, ist die Band über „All this misery“ komplett erhaben. Das Herz geht einem auf – und das ohne jeden Deutschrock-Pathos!

Da wird sich zwischendrin lieber in bester S.Y.P.H.-Punk-Manier mit verzerrten Instrumenten gegenseitig angemacht und „Spiel Bass!“ geschrien, Oder es erklingt, wie im Song „Marmeladenglas“, ein Stoner-Rock-Riff, das sich im Laufe des Stücks zum monotonen Drone entwickelt, weil Drummer Joel Roters den Schlagzeug-Einsatz so schön lang herauszögert. Und wenn es schließlich in dem Song „Zucker“ heißt: „Falsche Leute angelacht / Zu viel nachgedacht / Weltraumschrott im Treppenhaus / und der Blues schaut aus seiner Wohnung / in seinem Samtpullover in dunkelblau / Hart aber fair, am Start und zwar sehr“, dann sind die Fehlfarben aus „Monarchie & Alltag“ tatsächlich nicht mehr weit.

Vielleicht sind International Music so etwas wie eine hochmusikalische Punkband. Wobei sie unbedingt auch eine Krautrock-Band sind, hörbar große Verehrer von La Düsseldorf, sich aber immerzu dem Song verpflichtet fühlen. Ebenso unüberhörbar: Der Einfluss der brasilianischen Tropicalismo-Bewegung.

Aber nun, so eine Ente ist ein außerordentliches Tier: Sie kann schwimmen, tauchen, gehen und fliegen! Genauso vielseitig bewegt sich diese Band auch zwischen den Musik-Genres. Sie macht eben immer auch das exakte Gegenteil von dem, was man ihr gerade nachsagen möchte.

So wirkt ihr Ententraum am Ende wie ein Konzeptalbum, das einem die ganze Zeit über zu sagen scheint, dass es wohlmöglich nicht nur ein, sondern unendlich viele Konzepte gibt. Lauter lose Fäden in einem surrealen Tagtraum. Da kommen dem gebannt lauschenden Hörer, der gebannt lauschenden Hörerin sofort The Doors und ihr Song „Light my fire“ in den Sinn. Diese Referenz ist nicht einmal weit hergeholt, denn International Music beeindrucken uns in diesen 64 Minuten vielfarbiger Träumereien mit hoher Intensität und packender Dramaturgie, wie es eben nur die ganz großen Bands können. Und wieder ist den drei Musikern aus Essen dabei eine große Liebeserklärung an die Formation Schlagzeug, Bass und Gitarre gelungen.

„Der grüne Sarg und sein Pronom / wenn ich’s denke, weiß ich schon / Der Dschungel ist mein Zuhause / Ein grünes Band umarmt mich zart (...) weder weich, noch hart“, heißt es schließlich im vorletzten Stück. Musik und Poesie im hochinspirierenden Zusammenspiel von Mensch und Natur.

Aber fassen wir lieber nochmal zusammen, bevor wir uns vor lauter Begeisterung am Ende noch überschlagen: Der „Ententraum“ ist ein humorvolles, sprachverliebtes, psychedelisches (Anti-) Konzeptalbum voller Hits für hochkomplizierte Zeiten. Ein Album, mit dem sich die Träumer Peter Rubel, Pedro Goncalves-Crescenti und Joel Roters wieder „raus aus'm Zoo“ und „rein ins Geschäft“ wagen. Karl Valentin hätte vermutlich große Freude an diesem Werk gehabt.

Weniger ausruhen, mehr liefern

Erst letztes Jahr veröffentlichten Motorpsycho ihr Doppelalbum »The All Is One«, das in ihrer Heimat Norwegen auf Platz 3 landete und dort außerdem für einen Spellemannprisen (einen norwegischen Musikpreis) in der Kategorie »Bestes Rockalbum« nominiert wurde.

Aber statt sich auf ihren Lorbeeren auszuruhen, liefern die Psychedelic Rocker 2021 bereits ein neues Album ab: »Kingdom Of Oblivion«.

Für die Aufnahme verschlug es Bent Sæther, Hans Magnus Ryan und Tomas Järmyr erneut ins französische Black Box Studio. Die Fertigstellung folgte im heimischen Trondheim.

Das Ergebnis ist ein hartes und riffgeladenes Brett von einem Album, das zudem die vielen Einflüsse und Talente Motorpsychos hörbar macht.

