Iggy Pops neue musikalische Freiheit

Nach seinem letzten Album »Post Pop Depression«, das er vor drei Jahren zusammen mit Josh Homme veröffentlichte, und das international gleich mehrfach die Top 10 erreichte, war Iggy Pop erschöpft. Er wollte einfach frei sein.

2019 ist er es, zumindest klingt er so. »Free« heißt das vielleicht ungewöhnlichste Album seiner langen Karriere.

Zehn Songs hat der Godfather of Punk dafür aufgenommen. Und bereits die erste SIngle, der Titelsong »Free«, ist anders als das, was man von ihm gewohnt ist: ein Ambient-Jazz-Kurztripp von weniger als zwei Minuten.

Iggy selbst bezeichnete »Free« als Album, auf dem andere Künstler für ihn sprechen, aber durch seine Stimme. Was das genau bedeute? Wir dürfen gespannt sein.

Unterstützt wird er auf der Platte von Leron Thomas (Trompeter, Komponist, Produzent) und Sarah Lipstate (Gitarristin) alias Noveller.

Auch nach 50 Jahren und mehr als 20 Soloalben gelingt es Iggy Pop, seine Hörerschaft noch zu überraschen ...

›Free‹ ist ein mutiges und experimentelles Spätwerk.

(Audio, Oktober 2019)

Iggy Pop ist immer dann gut, wenn er weder seiner Legende nachläuft, noch neue Mythen zu schaffen versucht. Auf ›Free‹ löst er ein, was der Albumtitel verspricht. Er befreit sich von allen Erwartungen und brutzelt sein tonnenschweres Charisma in einer Pfanne voll fulminanter Songs. So ist ›Free‹ Pops bestes Album seit ›Avenue B‹ (1999).

(Stereoplay, Oktober 2019)

Cancel The Sun ist deren dritte CD, und auch darauf wird die ganze Pracht des Folk Rock geboten.

(Good Times, Oktober / November 2019)

Fünf Jahre nach ihrem großen Solo-Erfolg »Stockholm« veröffentlicht die britische Rock-Ikone Chrissie Hynde (The Pretenders) eine neues Solo-Album mit herausragenden Cover-Versionen.

Das brandneue Album Valve Bone Woe enthält 14 Tracks aus der Feder einer hochkarätigen Songwriter-Riege, darunter weltbekannte Größen wie Brian Wilson, Frank Sinatra, Hoagy Carmichael, Charlie Mingus, John Coltrane, Nick Drake, Ray Davies sowie Rogers & Hammerstein. Gemeinsam mit dem renommierten LA Philharmonic-Symphonieorchester hat Chrissie Hynde einen Großteil des neuen Materials im Juli während einer speziellen Performance in der berühmten Hollywood Bowl in Los Angeles aufgeführt.

Das Album Valve Bone Woe wurde gemeinsam mit dem Valve Bone Woe Ensemble in den Air Studios in London aufgenommen.

Die Songauswahl ist beeindruckend, die Neuaufnahmen sind es ebenso.

(Audio, Oktober 2019)

Besonders beeindruckend sind jedoch die kleinen trippigen bis spacigen elektronischen Beigaben, die sich bestens in den altmodischen Klang einfügen. Das Gestern trifft hier auf das Heute und Morgen. Chrissie Hynde legt ein Album vor, das man so von ihr gar nicht erwartet hätte. Mit 68 Jahren erfindet sich die Rock-Lady quasi noch einmal neu.

(Good Times, Oktober / November 2019)

Man sagt: Lightning never strikes twice. Aber es gibt Ausnahmen. In der Jazzwelt wird der Blitz jetzt ein zweites Mal einschlagen!

