Robert Forster ist die Ruhe und Gelassenheit selbst, wenn es um das Reifen, Wachsen und Werden seiner Songs geht. Schon in seligen Go-Betweens-Tagen war die Güte des Songmaterials die ausschlaggebende Kraft des Band- und Bühnengeschehens, kaum eine andere derart herzhaft unterbewertete Gruppe vereinte auf ihren Alben eine solch beeindruckende Zahl an bleibenden Songs und blieb dennoch zeit ihrer Existenz ein ewiger Geheimtip. Dass dieser genie-gespeiste Gruppengeist auch ihn immer noch beseelt, belegen nicht nur die ewigen Ruhephasen zwischen Forster‘s Solowerken (ca. fünf Jahre im Schnitt), sondern vor allem die Alben selbst, und auch der Nachfolger zum erfreulich erfolgreichen Songs To Play (2015) strotzt nur so vor gelassen-gelungenen gitarrengeprägten Ohrwürmern, die ihre Energie ebenso aus dem nonchalant-larmoyanten Gesang, dem schlicht-schönen, dezent schrammel-charmanten Gitarrenspiel wie der berührenden Fabulierkunst des Singer-Songwriters ziehen. Seine einprägsam eigensinnige Art, den Melodien auch neben der Spur Leben zu verleihen, wird mit berückend handgemacht-hemdsärmeliger Spielkunst umrahmt, naturbelassene Gitarren, wohlgesetztes Tasten-, Schlag- und Streichwerk bilden die beherzte Basis für des Meisters Geschichten, die ungemein berührende Musik in ein zeitloses Bad aus Gitarren-Pop, Pub-Rock, Singer-Songwriter-Folk verwandelnd, dem Spuren und Spritzer von Wave und Punk zusätzlich belebende Kraft spenden. Aufgenommen im heißen Berliner Sommer von 2018, sind es auch die ausgewählten musikalischen Mittäter, die im Forster-Alleingang den Go-Betweens-Bandgeist spüren lassen, Produzent Van Vugt (Beth Orton, PJ Harvey, Forsters‘ 1990er Danger In The Past-Solo-Debüt), die Vielinstrumentalisten Scott Bromley und Karin Bäumler (bereits bei Songs To Play erfolgreich aktiv), Schlagzeuger Earl Havin (Tindersticks) und Keyboarder Michael Mühlhaus (Blumfeld, Kante) tragen das ihre dazu bei, dass die 2019er Forster-Fleiß- & Facharbeit ein Meisterstück von bleibender Güte geworden ist.

(cpa, Glitterhouse)

Blues mit vielen Seiten

2019 gibt es ein neues Lebenszeichen der Tedeschi Trucks Band: »Signs« lautet der Titel ihres mittlerweile vierten Studioalbums, der Nachfolger von »Let Me Get By« aus dem Jahr 2016.

Elf neue Songs hat die zwölfköpfige Band um das Ehepaar Susan Tedeschi und Derek Trucks für »Signs« aufgenommen, und zwar im Swamp Raga, ihrem Heimstudio in Jacksonville, Florida. Als Co-Produzenten fungierten dabei Bobby Tis und Jim Scott.

Neben der Tedeschi Trucks Band sind auf der Platte auch ein paar exquisite Gäste mit von der Partie: Warren Haynes und Doyle Bramhall II, außerdem der Allman-Brothers-Perkussionist Marc Quiñones.

Gemeinsam ist ihnen ein absolut vielseitiges Album gelungen, das zwischen Blues, Rock, R’n’B und Gospel einiges zu bieten hat. Wer sich überzeugen will, kann »Signs« jetzt ganz einfach online bestellen.

Das neue Motorpsycho Album »The Crucible« beginnt visuell und musikalisch dort, wo das letzte Album »The Tower« geendet hat, nimmt aber bald seine eigene Schattierung an und es ist klar, dass es nicht als Fortsetzung bezeichnet werden kann: Dies ist einen Schritt weiter als sich die Band mit »The Tower« gewagt hatte. Obwohl es lyrisch breiter ist, ist es musikalisch noch schärfer fokussiert und, falls überhaupt vorstellbar, noch eigentümlicher und eigenständiger als je zuvor.

