Das verschollene Album

Es ist eine absolute Sensation: Neil Young veröffentlicht 2020 sein Album »Homegrown«, 46 Jahre nach den Aufnahmen.

Zur Einordnung: »Homegrown« wurde zwischen 1974 und Anfang 1975 aufgenommen. Young entscheid sich allerdings gegen ein Release.

Zwölf Songs nahm er für die Platte auf, darunter sieben bislang unveröffentlichte Titel: »Separate Ways«, »Try«, »Mexico«, »Kansas«, »We Don’t Smoke It No More«, »Vacancy« und der Spoken-Word-Track »Florida«.

Die Stücke »Homegrown«, »White Line«, »Little Wing«, »Love Is A Rose« und »Star Of Bethlehem« erschienen auf späteren Alben der Rocklegende.

Musikalische Unterstützung bekam er im Studio bei ein paar Songs von Ben Keith (u. a. Pedal Steel, Dobro, Gesang), Tim Drummond (Bass), Levon Helm (Schlagzeug), Karl T. Himmel (Schlagzeug), Robbie Robertson (Gitarre), Emmylou Harris (Backgroundgesang), Mazzeo (Backgroundgesang) und Stan Szelest (Piano).

»Homegrown« wurde analog aufgenommen und nun für die Veröffentlichung von John Hanlon restauriert sowie von Chris Bellman bei Bernie Grundman Mastering gemastert.

Ein Stück Musikgeschichte, ein Schatz aus dem Archiv: Das verschollene Album von Neil Young wird endlich veröffentlicht. Hier ist »Homegrown«.

Back in the spring of 1975, Neil Young planned to release Homegrown, an album he completed at the start of the year, but he also had Tonight's the Night -- a rambling, heavy record cut back in 1973 -- ready to go. After playing the two albums back to back for a small circle of friends, Young opted for Tonight's the Night and shelved Homegrown for the better part of 45 years. Unlike other scrapped Neil projects, Homegrown never circulated in full on bootleg, but it was stripped for parts: "Star of Bethlehem" wound up on American Stars 'n Bars alongside a re-recorded version of Homegrown's title track, "Love Is a Rose" popped up on Decade, "Little Wing" was unveiled on Hawks & Doves, and "White Line" got a loud, lumbering makeover by Crazy Horse on Ragged Glory, released a full 15 years after this original version. Recycling songs isn't uncommon for Young, but the dismantling of Homegrown can also be seen as an extension of the real reason why he chose to release Tonight's the Night instead of this shambling, homespun affair: some of the album cut a little too close to the bone, revealing a little too much of the dissolution of his romance with Carrie Snodgress, so he pushed it away.

Like all heartaches, this pain diminished over the years, and by 2020, Young was ready to unveil Homegrown as part of his ongoing Archives series. Heard as its own distinct work, Homegrown is indeed emotionally candid, but it's also warm, funny, stoned, and spooky, considerably lighter than either Tonight's the Night or On the Beach yet more cohesive in its weirdness than American Stars 'n Bars and not as cozy as Comes a Time. Oddly, the album is front-loaded with its explicit breakup songs, starting as the country-rock ramble "Separate Ways" is underway. "Separate Ways" is paired with the loping "Try" and spacy solo sketch "Mexico" before the album settles into familiar territory with "Love Is a Rose" and "Homegrown." From this point forward, Homegrown will take the occasional detour into melancholy and strangeness (the spoken-word "Florida" vibrates on a different wavelength from the rest of the record), but it also finds time for the rowdy doper blues "We Don't Smoke It No More," the restless twilight rocker "Vacancy," and the delicate closing pair of "Little Wing" and "Star of Bethlehem," which end the album a tentatively hopeful note. Hearing these (sometimes very familiar) songs in this particular sequence is a journey, one that winds along a twisted road yet provides an experience as complete as its mid-'70s companion LPs. It's not a footnote but an essential part of Neil Young's catalog.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Gitarrist John Scofield feiert die Musik seines Freundes und Mentors Steve Swallow in einer lebendigen und geistreichen Aufnahme, die an einem Tag in New York im März 2019 gemacht wurde - »old school«, wie Scofield sagt, wobei er zugibt, dass mehr als vierzig Jahre der Vorbereitung dazu geführt haben. John war ein 20-jähriger Student in Berklee, als er den Bassisten zum ersten Mal traf und mit ihm spielte, und sie haben seitdem weitergemacht. »Ich liebe diese Lieder«, sagt Scofield über die Auswahl der hier erforschten Swallow-Kompositionen - ein breites Spektrum, das Klassiker wie »Hullo Bolinas«, »Eiderdown«, »Falling Grace« und »Radio« sowie weniger bekannte Werke umfasst. Die Beziehung zwischen Scofield und Swallow ist in jedem Moment offensichtlich. John: »Manchmal, wenn wir spielen, ist es wie eine große Gitarre, die Bassstimme und mein Part zusammen.« Hinter dem Schlagzeug ist Bill Stewart, ein enger Mitarbeiter von Scofield seit den frühen 90er Jahren, wachsam gegenüber allen Auswirkungen der Interaktion. »Was Bill macht, ist mehr als ›Schlagzeug spielen‹«, sagt Scofield. »Er ist eine melodische Stimme in der Musik, die gleichzeitig richtig gut swingt.«