Im Juni 2018 veröffentlichte Impulse! Records »Both Directions At Once« ein »verlorenes Album« von John Coltrane, aufgenommen im Jahr 1963, das neue Kompositionen Coltranes, aufgenommen mit seinem Classic Quartet mit McCoy Tyner (Piano), Jimmy Garrison (Bass) und Elvin Jones (Drums), zum ersten Mal ans Tageslicht brachte. Die Resonanz bei Medien und Fans war wie erwartet riesig, das jahrzehntealte Album landete auf Platz 21 der US-Billboard-Charts (Coltranes höchstes Debüt aller Zeiten), führte die Jazz-Charts auf der ganzen Welt an und brachte Coltrane unter die Top-20 der Pop-Charts in Großbritannien, Frankreich, Deutschland, Japan, Italien und vielen weiteren Ländern. Bis dato hat »Both Directions At Once« weltweit mehr als eine Viertelmillion Alben verkauft.

Obwohl es ganz danach aussah, dass es sich hier um einen Jahrhundertfund handelt, hat das Schicksal jetzt ein zweites »Coltrane-Ass« aus dem Ärmel gezogen, denn bei Recherchen im Nachzug zu »Both Directions At Once« fand sich ein weiteres Tonband mit einer bislang komplett unveröffentlichten Session des Meisters.

1964 gingen John Coltrane und sein Classic Quartet in Rudy Van Gelders Studio und nahmen in einem für Coltrane beispiellosen Schritt neue Versionen einiger seiner berühmtesten Kompositionen auf. In dem Jahr, in dem er auch »A Love Supreme« aufnahm, wurde Coltrane von Gilles Groulx, einem kanadischen Filmemacher, kontaktiert. Groulx bereitete seinen Film »Le Chat Dans Le Sac« vor, eine in Montreal spielende Liebesgeschichte mit politischen Untertönen. Groulx, ein eingefleischter Coltrane-Fan, war fest entschlossen, den als schwierig geltenden Saxophonisten einen Soundtrack für seinen Film kreieren zu lassen. Groulx trat über einen persönlichen Kontakt zu Bassist Jimmy Garrison an Coltrane heran, und dieser stimmte erstaunlicherweise zu.

Kurzentschlossen trommelte Coltrane seine Quartett-Kollegen Jimmy Garrison, Elvin Jones und McCoy Tyner direkt zwischen den Aufnahmen für die inzwischen legendären Alben »Crescent« und »A Love Supreme« im Juni '64 in den Van Gelder Studios zusammen um etwas in der Coltrane-Welt Beispielloses zu tun: frühere Werke neu zu interpretieren und aufzunehmen.

Regisseur Gilles Groulx war bei den Aufnahmen anwesend. Heute ist unklar, wie viel kreativen Input der Filmemacher hatte und wie viel kreative Abstimmung zwischen ihm und Coltrane stattfand. Auf ¼-Zoll analogem Mono-Band aufgenommen, wurde die Session am 24. Juni 1964 von Rudy Van Gelder in seinem Studio nicht nur aufgenommen, sondern auch abgemischt und gemastert. Überglücklich nahm Groulx am darauffolgenden Tag das Masterband nach Kanada, obwohl in seinem Film am Ende dann nur zehn Minuten der 37- Minuten Aufnahme Verwendung fanden. Für die weltweit erste Veröffentlichung der Musik wurde »Blue World« jetzt von Kevin Reeves bei Universal Music Mastering in New York vom ursprünglichen Analogband neu gemastert, die Vinyl-Edition wurde von Ron McMaster in den Capitol Studios geschnitten.

»Blue World« demonstriert Coltranes künstlerische Entwicklung zusammen mit seinem Classic Quartet an einem Fixpunkt seiner Karriere. Es ist bezeichnend, dass diese Session zwischen zwei von Coltranes expansivsten, spirituell transzendentesten Platten stattfand, die seine Wahrnehmung von dann an bestimmen sollten.

Eine weitere Coltrane-Entdeckung von Weltgeltung!