Zweifellos ein Motorpsycho-Album, das den Kopf von neuen Psychonauts zum Drehen bringen wird, sich aber für den Anhänger angenehm unvertraut anfühlt. »The Crucible« wurde im August 2018 in den Monnow Valley Studios in Wales von Hans Magnus Ryan (Gitarren, Gesang), Bent Sæther (Bass, Gesang) und Tomas Järmyr (Schlagzeug) sowie den Co-Produzenten Andrew Scheps und Deathprod aufgenommen. In deren Ohren und zur Zufriedenheit der Band hat sich dieser Co-Production-Trick wunderbar bewährt und hat zu einem wunderschön gearbeiteten Album geführt, das zwar kürzer, aber mindestens genauso ehrgeizig wie sein berühmter Vorgänger ist.

Es ist sowohl fokussierter als auch inhaltlich dichter, aber auch kompositorisch ehrgeiziger als »The Tower«. Man könnte vielleicht denken, dass dies zwangsläufig zu einem verminderten Schallangriff führt, aber das Album hat immer noch die Schlagkraft wie sie eine gute Rockplatte haben sollte.

Der Motorpsycho-Purist möge mir uraltem Prog-Rock-Priester mein unmaßgebliches Urteil verzeihen, aber was hier mit schlicht scheinender, nahezu klassischer Hard Rock-Heftigkeit beginnt, in der heiligen Art-Rock-Epik-Einteilung (3 Stücke, 9, 11 und 21 Minuten lang) gereicht wird und sich durch wahre Klang-Täler und -Berge zum himmlisch-hymnischen Rausch-Gipfel erhebt, ist nicht nur eines der großartigsten Motorpsycho-Monumente, sondern auch mit das beste, vielschichtigste und stilistisch breiteste Werk, welches mir in den letzten Jahren im weiten Progressive Rock-Reich begegnet ist. Das mag an den bekannten, über Jahre gewachsenen, spielerischen und kreativen Fähigkeiten und Eigenheiten der Skandinavier liegen, es sind aber auch die vielfältigen Verwandtschaften und gerade den Kenner beeindruckenden Nähen zum klassischen Art- & Prog-Rock der drei vor Energie und Einfallsreichtum überschäumenden Epen, die das Herz heftiger schlagen lassen. Das reicht von den herzhaften Harmonie-Wechseln früher und frühester Genesis-Alben über ausgelassen-entfesselte Instrumental-Exkursionen instrumentaler Meisterschaft seliger Yes-Close To The Edge-Tage bis hin zum an die Grenzen getriebenen geordneten Chaos, Markenzeichen klassischer Van Der Graaf Generator-Grenzwanderungen. Zwischen ausufernder Spiellust und vokal verzaubernden CSN-Dreistimm-Wundern, King Crimson-werten Mellotron-Wällen und zart-akustischen Renaissance-Ruhe-Oasen, ergötzlich endlose Gitarren-Exkurse und einem alle Phantasie-Ketten sprengenden Schlagwerk wird hier ein oft über die Grenzen metallener Härte hinaus wütender, treibend-tosender, schranken-schreddernder Schall-Sturm entfesselt, der bei jeder neuen Begegnung mitreissender wirkt, in der magischen Mitte zwischen energischer Emotion und artistischer Ausformung seine furiose Kraft entfaltet und wieder einmal vergessen lässt, dass auch dies majestätische Monument Werk eines Trios ist. Wobei auch die Co-Produzenten Andre Scheps und Deathprod und nicht zuletzt Susanna als verzaubernd wirkender Gesangsgast das ihrige zur Schaffung eines bleibenden Mamut-Meisterwerks beitragen. Für mich eines der reifsten, faszinierendsten Motorpsycho-Meisterstücke.

(cpa, Glitterhouse)

Es gibt nur wenige Bands, die über drei Jahrzehnte hinweg so zuverlässig Qualität abliefern wie Motorpsycho aus dem norwegischen Trondheim. Ihr neues Album besteht nur aus drei Tracks, aber in denen lassen sie es ausgiebig krachen. (...) Ein Synonym für ungebremste Gestaltungswut.

(stereoplay, März 2019)

... eine Wundertüte, deren Inhalt man kaum beschreiben kann.

(Audio, März 2019)

»Goes West« klingt, als ob der frühere Lambchop-Gitarrist William Tyler darauf einen Weg gefunden hätte, sich direkt auf das reiche und bittersüße emotionale Zentrum seiner Musik zu konzentrieren, ohne durch musikalische Nebenausflüge abgelenkt zu werden.