... drei Künstler, drei Freunde, die ihren Jazz einfach laufen lassen können.

(stereoplay, Mai 2020)

Der erdige, meist leicht verzerrte, bisweilen jauchzende Ton von Scofields Ibanez-Gitarre verleiht den alten Kompositionen Steve Swallows regelrecht Flügel. Ein ›beschwingtes‹ Album.

(›Empfehlung des Monats‹ in Fono Forum, Juli 2020)

Neues Album des britischen Folk Singer/Songwriters Teddy Thompson, dem Sohn der Fairport Convention Mitglieder Richard und Linda Thompson.

Thompsons neues Album Heartbreaker Please rechnet vom Eröffnungssong an mit dem Zusammenbruch der Liebe mit einer ebenso befriedigenden wie verheerenden Leichtigkeit ab. Und während das Album vom Ende einer Beziehung aus dem wirklichen Leben erzählt, könnte es aus Thompsons Perspektive auch als eine Projektion seiner Beziehung zu New York City gesehen werden, dem Ort, den er für den größten Teil der letzten zwei Jahrzehnte sein Zuhause genannt hat.

Als Mitglied der britischen Musikdynastie, die zunächst von seinen legendären Eltern Linda und Richard Thompson geleitet wurde, verließ er mit 18 Jahren London und zog in die Staaten, um sich fünf Jahre später in New York niederzulassen. Zwanzig Jahre später findet Teddy Thompson sich mit »Heartbreaker Please« perfekt selbst, als souveräner Künstler auf der Höhe seines Könnens.

Invigorating head music done Rastafarian style by Cymande. "Zion I" is a spiritual chant put to music, setting the mood for Cymande. A laid-back "One More" lulls you into subliminal meditation before "Getting It Back" jolts you into some scintillating Jamaican funk-fusion. There's a message in many of Cymande's cuts, with "Listen," and "Bra" (a recognition of the women's lib movement), the most inspiring. Both are sung with passion, and are skillfully executed; the former is slow and painstaking in its message, while "Bra" slaps you upside the head with a stirring sax solo and bass-fueled vamp. An air of supreme coolness permeates Cymande, unusual for a first effort written by members of the band. Cymande sound like they have done this before; nowhere is this more evident than on the beautiful "Dove," a gorgeous concoction of lead guitar, tambourines, haunting backing vocals, and percussion, with the horns used as sparingly as table-seasoning on a gourmet dish. Along with "Bra," the group's most popular cut is "The Message" -- it's difficult keeping body parts still on this grooving mutha. All in all, Cymande is a marvelous collection that premiered a fine funk band.

(by Andrew Hamilton, All Music Guide)

Limitiert auf 1000 Stück im Fold-Out Cover, einseitig gepresst mit Siebdruck auf der B-Seite. Inklusive sinnfreier Beilage und Download-Code.