Tatsächlich noch ein Album mit unveröffentlichten Studioaufnahmen! Im Juni 1964 (1/2 Jahr vor A Love Supreme) mit seinem klassischen Quartet eingespielt (für einen eher überflüssigen Film), von Rudy Van Gelder aufgenommen/gemixt, remastered von den Originaltapes. Ungewöhnlich für Coltrane: Er nahm dafür alte Stücke aus seinem Repertoire neu auf, die erstmals auf Alben von 1957 bis 1962 erschienen (auf Giant Steps, Traneing In, Coltrane Jazz und Coltrane), freilich bis auf das Titelstück (das eigentlich Out Of This World heißt) in anderen Besetzungen. Großteils in (teils wesentlich) kürzeren Fassungen, es klingt konzentriert, (zumal im Vergleich mit den Originalen) ungeheuer souverän, und meist auch und v.a. irgendwie spiritueller, quasi im Vorgriff auf das, was danach kommen sollte… Und tatsächlich deutlich bis ganz klar (noch) besser! Mit Ausnahme von Blue World, das ich auf ähnlichem Level sehe (aber erheblich anders gespielt!). In diversen Stücken soliert Trane wenig, variiert v.a. das Thema (das aber oft wunderbar), einige erweitern das harmonische Grundgerüst, andere erscheinen in mehrfacher Hinsicht weiterentwickelt. Dabei sind: Das herrliche Naima (2 Versionen; sachte feinfühlige diffizile verzaubernde Schönheit!). Besagtes Titelstück (Classic Trane der Zeit inkl. sehr schneller auch ausbrechender Tonkaskaden, ein aufbrausender Schluß mit leicht freier Tendenz). Like Sonny (agiler, kraftvoller als bekannt, die Latin-Essenz verstärkt). Village Blues (3 Versionen, Blues-basiert, lebendiger, das Original wirkt statischer). Traneing In (wohl das „konventionellste“ Stück hier, trotz avanciertem Spiel gegen Schluß). Fazit: Nicht so essentiell wie Both Directions At Once letztes Jahr, aber erstklassig, und lohnend auf alle Fälle!

(dvd, Glitterhouse)

It's a myth that most artists need a crisis in order to be creative, but there is anecdotal evidence to suggest bad times can trigger someone's need to express themselves. M.C. Taylor has been steadily productive as a songwriter and recording artist with his project Hiss Golden Messenger, creating a strong and expressive body of work since making his debut with Country Hai East Cotton in 2009. But in 2018, Taylor found himself dealing with the death of his father while his long-standing depression ramped up considerably and he began having serious doubts about how his nomadic life as a musician was impacting the lives of his children. The 2019 Hiss Golden Messenger album Terms of Surrender was written and recorded while Taylor was stricken with grief and struggling with his darker emotions, and in a press piece about the album he described the songs as "my therapy and my church." While not all of Taylor's emotional trials are clearly expressed in the lyrics, Terms of Surrender is an album that clearly deals with sorrow and uncertainty. But it's an album that also finds its share of joy in this world, and the music is full of hope and a potent sense of life as a difficult but worthwhile experience. "Whip" clearly deals with the demons that haunted Taylor, but as he sings in his chorus, "I was tired of the whip/Don't you get it?/Don't let it in/It'll change you." And Taylor struggles with uncertainty in "Happy Birthday, Baby," but the love he expresses for his children speaks of a compassion that's vivid even if he can't always extend it to himself. Unlike most Hiss Golden Messenger albums, Taylor's frequent creative partner Scott Hirsch wasn't part of the team for Terms of Surrender, but producer Brad Cook helps Taylor give this music a sound that's natural but clear, present, and inviting, and the musicians (including multi-instrumentalist Phil Cook, Aaron Dessner of the National, and Jenny Lewis) bring a solid groove to the melodies that's easygoing but funky when it wants to be and eloquent when it needs to be. One hopes that M.C. Taylor's dark clouds have parted, but on Terms of Surrender he's taken his troubles and made something beautiful and inspiring out of them. If you want to use music as therapy, this is the way to do it.