Mit Hardrock-Krachern und leisen Balladen, kurzen und langen Stücken, Retro-Perspektiven und futuristischen Ausblicken übertrifft dieser Bund von Wahnsinnigen sich einmal mehr selbst.

(stereoplay, Mai 2021)

Godspeed You! Black Emperor wrote the majority of their seventh studio full-length while touring, then recorded it in 2020 during the COVID-19 pandemic, masked and socially distanced. Like 2012's 'Allelujah! Don't Bend Ascend, G_d's Pee AT STATE'S END! consists of two 20-minute suites as well as two drone-heavy six-minute pieces. Both of the suites open with grainy, distorted transmissions captured through shortwave receivers, and as the band explains, the preachers that once warned of an impending apocalypse now insisted that these are the end times, and military-related broadcasts spanned the rest of the dial. The opening suite builds up to one of the group's trademark crescendos, beginning with jarring, distorted melodies and scratchy guitar riffs before rising up in a joyous, determined procession. Just as it seems like it's about to spin out of control, the band regain focus and add strings that shift it closer to a vaguely country-ish lament, then end the suite with the sounds of distant explosions. The requiem-like "Fire at Static Valley" is the album's bleakest, most sorrowful moment, with heavy gales of strings swarming over a funereal pounding drum. On the second suite, wayward drums and haunting strings tumble like a ship rocking from side to side, then the group locks into a steady, churning rhythm, slowly getting heavier and hotter until it all seems engulfed in smoke. But then the rousing final section is unexpectedly cheerful, and easily the most ecstatically triumphant music GY!BE have ever made, soaring upward and ending with the loud, victorious clanging of bells. The decaying final piece is called "OUR SIDE HAS TO WIN," underlining the premise of the album, and indeed the group's entire body of work. There is still beauty and hope in this world, and it is absolutely imperative to keep fighting, at all costs.

(by Paul Simpson, All Music Guide)

The Bats have made a career of consistency, keeping the same lineup and not changing their sound too dramatically since forming in 1982. Their slow and steady approach has resulted in the straightforward presentation of countless wonderful songs, all quietly accumulating over the course of a nearly 40-year run that brings us to tenth album Foothills. As with everything that preceded it, Foothills is a no-frills collection of slightly melancholic but ever-upbeat pastoral pop songs written by guitarist/vocalist Robert Scott, and brought to life by the subtle touches added by the rest of the band. This takes the form of a few jaunty, uptempo rockers like "Warwick" and "Red Car," but sticks mainly to patiently paced jangly fare. The chiming guitars and simple shifts in dynamics between verses and choruses on album opener "Trade in Silence" all make for an incredibly direct tune, but it's the kind of less-is-more approach that has defined the band's best work over the years.

On more slow-moving tracks like gorgeous closer "Electric Sea View," the Bats' gifts for understated arrangement come through clearly, with gentle vocal harmonies and layers of tremolo-heavy keyboards and fuzz guitar adding depth and mystery to the sonic picture. Over the course of Foothills, incredibly small production choices like these make a huge impact. A single droning synthesizer note on "Warwick," the trembling guitar leads that meander throughout "Another Door," and barely there accordion tones on "As You Were" all expand the songs without overwhelming them. The rising waves of feedback and glockenspiel that show up for just a moment at the very end of the steady and wistful "Change Is All" instantly take the song to a different plane before quickly melting into the next track. Similar to the musical component, the lyrical content of Foothills is never too overt or heavy-handed. A band that's been active in relatively obscure circles for 38 years might be prone to tunes about growing older, nostalgia, or struggles with change, but if those expected themes appear, they come up more as emotional implications or nods to universal feelings instead of blunt statements. The Bats hold tightly to their time-tested sound on Foothills, producing another 12 songs of bright and wistful pop not quite like even their closest peers in the New Zealand indie pop scene. At this point, the standardization of their sound is the furthest thing from a criticism. The Bats' ability to achieve beautiful new results by returning time and again to the same specific set of sounds and inspirations remains one of the best things about the band.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

Das Album wurde von Sam Shepherd alias Floating Points komponiert und produziert, dessen zweites Album Crush von Pitchfork als Best New Music ausgezeichnet wurde, in der New York Times erschien und ihn auf mehreren Kritikerlisten für 2019 platzierte. Sein Debütalbum Elaenia, erschienen bei Luaka Bop, wurde ebenfalls als Best New Music ausgezeichnet und als eines der besten Debüts des Jahrzehnts gefeiert. Es ist auch die Veröffentlichung, die Pharoah Sanders dazu brachte, mit ihm zu arbeiten. Shepherd ist ein rastloser, sich ständig weiterentwickelnder Produzent und Komponist, der bereits mit The xx auf Tournee war und außerdem einen Doktortitel in Neurowissenschaften besitzt.