Sie haben wieder in dem alten Schuppen gesessen. Parfüm getrunken und auf einer knittrigen Landkarte mit Pflastern die Luftlinie nach Singapur geklebt. Einer der Nachbarn hat erzählt, die drei Männer würden dort regelmäßig eine Matinee veranstalten. Ab und zu würden merkwürdige Figuren vorbeikommen, Schlagzeugspenden durch den Spalt in der windschiefen Holztür schieben und wieder verschwinden.

Die alte Kennertz sagt, die Drei würden dort mit Springseilen, Fax-Geräten, einer alten Armbanduhr, einer Klarinette und ein paar Säcken Sägemehl etwas bauen und genau danach würde auch der Lärm klingen, der alle paar Tage aus dem Schuppen strömt. Die meiste Zeit gehen diese Typen aber Essen. Lassen sich nie was kommen, immer gehen sie Essen. Dünn wie Schläuche, aber andauernd Essen gehen!

Einmal im Jahr schicken sie ein Tonband weg. Letzten Herbst, als der Rasen im Goldrot der Blätter ertrank, haben sie es im Schuppen abgespielt und kurz darauf versandt. Die Kennertz hat gelauscht und sagt, am Anfang hätte es geklungen wie ein James-Bond-Film mit Robotern, gewiss seien Drogen im Spiel. Dann auf einmal dachte sie, die Lieblingsband ihrer Jugend zu hören, dieses glitschige Duo, wie hieß es noch, Wham! Eine Täuschung sicherlich. Mittendrin sei es um Karma gegangen, um den desolaten Zustand der Welt. Was geht das denn die an, habe sie noch gedacht. Dann kam andauernd ein »Hey« und »Ok«, zackig, ungeduldig, jemand sang »auf ins Ungewiss« oder so. Und schließlich war ihr - der alten Kennertz also - als ob eine Säge Frank Sinatra entzweie. Als habe jemand einer Oper Propenal injiziert. Es hat gar nicht geregnet, sagt sie, aber als es still wurde, seien ihre Wangen ganz nass gewesen.

Jetzt sind sie wieder weg, und eine Ruhe hat sich über den Ort gelegt. Die Kennertz sagt, sie sind auf Tour.

... ein Afro-World-Jazz-Album voller Energie und Wertschätzung zweier Koryphäen füreinander.

(Audio, Juni 2020)

Es ist ein großartiges Album. Die beiden liefern ein ungeheuer zündendes Zusammenspiel. Allen lässt sein gut geöltes, grooviges Spiel hören, das zeitlebens nicht nur Cream-Drummer Ginger Baker begeisterte. (...) Die größtenteils instrumentalen Stücke changieren zwischen tanzbarem Jazz und Afrobeat. Ein panafrikanisches Gipfeltreffen – endlich in die Welt gesetzt!

(Good Times, April / Mai 2020)

Tony Allen & Hugh Masekela will release their very special collaborative new album »Rejoice« through World Circuit. The record will be the first posthumous release from Masekela, who passed away in 2018.

Having first met in the 70s thanks to their respective close associations with Fela Kuti, Allen, the Nigerian master drummer widely hailed as the co-founder of Afrobeat (and long-time member of alt-rock supergroup The Good The Bad & The Queen), and Masekela, South Africa’s legendary trumpet player, talked for decades about making an album together. When, in 2010, their touring schedules coincided in the UK, the moment presented itself and producer Nick Gold took the opportunity to record their encounter. The unfinished sessions, consisting of all original compositions by the pair, lay in archive until after Masekela passed away in 2018. With renewed resolution, Tony Allen and Nick Gold, with the blessing and participation of Hugh’s estate, unearthed the original tapes and finished recording the album in summer 2019 at the same London studio where the original sessions had taken place. Allen and Masekela are accompanied on the record by a new generation of well-respected jazz musicians including Tom Herbert (Acoustic Ladyland / The Invisible), Joe Armon-Jones (Ezra Collective), Mutale Chashi (Kokoroko) and Steve Williamson.