(by Mark Deming, All Music Guide)

In den 80ern/90ern der Leader/Sänger der deutlich REM-beeinflußten feinen Miracle Legion (später reformiert). Insgesamt gitarrenorientiert (trotz häufigem Piano/Orgel-Einsatz, selten zudem Bläser/Flöte, Cello, Harmonica) in Richtung beweglichem/werthaltigem gern auch recht einfühlsamem Songwriter-Indie-Pop, manchmal relativ vielschichtig, mal 70er-Einfluß (ob theatralisch und/oder etwas Glam-beeinflußt samt stärkerem Rock-Anteil oder ausnahmsweise im Kern als Piano-Ballade, old-fashioned), mal tendenziell 90er- bzw. College Rock-Elemente. Hinzu kommen ein zartes entzückendes Stück mit Duett-Gast Rain Phoenix, zwischendurch dezente Roots-Anteile sowie ein paar aggressivere Momente, wofür v.a. Gast J. Mascis (Dinosaur Jr, mehrfach dabei, 2x auffällig) zuständig ist. Stimme und Emotionalität sind seine Stärke, daneben einige reizvolle Arrangement-Ideen und Klangfarben, und manch feine Melodie… 1x dachte ich kurz an Jeff Buckley!

(dvd, Glitterhouse)

19er des hier schon öfters besprochenen Kanadiers, auf dem wunderbaren Constellation-Label. Ein weiteres außergewöhnliches Werk eines Singer-Songschreibers, der einen höchst eigenen Weg geht. Gitarrenlastiger als zuvor (gern sehr schön malend), mit entfernten (nur punktuellen/singulären) Erinnerungen an z.B. Astral Weeks, Red House Painters, ruhigsten Bo Hansson bestückt, etwas deutlicher und, 2,3 Mal Tim Buckley (eher frühem sanftem wie dezidiert spätem, im ausnahmsweise entspannt-funkigen Sound mit Songwriter-Appeal der 70er inkl. einem Hauch Fusion). Aber auch die vielen Tasten (E-Piano, Orgel, Synth, Clavinet, Piano) und 3x eine Flöte erfreuen mittels einigen sehr feinen Klängen. Weitgehende ruhige bzw. in sich ruhende bis eminent relaxte Musik, ob elegisch/getragen, introspektiv, dezent schwebend, dreamy/traumverloren, gern einfühlsam, immer wieder bestechend fließend, im großartigen 16-minütigen Opener zunächst auch ganz leise, zart, getupft, bevor sich, bald rein instrumental gehalten, allmählich eine größere Dichte und Intensität entwickelt, in einer Art ganz leicht jazzig wie psychedelisch angehauchten Jam-Meditation im freien Fluß (wobei einiges passiert, Saiten und Tasten sich herrlich durchdringen). Faszinierend! Ansonsten irgendwo zwischen Songwriter-orientiertem Folk/Pop, hier mit einer weiteren kleinen Prise Jazz ergänzt, dort ein Hauch „Outsider-Soul“, in mehrfach ziemlich freigeistigem Ambiente. Sehr schönes überzeugendes Werk! Vinyl: 180g, Art Print Poster.

(dvd, Glitterhouse)

The Planet England EP was under construction for 13 years and marks the first release from Hitchcock since his 2017 self-titled album. It’s the first new album from Partridge since 2012.

“Rather than these two big planets and their similar odd gravities repulsing each other, as might be anticipated. I can cheerfully tell you that it’s been one rather beautiful crashing creative event…that I want to repeat,” Partridge says of the forthcoming EP. “Feels like being in a group again.”

(Andy Partridge)

“Andy and I are the same age and suffer from the same record collection, especially the B’s: Barrett, Beatles, Beefheart,” Hitchcock adds. “Andy is the only person that I can easily write songs with. They simply appear, as if we were at a seance. He’s perhaps more logical than me, but it’s not really a contest, is it? A lot of song-writing is solving a puzzle that you’ve set for yourself; I really enjoy going round to his place in Swindon and puzzling with him. I live just up the road, in Nashville…”

(Robyn Hitchcock)

Vorhang auf, Putzlicht an

Niels Frevert ist wieder da. Fünf lange Jahre nach seinem letzten Longplayer »Paradies der gefälschten Dinge« stellt der deutsche Sänger und Liedermacher sein neues, mittlerweile sechstes Album vor.

»Putzlicht« heißt die Platte, die bei Grönland Records an den Start geht.