Für Pharoah Sanders, der kürzlich 80 Jahre alt wurde, ist dies ein seltener Ausflug und sein erstes Album seit fünfzehn Jahren. Als eine der letzten Ikonen seiner Generation spielte Pharoah mit John Coltrane auf dessen späten Free-Jazz-Meisterwerken und veröffentlichte eine Reihe von expansiven Aufnahmen unter seinem eigenen Namen für das Impulse!-Label, die von The Stooges bis Marvin Gaye als zentraler Einfluss genannt wurden. Zuletzt war er in einer 2020 Supreme-Kampagne zu hören.

Die Musik entfaltet sich geduldig über neun Sätze und 46 sich immer weiter ausdehnende Minuten. Es ist ein Werk aus purem Gefühl, wie keine andere Platte, die Sie in diesem oder irgendeinem anderen Jahr hören werden.

Schon lange hat keiner mehr so gefühlvoll ins Saxofon geblasen. Es fühlt sich wie ein Aufwachen an einem Sonntagmorgen an – es ist Frühling, die Freude auf den Tag scheint sonnenstrahlengleich ins Gemüt. Ein Versprechen fürwahr – für die Seele, das Gehör, zur rechten Zeit.

(Good Times, April / Mai 2021)

Das Soloprojekt von Indie-Alleskönner Eric D. Johnson alias Fruit Bats geht in die neunte Runde. Sein neues Album »The Pet Parade« feiert die Schönheit und Absurdität der Existenz.

Dafür hat Johnson seinen Bonny Light Horseman-Bandkollegen Josh Kaufman als Produzent verpflichtet, der vor allem bekannt für seine Arbeit mit The Hold Steady, Bob Weir und The National ist und 2020 auch an den beiden folklastigen Taylor Swift-Alben beteiligt war.

Obwohl viele der Songs auf »The Pet Parade« tatsächlich vor der Pandemie geschrieben wurden, ist es unmöglich, das Album als Ganzes von dieser Zeit zu trennen.

Wie viele Alben zuletzt, wurde auch »The Pet Parade« größtenteils aus der Distanz mit Musikern aufgenommen, die über das ganze Land verteilt leben.

Geschadet hat dies den Songs zum Glück nicht. Mit dabei sind Joe Russo und Matt Barrick (The Walkmen, Fleet Foxes, Muzz), Johanna Samuels, Pianist Thomas Bartlett (Nico Muhly, Sufjan Stevens), und Fiddler Jim Becker (Califone, Iron & Wine).

Manchmal beschwingt und beruhigend, manchmal ruhig und nachdenklich, markiert »The Pet Parade« einen Meilenstein für Johnson, der 20 Jahre Fruit Bats im Jahr 2021 feiert.

Neben seine Veröffentlichungen als Fruit Bats war Johnson in diesen zwei Jahrzehnten auch Mitglied bei The Shins, komponierte Filmscores, veröffentlichte Solo unter eigenem Namen und bekam als Mitglied von Bonny Light Horseman zwei GRAMMYr Nominierungen.

In gewisser Weise immer noch eine Kultband, in anderer Hinsicht ein altbewährter Act, haben Fruit Bats konsequent genug kleine Siege errungen, um in einer notorisch unbeständigen Szene Karriere zu machen.

Bonny Light Horseman ist eine neue Indie-Folk-Supergroup, die aus Anaïs Mitchell (Gesang), dem Fruit Bats-Mastermind Eric Johnson sowie dem Produzenten und Multiinstrumentalisten Josh Kaufman (bekannt für seine Arbeit mit u.a. The War On Drugs und The National) besteht.

Die Band debütierte 2019 beim Newport Folk Festival und stellte ihre gleichnamige Debütsingle mit Aaron Dessner von The National an der Gitarre bereits letzten Juli vor. Das Trio veröffentlicht sein Debütalbum bei 37d03d Records (lies: People Records), einem neuen Label von Justin Vernon (Bon Iver) und den Dessner-Brüdern. Diese luden die Musiker im Sommer 2018 in die deutsche Hauptstadt ein, um dort an einer einwöchigen Künstlerresidenz im Berliner Funkhaus teilzunehmen. Dort sind laut Band 60 Prozent des Albums entstanden (die restlichen Aufnahmen fanden im Januar 2019 in den Dreamland Studios in Woodstock, NY statt).