»Rejoice« can be seen as the long overdue confluence of two mighty African musical rivers – a union of two free-flowing souls for whom borders, whether physical or stylistic, are things to pass through or ignore completely. According to Allen, the album deals in »a kind of South African-Nigerian swing-jazz stew« – a description borne out by even a cursory earful of the parallel harmony horn hook and loping drums of »Agbada Bougou«, the propulsive percussive swing and brass chatter of »Coconut Jam« or the skittering snare drums of »Obama Shuffle Blues«.

As well as blowing exquisite flugelhorn, Masekela was also inspired to overdub some spontaneous vocals on a trio of numbers, either deploying colloquial Zulu, as on the seductively loose-limbed opening track, »Robbers, Thugs and Muggers«, with its earworm chant of »O Galajani« – township slang for any such collective of rogues – or, as on the appropriately jazz-meets-Afrobeat-hued tribute to Fela Kuti »Never (Lagos Never Gonna Be The Same)«, in English.

»The feeling was really good«, Allen recalls of those initial sessions. »All of us were thinking we were going to follow it up with overdubs of percussion, keyboards, voices and so on. It was an exciting idea.« Unfortunately, diarising those studio dates would prove problematic, even though Masekela and Allen would regularly bump into one another on the European festival circuit. »Every time we met he would ask me, ›What’s happening with this project‹? I had to say, ›I don’t know!‹ Eventually I asked Nick if I could hear the tapes, and that started the project back up again. Unfortunately, Hugh passed away soon after.«

Allen pronounces himself very happy with the finished album and remains phlegmatic about its protracted gestation. »Ten years is a long time from beginning to end of [making] an album, but my own philosophy is that everything eventually appears at the right time, for a reason…«

In addition to his unique drumming style, Allen also contributes a hushed but celebratory, semi-spoken commentary to the first single, »We’ve Landed«. »The song is dedicated to today’s youth«, explains Tony, »the lyric addresses people at seventeen, eighteen, nineteen years old, who are slowly becoming more mature, finding out who they are and realising that it’s their generation’s turn to wake up!«

Der Chicagoer Songschreiber und Gitarrist James Elkington, der bereits mit Größen von Richard Thompson über Jeff Tweedy bis hin zu Tortoise zusammengearbeitet hat, hat in Wilcos Loft sein zweites Album »Ever-Roving Eye« aufgenommen. Es folgt auf sein gefeiertes Debüt »Wintres Woma« aus dem Jahr 2017 sowie seinen jüngsten Produktions- und Arrangement-Arbeiten für Künstler wie Steve Gunn, Nap Eyes und Joan Shelley.

Die neuen Lieder werfen sowohl einen Blick zurück auf britische Folk-Traditionen aber blicken auch auf avantgardistische Horizonte. Die Songs sind ebenso zugänglich wie geheimnisvoll. Elkingtons energisches Gitarrenspiel und seine Bariton-Poesie wird begleitet von einem Arrangement aus Streichern und Holzbläsern sowie dem Backing-Gesang von Tamara Lindeman (The Weather Station).

Auch wenn der Albumtitel »Ever-Roving Eye« (zu Deutsch: »das immer umherziehende Auge«) klingt wie aus einer düsteren Ballade, bezieht er sich mehr auf die ständige Suche nach der eigenen Befriedigung sowie die eigenen Tugenden und Laster. Während die erste Platte eher in der klanglichen Tradition der interessanten englischen Folk-Revivalisten der 1970er Jahre angesiedelt war, beschäftigt sich »Ever-Roving Eye« mit einem breiteren musikalischen Feld, wobei es die Klänge britischer Library Music, Horrorfilm-Soundtracks, Psychedelia und rockige Elemente des Folk-Rock einbringt.

Das Ergebnis ist eine Platte, die noch ausgefeilter, scharfsinniger und nachdenklicher ist als ihr Vorgänger.

Es ist 20 Jahre her seit »I Am Shelby Lynne«, das Album, das ihr einen Best New Artist Grammy einbrachte. Zum neuen Album wurde »I Am« entfernt und trifft nun direkt das Herz der Singer-Songwriterin.