Das liegt zum einen daran, dass sich Tyler - einer von Nashvilles versiertesten E-Gitarristen - diesmal bewusst dafür entschieden hat, auf seinem vierten Album ausschließlich zur akustischen Gitarre zu greifen. Und zum anderen erhielt William für seine neue Songsammlung diesmal Unterstützung u.a. von Meg Duffy und Bill Frisell (Gitarre), Brad Cook (Bassist und Produzent), James Wallace (Keyboard), Griffin Goldsmith (Schlagzeug) und Tucker Martine (Produzent) - die beste und sympathischste Truppe an Musikern, die Nashville zu bieten hat.

William's new record, Goes West, is the best music that he's ever made. I'm sure of this because I know and love all of his music intimately, and this album moves me the most, and the most consistently.

(M. C. Taylor, (Hiss Golden Messenger))

Mustergültig konzeptioniertes zweites Album des Songwriters. (...) Diese 52 Minuten sind so überzeugend, dass man Moritz Krämer danach nahezu alles unterschreiben würde.

(RollingStone)

Michael Chapman gilt als »elder Statesman des britischen Songwritings« und »True North« ist der meisterhafte Nachfolger seines universal gefeierten Albums »50« aus dem Jahr 2017.

»True North« hat eine intimere klangliche Handschrift, ist atmosphärischer, texturierter und minimalistischer als »50«, stattlich und melancholisch gleichermaßen und findet Chapman an der Gitarre in einer noch tieferen Tiefe, die seinem ikonischen Schreiben einen immer stärkeren Schliff verleiht. Aufgenommen in den Mwnci Studios im ländlichen Westen von Wales, veranschaulicht »True North« unnachgiebige Untersuchungen von Zuhause und Horizont und reist von den Bahamas über Texas bis zu dem Leeds von Chapmans Kindheit, geplagt von den Trugbildern der Erinnerung und den Andeutungen der eigenen Mortalität.

Auf dieser introspektiven Reise begleiten ihn alte Freunde und neue Schüler: Steve Gunn produziert und spielt wieder Gitarre und Bridget St. John, eine britische Songwriterin, singt in Zusammenarbeit mit der Cellistin Sarah Smout und dem legendären Pedal Steel Player BJ Cole - der alle von John Cale bis Scott Walker, Elton John bis Terry Allen, Felt bis Björk begleitet hat. Bei Erscheinen von »True North« ist Chapman achtundsiebzig Jahre alt und hat fast ebenso viele Platten veröffentlicht - eine durchaus erstaunliche Leistung.

Das elegische »True North« durchquert das tückische Territorium der Zeit, was es zum persönlichsten Album seiner Karriere macht. Das Album beginnt mit der nagenden Reue von »It's Too Late«, und jeder Song, den Chapman danach singt, verweist direkt auf den Lauf der Zeit - seine blinde Rücksichtslosigkeit, seine süßen, verschwommenen Wonnen - in einer schwarzmalerischen Sprache, die in ihrer Kürze und Präzision fast mystisch ist.

Ein sublimes Hörvergnügen.

(Stereo, März 2019)

Wer gedacht hat, dass der „Elder Statesman des britischen Songwritings“ nach seinem 2017er Dienstjubiläum „50“ mit 78 Jahren womöglich in Rente geht, hat sich getäuscht. Auch 2019 ist Michael Chapman wieder mit einem neuen Album da. Gemeinsam mit dem ebenso jungen wie aufregenden Producer Steve Gunn (auch als Musiker wieder dabei) war er wieder in Wales im Studio, wo sich auch Bridget St. John, die Cellistin Sarah Smout und der führende britische Pedal Steeler BJ Cole einfanden. Mit dem späten Herbst seiner Karriere geht Chapman nach wie vor recht spielerisch um: „Youth Is Wasted On The Young“ heißt einer seiner neuen Songs. Stilistisch reicht das zweifellos reife Album von deutlichen Syd Barrett-Anklängen (sogar frühe, folky Pink Floyd) bis zu elegischem Kammerfolk mit schwebenden Cello-Passagen (Marke Nick Drake). Noch schöner ist aber die atmosphärische Pedal Steel von Cole, dem sogar in zwei Instrumentals Raum für cineastische Tiefe gegeben wird. Chapmans Stimme klingt verwittert, mal ein wenig erschöpft, teils aber auch in knarziger Tom Waits-Nähe. Insgesamt ein beeindruckend archaisches Songwriter-Werk mit leicht psychedelischem Americana-Einschlag. Würde mich nicht wundern, wenn Michael Chapman uns noch eine Weile erhalten bliebe.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Bei Mercury Revs »The Delta Sweete Revisited« handelt sich um eine Neuauflage von Bobbie Gentrys vergessenem Meisterwerk aus dem Jahr 1968, und es enthält eine beeindruckende Liste von Gastsängerinnen: Norah Jones, Hope Sandoval, Beth Orton, Lucinda Williams, Rachel Goswell, Vashti Bunyan, Marissa Nadler, Susanne Sundfør, Phoebe Bridgers, Margo Price, Kaela Sinclair, Carice Van Houten sowie Laetitia Sadier.