Insgesamt elf Songs warten darauf. Mit der Single »Leguane« lieferte Niels Frevert bereits einen ersten Vorgeschmack auf »Putzlicht«.

Und der verspricht ein kraftvoll-poetisches Album zwischen Rock und Pop.

Ein Meisterstück seiner fast 30-jährigen Karriere.

(DPA)

... ein ziemlich gutes Singer-Songwriter-Werk mit unprätentiösen deutschen Texten.

(Audio, Oktober 2019)

Indiefolkmeditation

Nachdem sich ein paar Mitglieder von Big Thief im letzten Jahr noch ihren Soloprojekten widmeten, machen die Indiefolkrocker aus Brooklyn, New York 2019 endlich wieder gemeinsame Sache.

»U. F.O. F.« heißt das neue, dritte Album des Quartetts, der Nachfolger von »Masterpiece« (2016) und »Capacity« (2017).

Wie bereits bei beiden Vorgängern arbeiteten Adrianne Lenker (Gesang und Gitarre), Buck Meek (Gitarre), Bassist Max Oleartchik und Schlagzeuger James Krivchenia mit Produzent Dom Monks zusammen.

Für die Aufnahme ging es ins ländlich gelegene Bear Creek Studio, eine umgebaute Scheune in der Nähe von Seattle. Big Thief spielten alle Songs von »U. F.O. F.« komplett live ein. So kam es, dass sich manche Stücke im Studio neu entwickelten, ein paar entstanden sogar komplett dort.

Das Ergebnis ist ein weitestgehend düster-melancholisches, rätselhaftes Album geworden, teilweise esoterisch und meditativ.

Wie »U. F.O. F.« klingt, verriet die Band bereits mit dem Titeltrack.

Zurück aus der Auszeit und im Gepäck ein weiteres Ganzstück. Nichts anderes hätte man von Big Thief erwartet. Wer sich selbst überzeugen will, kann das neue Album jetzt online bestellen.

Weniger Laut-Leise, mehr Filigranität: Indie-Folk am Rand der Perfektion.

(musikexpress)

›Omnidirectional‹ ist das siebte Album von The Schramms, ein wunderbares Werk, dessen Entstehung sieben Jahre in Anspruch genommen hat. Frontmann, Gitarrist und Songschreiber Dave Schramm hat ein weitreichendes, ambitioniertes Album geschaffen, das langjährige Fans und neue Hörer gleichermaßen begeistern wird.

Schlagzeuger Ron Metz und Bassist Al Greller, die seit Jahren mit Dave in The Schramms spielen, sind ebenso beteiligt wie der erfahrene Produzent JD Foster (Lucinda Williams, Richard Buckner, Calexico, Marc Ribot). Dave Schramm ist vielleicht noch immer am besten bekannt als Gründungsmitglied und Leadgitarrist von Yo La Tengo. Außerdem hat er mit einer Reihe bekannter Künstler von den Replacements bis Richard Buckner gearbeitet.

In den vergangenen Jahren hat er den Radio Free Song Club mit Songschreiberin Kate Jacobs und Discjockey Nicholas Hill gegründet, eine erfolgreiche Radiosendung und Podcast, die Songschreibern wie Victoria Williams, Peter Holsapple, Freedy Johnston, Laura Cantrell, Robin Holcomb, Howe Gelb, Peter Blegvad, Jody Harris, Don Piper, Amy Allison, Amy Rigby und Wreckless Eric eine Plattform bietet.

Seit ihrer letzten Veröffentlichung waren die Schramms gut beschäftigt. ›Omnidirectional‹ wurde über die Jahre in verschiedenen Sessions aufgenommen. Das Ergebnis zeigt, dass es eine Arbeit voller Liebe und Leidenschaft war, die sich gelohnt hat.