Dies ist ein Album mit meist solistischen, sparsamen, aber emotional reichen, originellen Torch Songs, die auf die einzige Weise gemacht wurden, die dieser eigenwillige Künstler kennt - gleichzeitig gequält und verletzlich, mit offengelegten intimen Gefühlen, aber letztendlich mit der Hoffnung, dass es ein Licht in der Dunkelheit gibt. In Erinnerung auf ihr 2008er Dusty-Springfield-Tribut Just a Little Lovin', das sie zusammen mit dem verstorbenen Grammy-Gewinner Phil Ramone in denselben Capitol Studios aufgenommen hat, in denen das neue Album abgemischt wurde, ist die gefühlvolle Shelby Lynne ihr bisher persönlichstes, autobiografisches Statement über die doppelte Push-Pull-Natur der Liebe: gleichzeitig nah genug, um sie zu berühren, aber auch ein frustrierender Plagegeist, der sowohl verführen als auch aufgeben kann.

Um alles ganz direkt zu halten, spielte die Ausnahmesängerin auch fast alles (Gitarre, Keyboard, Bass, Drums, Saxofon) selbst ein und verzichtete auf Studiobeschönigungen. Echtheit ist Trumpf!

(Stereo, Juni 2020)

Though she last released a record of her own with 2015's celebrated I Can't Imagine, singer/songwriter Shelby Lynne kept busy. She cut the sublime covers set Not Dark Yet with sister Allison Moorer. She also worked with producer, director, and screenwriter Cynthia Mort on an as-yet-unreleased film entitled When We Kill the Creators. Lynne stars as a world-weary singer trying to navigate the choices between commercial success and her own creativity. This self-titled album evolved out of that project. Half its lyrics were penned by Mort, and Lynne plays most of the instruments herself: guitar, bass, drums, synth, even a rudimentary saxophone on "My Mind's Riot." She did enlist help a handful of pianists including Mimi Freidman, Benmont Tench, Ed Roth, and Billy Mitchell on various tracks.

Despite the homegrown, intimate quality of the record, it's quite disciplined. As a songwriter, Lynne's knowledge and authoritative use of classic L.A. pop, sophisticated soul, the jazz song tradition, rhythm & blues, and roots rock, are formidable. "Strange Things" is a nocturnal, suffocatingly intimate jazzy blues with searing lyrics by Mort: "The clumsiness of it/The fumbling, crashing, fuck of it/The bandaged mess/The worn, torn angel scars … Love keeps us crawling…." But Lynne reaffirms love and commitment in "I Got You," the very next song. Here, Dusty Springfield's influence is evident. Her rhythmic, slipstream phrasing hovers elegantly in and around Tench's Wurlitzer. It addresses her beloved with unflinching commitment and desire. "Love Is Coming," co-written with Mort, is almost uncomfortably vulnerable with its "Walk on the Wild Side" bassline, lilting guitars, and piano. This is a Shelby Lynne we have heard from only selectively. The back-to-back "Weather" and "Revolving Broken Heart" are confessional songs about being bereft and left in the zero by a now absent lover, with graceful, glacial tempos and minimal arrangements, Lynne's voice offers painful truths. First single "Don’t Believe in Love" cut with her road band, offers a breathless, heartbreaking lyric penned by Mort atop a swinging, gentle pop rocker that hearkens back to Lynne's widely acclaimed I Am Shelby Lynne. On "Here I Am," her only accompaniment is Mitchell's piano. It's a slow, declamatory anthem with gospel overtones. Mort's poetic lyric is right at home in Lynne's mouth pouring out like cool, clear water. She imbues it with a meaning understood by anyone who has loved unselfishly. This is the album Lynne's hinted at for a decade. It's life-affirming in expressing romantic obsession and doubt, loneliness and fear, desire and steely commitment. Lynne's protagonists are stark naked in voicing their wounds and wants, whether they be emotional, spiritual, and/or physical. Shelby Lynne is a profound meditation on amorous complexity and cost; it's arguably the most powerful record in the songwriter's catalog.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Comeback mit einem orchestralen Ausrufezeichen!