»The Delta Sweete« beeinflusste die Band schon bei ihrem 1998 veröffentlichten Album »Deserter Songs«. Es war also nur eine Frage der Zeit, dass sich Mercury Rev an eine Neuauflage trauten. Nun ist es soweit - und sie sind nicht alleine: Gentrys Geschichten bekommen durch die auserwählte Stimmbesetzung von Frauen aus dem Folk- und Alternative-Bereich eine ganz neue, aufregende Note.

Ein in vieler Hinsicht bemerkenswertes Zusammentreffen von ebenso eigensinnigen wie einzigartigen Kreativ-Köpfen, ein über die Jahrzehnte hinweg fruchtbares kongeniales gemeinsames Wirken von wahren Ausnahme-Artisten unter den Musikschaffenden. Und ganz nebenbei eine ausgesuchte gelungene Versammlung beeindruckendster Stimmen der weiblichen Sangeskunst des aktuellen Musikgeschehens. Nicht nur, dass das seit Jahrzehnten im eigenen Klangkosmos aufspielende, häufig prägend wirkende Pionier-Projekt von Jonathan, Grasshopper und Jesse Chandler sich mit The Delta Sweete Revisited einem fast vergessenen, seiner Zeit weit vorauseilenden Psyche-Folk-Rock-Edelstein widmet und seiner Schöpferin ein klingendes Denkmal setzt, es gelingt den dreien zudem, die 12 Weisen behut- und einfühlsam, mal nah am Original, mal ganz ins eigene Phantasie-Idiom übersetzt in die zauberreiche Zeitlosigkeit des Hier & Jetzt zu übertragen. Den finalen Segen erhält das oft orchestral herrlich ausschweifende Tribut durch die vielfältige vokale Veredlung durch die ausgewählte Schar von 12 einzigartigen Sängerinnen, die dieser beispielhaften Song-Kollektion aus Gentry-Originalen (obwohl auf dem 1968 veröffentlichtem Ursprungswerk nicht dabei, wurde Ode To Billy Joe als angemessener Albumausgang gewählt) und auserlesenem Fremdwerk (Big Boss Man/Dixon, Parchman Farm/Mose Allison, Tobacco Road/Loudermilk) ihre jeweils eigenen Namen und Noten verleihen, um so ein vor allem auch stimmlich vielfarbig schillerndes Kunstwerk entstehen zu lassen. Jede für sich weiß den oft wehmütigen Weisen den individuell-intensiven Gesangsstempel aufzudrücken, sodass nur die Aufzählung sämtlicher Stimmen diesem respekt- und kunstvollen, vokal-vielfarbigen Psyche-Country-Kaleidoskop gerecht werden kann – mit dabei: Norah Jones, Hope Sandoval, Rachel Goswell, Carice van Houten, Laetitia Sadier, Margo Price, Susanne Sundfor, Vashti Bunyan (w/ Kaela Sinclair), Phoebe Bridgers, Marissa Nadler, Beth Orton und Lucinda Williams!!! (gestattet mir die drei Rufzeichen)

(cpa, Glitterhouse)

Ohne sich dem aktuellen Zeitgeschmack anzubiedern, holen sie die Originale ins Heute. Einige der Nummern bekommen eine orchestral-cineastische Breite, als habe Lee Hazlewood mitarrangiert. Besonders schön: Hope Sandovals lasziver Slow-Blues ›Big Boss Man‹, Marissa Nadlers im Pulp- Fiction-Sound daherkommendes ›Refraction‹ und Carice van Houtens Southern-Gothic- Spuk ›Parchman Farm‹.