Ziel des Projekts Bonny Light Horseman ist es traditionelle Volkslieder von den britischen Inseln neu zu interpretieren. Nachhören lässt sich das zum Beispiel auf der hervorragenden zweiten Single, »Deep In Love«, die laut Band als Fruit Bats-Skizze begann »until Kaufman recognized its uncanny (and unplanned) similarity to a traditional tune by that name (it shares some lyrics with aly Waly' / The Water Is Wide'). What you hear is the first and only take of the song, recorded in the wee hours of a midwinter's night at Dreamland Studio in Woodstock, NY.«

"Good Woman" wurde in einer Zeit schwerer Turbulenzen für die Band geschrieben und aufgenommen, in der unter anderem Beziehungen endeten, ihre geliebte Mutter verstarb und Emily ihr erstes Kind zur Welt brachte. Größtenteils selbstproduziert (mit der Unterstützung von John Congleton), handelt das Album von Stärke - ihrer eigenen und der anderer Frauen; von Schwestern, Müttern und Töchtern. Von Liebe, Verlust und Veränderung. Von dem Versuch, eine gute Frau zu sein.

The Staves: "Wir haben lange gebraucht, um an diesen Punkt zu kommen, doch nun freuen wir uns unglaublich, unser neues Album 'Good Woman' anzukündigen. Wenn wir an die Entstehung dieses Albums denken, denken wir an Augenblicke und Momentaufnahmen all der unterschiedlichen Umstände, in denen wir uns zum jeweiligen Zeitpunkt befanden. Daran, jeden Tag zusammen zu verbringen und dann plötzlich durch Ozeane voneinander getrennt zu leben. Wir denken an Heimweh und Familie. Daran, ein Außenseiter zu sein."

Obwohl seit der Veröffentlichung ihres hochgelobten zweiten Albums "If I Was" sechs Jahre vergangen sind, war das britische Schwestern-Trio (Emily, Jessica und Camilla Staveley-Taylor) in der Zwischenzeit alles andere als untätig. Jessica steuerte Gesang zu Leonard Cohens letztem, posthumen Album "Thanks For The Dance" bei, das sein Sohn Adam Cohen produzierte. Und alle drei liehen ihre Stimmen einer Reihe von Tracks auf Paul Wellers jüngstem UK #1-Album "On Sunset". Auch Gastbeiträge für Lucy Rose, Bon Iver und Flyte in den jüngsten Jahren zeigen, dass ihr Gesang sehr gefragt ist.

Setting aside 2017's The Way Is Read, an adventurous collaboration with chamber ensemble yMusic, Good Woman is the Staves' first self-penned album in six years. Among its heavy inspirations were the death of the trio's mother, dissolved relationships, and the birth of eldest sister Emily's first child, all contributing to the idea of what it means to be a "good woman." John Congleton (The Decemberists, Angel Olsen) produced the album, which proves to be a poignant, philosophical set. The opening title track's soothing, soft rock sound accompanies enumerated qualities, like being able to stiffen resolve, being kind, carrying the load of others, and forgiving. It then asks, "But who'll build statues of me when I leave you all behind?" The song has one of the few solo lead vocals on an album that mostly drifts between unisons and three-part harmonies within each track. Another entry with a defined lead vocal is the like-minded "Devotion," whose choruses close with "Devotion be the death of me." Its airy synths, twinkling piano, and steady drums also recall the mellower side of '70s and '80s pop. On the more acoustic end of the spectrum is the folky "Nothing's Gonna Happen," a tender showcase for their three-part harmonies, and the sparse, piano-based "Waiting on Me to Change" ("Said you're waiting on me to change/Whatcha doin' that for?"), which edges toward wistful Carole King melodicism. Elsewhere, the cautionary "Careful, Kid" opts for unexpectedly grungier textures alongside its sparkling keys. Despite subtle shifts in arrangements, the songs of Good Woman share a certain world-weariness that's balanced with a refreshing self-assurance that -- like the sisters' elegant, blended vocal harmonies -- never loses its composure.

(by Marcy Donelson, All Music Guide)