Other Lives aus Oklahoma setzen mit »For Their Love« ein riesengroßes orchestrales Ausrufezeichen. Das US-Folk- Rock-Trio, das sich 2011 weltweit in die Herzen ihrer Fans spielte, liefert mit dem ersten Studioalbum seit fünf Jahren ihr bisher ehrfürchtigstes, intimstes und weltumarmendstes Werk ab, versehen mit einer tiefgründigen poetischen Ader, die sich Individuum und Gesellschaft in diesen turbulenten Zeiten gleichsam widmet.

»For Their Love« wurde zurückgezogen im Haus eines Freundes von Other Lives kreativen Kopf und Frontmann Jesse Tabish aufgenommen und von der Band selbst produziert. Das Album trägt die direkte und intime Atmosphäre der Albumaufnahmen ungefiltert an den Hörer heran und vermittelt damit eine gewisse Rohheit auf der einen Seite, gleichzeitig aber auch eine tiefgreifende Melancholie.

Die zehn Album-Stücke klingen wuchtig und dicht wie selten in der bisherigen Vita der Band - eine orchestrale Instrumentierung, mitreißende Spannungsbögen, liebliche Melodien und die choralen Backing Vocals von Kim Tabish & Josh Onstott ziehen die Hörer mitten hinein in das cineastisch anmutende Geschehen.

Dave Alvin, Victor Krummenacher (Cracker, Camper Van Beethoven), Michael Jerome (Toadies, Better Than Ezra) und David Immerglück (Counting Crows, Camper Van Beethoven) bilden den harten Kern dieser Formation. Erfahrene Musiker haben sich zusammengetan, um eine Reise in die Zeit des Psychedelic Folk/Rock Zeit des späten 60er und frühen 70er Jahre zu unternehmen. Sie spielen ihre eigenen Varianten von Songs, die durch Alice Coltrane, 13th Floor Elevators, Fred Neil und andere bekannt wurden, sowie einen Original Song, »Claudia Cardinale«.

As a musician who has passionately advocated for American roots music since the Blasters released their first album in 1980, Dave Alvin is widely regarded as a traditionalist, which is not as accurate as it would seem at first glance. Alvin grew up on free jazz, psychedelia, and hard rock along with the blues, rockabilly, country, and jump jazz sounds that inform his best-known work, and his project the Third Mind is a step outside his usual boundaries that lets him explore ideas he hasn't approached in the past. Alvin was inspired by reading a book on Miles Davis that outlined his methods for composing and recording several of his major fusion albums of the '70s: Miles would call out a key, set a tempo, and he and his band would improvise at length. After the fact, he and his producer would edit the long jams into a more practical shape. Alvin assembled a set of versatile players to try something similar -- David Immerglück on guitar and keyboards, Victor Krummenacher on bass, Michael Jerome on drums, and Jesse Sykes on guitar and vocals -- though for most of the Third Mind's debut album, they gave themselves a safety net that Miles didn't. Except for one original piece, "Claudia Cardinale," Alvin and his accompanists play covers, which gives them some sort of road map to follow, but otherwise the band dove into these songs without prior rehearsal, letting the feel of the moment dictate the arrangements. If anyone was expecting that this would be the album where Alvin would remake himself into an avant-garde noise artist, they get shut down pretty quickly; however, while it's not hard to recognize the rudiments of his guitar style in these jams, he does take the opportunity to stretch out and explore the space around him in a way that's fresh and challenging. There's a folky simplicity in these versions of Fred Neil's "Dolphins" and Tim Rose's "Morning Dew," but they don't sound simple or unimaginative, and when the group dig deeper into Alice Coltrane's "Journey in Satchidananda" and the Paul Butterfield Blues Band's "East/West," the communication between the players is smart and exciting. (Whether you actually need three different versions of "East/West," the shortest of which is 14 minutes, is an open question, but each one here is honestly engaging.) Alvin's roots in the blues certainly play a big role in The Third Mind, but so does hard rock, psychedelia, jazz, and improvisational music, and this context -- essentially a jam band without audibly hippie-like tendencies -- shows that his willingness to take a risk pays off handsomely.

(by Mark Deming, All Music Guide)