(Good Times, Februar / März 2019)

Bobbie Gentry had a huge hit in 1967 with "Ode to Billie Joe," the haunting single that introduced her strong, sultry voice and flair for combining Southern Gothic drama with details so vivid that it feels like listeners are living her stories with her. She expanded on the world she built with that song on 1968's full-length The Delta Sweete, but unlike "Ode to Billie Joe," it was not a huge hit; its pioneering symphonic-country-folk-pop didn't even crack the top 100 of Billboard's Top LPs chart. Fortunately, the acclaim for Gentry's work grew as the years passed, and Mercury Rev's Bobbie Gentry's the Delta Sweete Revisited reflects her latter-day status as a country icon. Of course, Mercury Rev also knows something about being underappreciated. During the '90s, their experimental rock and dream pop earned glowing reviews, but little in the way of label support or commercial success. That changed with their 1998 breakthrough, Deserter's Songs, which added touches of Americana that they return to on Revisited. Enlisting an all-star roster of established and up-and-coming female vocalists -- including Lucinda Williams, Vashti Bunyan, and Phoebe Bridgers -- Mercury Rev heighten the mystical qualities of Gentry's music as well as their own. Many of Revisited's best moments play like a beautiful dream of the original: "Okolona River Bottom Band" combines sweeping strings and brass and Norah Jones' dusky voice into a shimmering creation myth that sprinkles the album with stardust as it calls it into being. The band couldn't have chosen a better singer than Marissa Nadler to transform "Refractions" into a phantasmagorical reverie, and their collaboration with Laetitia Sadier on "Morning Glory" is truly inspired; her intimate performance and the band's sunny symphonic pop make for one of Revisited's sweetest standouts. Throughout the album, Mercury Rev skillfully balance their signature sound with period-faithful details. The swirling flutes and brass squalls surrounding Rachel Goswell on "Reunion" evoke Boces as much as they do Deserter's Songs. Later, the harmonica, glockenspiel, and whistling that adorn Beth Orton's reverent performance on "Courtyard" hark back to 1968 without feeling slavish. As the band puts The Delta Sweete through their prism, they filter out some of the album's earthy realism with mixed results. Hope Sandoval's hazy sensuality makes "Big Boss Man" subversively flirtatious instead of defiant like Gentry's version, and the ornate arrangement on "Tobacco Road" glosses over the song's tale of lifelong struggles. On the other hand, the band intensifies "Parchment Farm"'s foreboding with the help of a stoic Carice van Houten, while Margo Price's flinty twang makes "Sermon" a showstopper. Since "Ode to Billie Joe" is so inextricably linked with Gentry's legend, it's not surprising that Mercury Rev included it on their version of The Delta Sweete even though it didn't appear on the original. With its lavish arrangement and Williams' gritty performance, the band find new ways of celebrating one of the great underappreciated artists of the '60s and '70s -- something that's true of Bobbie Gentry's the Delta Sweete Revisited as a whole.

(by Heather Phares, All Music Guide)

Es muss nicht immer laut sein

Jessica Pratt präsentiert Anfang 2019 ihr neues, mittlerweile drittes Studioalbum. »Quiet Signs« heißt der mit Spannung erwartete Nachfolger von »On Your Own Love Again« aus dem Jahr 2015.

Neun neue Songs hat Pratt dafür aufgenommen, und zwar zum ersten Mal komplett in einem professionellen Studio: Gary’s Electric Studio in Brooklyn, New York zwischen 2017 und 2018. Als Co-Produzent fungiere Al Carlson, der auch Flöten-, Orgel- und Klavierparts beisteuerte. Zusätzliche Klavier- und Streicherparts übernahm Matt McDermott.

Die erste Single von »Quiet Signs« heißt »This Time Around« und ist ein warmer, sanfter und zeitlos-schöner Vorgeschmack auf das, was man von der Platte erwarten darf.

Singer-Songwriter und Freak-Folk, eine unverwechselbare Stimme: Jessica Pratt ist zurück. Im Gepäck hat sie ihr neues Album »Quiet Signs«.

Mit mädchenhafter, mitunter fast kindlich wirkender Stimme zieht die Singer-Songwriterin auf ihrem dritten Album (passenderweise auf City Slang) liebreizend verträumte Bahnen durch eine zart-zerbrechliche, absolut zeitlose Musik-Wolken-Landschaft, aufs filigranste kunstvoll aus allerlei akustischem Webwerk gesponnen, wobei die sanft gezupften Akustik-Gitarren-Akkorde die instrumentale Haupt-Feinarbeit leisten. Unter der sanft-betörenden Herrschaft der hauchzart-hohen Stimme, gern auch in mehreren Harmonielagen gereicht, entfaltet sich eine verzaubernde Mischung aus 60’s Psyche Folk, farbfrohem 70’s Flower Pop, leisen Latin-Anleihen und französisch-chansonesker Feder-Leichtigkeit, höchst ohrenfreundliche Melodien schweben über durchschimmernd-fragil, dennoch vielfarbig gestalteten Arrangements aus akustischen Gitarren, Klavier, Orgel und fliegenden Tastenwerk-Teppichen, auch eine Querflöte hinterlässt ihre bleibenden Spuren, aber es ist der erst bei hingebungsvollem Hinhören sich gefällig zeigende Gesang, der diesem aus dem Zeitrahmen gefallenen Liederwerk seinen ganz speziellen Zauber verleiht.

(cpa, Glitterhouse)

Die Türen aus Berlin sind zurück und haben ein Gesamtkunstwerk aus Krautrock, Techno und Postpunk geschaffen.

Größenwahn. Irrsinn. Humor. Also genau das, was in der Popmusik gebraucht wird. Die Türen aus Berlin haben nach längerer Abwesenheit ein ausgeflipptes Großwerk aus 19 Tracks aus dem Hut gezaubert.

Für die Aufnahmen hatte sich die Band um Staatsakt-Labelchef Maurice Summen im heißesten Sommer aller Zeiten in ein Ausflugslokal in der Uckermark zurückgezogen und ist mit dem Dreifachalbum EXOTERIK wieder herausgekommen.

Pro Song reicht ein Riff und eine Parole. „Miete, Strom, Gas“. Was muss man mehr sagen über die ewigen Konstanten im Leben von modernen Menschen? Jedes weitere Wort wäre überflüssig.

Wir sind dankbar, dass uns nicht noch eine Band in holperigen Texten erklärt, wie schlimm unsere Zeiten sind. Die Türen setzen gegen gut gemeinte, mit Musik verkleidete politische Verlautbarungen ein künstlerisches Statement – und machen damit alles richtig.

Nach fünf Tagen des gemeinsamen Musizierens hat die Band das Gewirr ihrer Improvisationen am Computer editiert und zu Tracks geformt. Traditionelle Songstrukturen gibt es nicht. Es klingelt, pluckert, gluckst, mäandert und schrabbelt eine Stunde und 53 Minuten immer im Kreis.

Ist das jetzt Krautrock, Sun Ra, Kraftwerk, Der Plan, Techno, Suicide, Psychedelia oder einfach nur Quatsch? Von allem etwas und noch mehr. Das Album ist übrigens nicht nur theoretisch gelungen, man kann die Musik auch sehr gut hören.

(Frank Schmiechen, www.musikexpress.de, 24.01.2019)

Loretta – Softrock ist kein Verbrechen

Journalistisch natürlich indiskutabel: über Freunde tippen. Macht man nicht. Doch meine Freunde, das muss ich in dieser Deutlichkeit sagen, sind ausnahmslos die tollsten Typen und Typinnen der Welt. Kann man locker nachprüfen, ist so zu sagen empirisch erwiesen. Nicht einer oder eine auf die ich keine stundenlange Lobeshymne singen würde – und das, obwohl ich wirklich miserabel singe. Mein Freund Andreas singt zum Beispiel viel besser. Seit Jahren schon. Loretta heißt die Band, “The Stars My Destination” die neue Platte, die jetzt bei Treibender Teppich Records erscheint. „Softrock“, scherzen wir manchmal bei Getränken, als ob das etwas Schlimmes wäre. Im Gegenteil: Das ist die mindestens drittbeste Rockmusik der Welt. Kannste dazu küssen, kochen, aufräumen oder halt zuhören und in jeder verdammten Ecke ständig irgendwas Neues entdecken.

Kurze Wegbeschreibung bei Loretta: Big Star, Tom Petty & The Heartbreakers, Travelling Wilburys, George Harrison, die Gallagher-Brüder, Teenage Fanclub – Erwachsenenrock, “Dadrock”, zu lässig, noch eine Show abzuziehen, Tendenz zum Drittkind und am Wochenende lieber zu Hause bleiben, weil da keiner nervt, den man nicht bereits kennen würde. “The Stars My Destination” ist natürlich vorzüglich, Doppel-LP, weil das einmal im Leben gemacht werden muss. Behilflich waren die Brüder und Schwestern im Geiste von Locas In Love aus Köln. Die mag ich auch. Und Köln ja eh. Die Blue Öyster Cult Gitarren in “Everything/Something” sind freilich auch super.

Was meine kritische Distanz zu Loretta und Andreas angeht: Ein gutes Lied ist ein gutes Lied – und hier hat’s mindestens 17 Stück davon. Basta. Ich sag wie’s ist: Wenn die Platte doof wäre, würde ich ihm das vielleicht sagen. Da sie aber viel zu gut ist, sag ich lieber nichts. Nicht, dass der Kerl noch arrogant wird und sich coolere Freunde sucht.

Und: Zum Glück haben Loretta auch die herzzerfetzende olle Don Henley-Coverversion nochmal draufgepackt – “Boys of Summer”. Gab’s bisher ja nur auf der Single vom Singles-Club in der Rampe.

(Setzer, www.kessel.tv, 25.01.2019)

Wer sich auch nur ein wenig mit dem gitarrengleißenden Loretta-Lied-Luxus beschäftigt hat, sollte dessen Reife und Qualität kennen und von einem neuen Album, selbst nach vier langen Jahren des Wartens auf ein neues Lebenszeichen, wohl inzwischen bekannte Güte, aber keine tiefgreifenden Überraschungen erwarten, zu lieb geworden sind dem Kenner & Verehrer die gewohnt alltagsnah-abgeklärten Klänge. Aber nicht nur die schiere Fülle des neuen 2019er Vollwerks (das diesen Titel auf allen Ebenen mit Sinn und Seele füllt) lässt zunächst erstaunt innehalten, auch der Weg der Albumgenese, die beeindruckende Anzahl und Auswahl der kreativ Beteiligten und nicht zuletzt die bemerkenswert bleibende Tiefenwirkung sämtlicher zwanzig (!) Songs, die ein jeder für sich genommen schon staunenderweise den Atem stocken lassen, aber gerade in ihrer lückenlosen Perlenfolge für immer größere Augen und Ohren sorgen. Nicht zuletzt mag die außerordentliche Güte- & Gedankenfülle an der Kreativ-Konstellation liegen, die Loretta gemeinsam mit der Band Locas In Love in die beiden beteiligten Band-Studios trieb, wo die stets spürbar verwandten Gruppengeister sich gegenseitig befruchtend und bereichernd für eine wundervolle Weisen-Vielfalt sorgen, die sich bereits bei erster, oberflächlicher Kontaktaufnahme anhört wie eine Best Of-Collection, gleichzeitig den bekannten Charme beider Formationen atmet und dennoch ganz und gar voller Loretta-Lieder-Leidenschaft strahlt. Freilich könnte man wieder allerhand Verweise und Vergleiche tätigen, Tom Petty’s Heartbreakers, Prefab Sprout, Go-Betweens, Fink und Waterboys zitieren, die Byrds bemühen und Liedermacher/Songwriter, Americana, Folk-Pop und Pub Rock stottern, aber dieses Album allein ist vielschichtig-farbiges Argument genug, um Loretta (& Locas In Love) endlich für sich allein wirken zu lassen – selten hörte ich eine derart reiche Fülle an herrlichen Melodien, berührenden Geschichten, wohlgesetzt-eigenständigen Arrangements (und gefühlvollen, gemischt-delikaten Duetten) auf einem einzigen Gruppenwerk versammelt. Ein echtes, erhabenes, reichhaltiges, und jeden einzelnen Moment belohnendes Doppel-Album, das seinen Namen mehrfach verdient hat.

(cpa, www.glitterhouse.de)