Mit allen alternativen Wurzelwassern gewaschenes Singer-Songwriter-Folk-Pop-Roots-Rock-Wunderwerk aus der Feder des Yo La Tengo-Mitbegründers und Leadgitarristen Dave Schramm, der wie dies bereits siebte Studio-Vollwerk mehr als nachdrücklich belegt in der mittelfesten Formation unter seinem eigenen guten Namen längst sein bequemes Zuhause und eine perfekte Spielwiese für seine herrlich grenzarmen Americana-Phantasien gefunden hat. In der Begleitung der Dauer-Schramms Ron Metz (Schlagwerk) und Al Greller (Bass) und in den erfahrenen Produktionshänden von JD Foster (Lucinda Williams, Calexico, Richard Buckner) spielte der vielbeschäftige Seiten- & Saitenmann ein wundervoll vielschichtiges Wurzel- & Wüstenwerk ein, das mühelos zwischen zerbrechlicher Kings Of Convenience-Zartheit, seelenrührender Joe Pernice-Perfektion, romantischer Rufus Wainwright-Wehmut, verspielter später XTC-Kunstfertigkeit, vielharmonischem Beach Boys- und flirrendem Psyche-Pop, packendem Pub- und klarem Country-Rock und griffigen-deftigen Crazy Horse-Gitarrenriffs variiert, während Dave als weich-warmherziger Sänger auch in streicherweichen Balladen oder zur klassischen Klarinette eine prächtige Vokal-Figur abgibt. Ein gelungenes Dutzend großartiger Songs, von erfahrungsreicher Phantasie beseelt und bemerkenswert eingängigen Melodien gekrönt. Ein wahrer Schmuck der weiterhin lebendigen Blue Rose-Label-Geschichte.

(cpa, Glitterhouse)

»Hallo. Wie geht es dir? Ich wünsche dir Frieden, Gesundheit und Glück«, sagt eine Frau auf kantonesisch. Dann kommt die Bassdrum rein, ein Uhuhu-Chor, ein Kinderspielzeug, das Schlagzeug. Es folgen 50 Minuten wie ein Episodenfilm.

Jeder Musiker mit einer neuen Platte im Gepäck sagt: »Sowas wollte ich schon immer machen!« Die meisten lügen, aber niemand so schön wie Die Höchste Eisenbahn. »Ich glaub dir alles« ist das wahrscheinlich beste Die-Höchste-Eisenbahn-Album aller Zeiten, obwohl es mit Superlativen nichts am Hut hat.

Im Gegensatz zu den ersten beiden selbstproduzierten Platten holten sich die Berliner Musiker diesmal mit Moses Schneider (u.a. AnnenMayKantereit, Tocotronic, Dendemann) einen Produzenten ins Studio und zum ersten Mal klingt ein Eisenbahn-Album so energetisch, frisch und unverkleidet als stünde man live mit ihnen auf der Bühne. Zwischen Max Schröder, Moritz Krämer, Francesco Wilking und Felix Weigt, sieht ihnen beim Spielen zu, wie Moritz und Francesco, mit Ping-Pong-Gesang wie beim Rap-Battle oder Simon&Garfunkelmäßig verschmolzen, Geschichten aufschichten, bis sich gegen Ende der Platte eine Erzählung herausschält, die man auf eine goldene Schallplatte pressen und ins Weltall schießen möchte.

»Ich glaub dir alles« heißt auch »du beeindruckst mich am meisten, wenn du‘s nicht versuchst.« Es gibt Lieder wie Steckenbleiben im Luxushotel-Aufzug (»Enttäuscht«), Nachtflüge über die Wüste (»Überall«), von beleidigten Idioten gesungene Knallbonbons (»Louise«), über Fabrikarbeiter ohne Fabrik (»Job«). Pop mit den schönsten Melodien – melancholisch, beschwingt und leicht besoffen auf dem Festival.

»Wir haben die Musik zusammen im Wendland erspielt, eine Woche lang, im Ferienhaus eines Bekannten. Francesco und ich saßen danach noch ein Jahr bei mir im Wohnzimmer und lasen uns gegenseitig Strophen vor«, sagt Moritz Krämer. »Jetzt weiß ich nicht mehr, wer was geschrieben hat«, sagt Francesco Wilking. »Die Platte hat unsere Identität aufgegessen und einen bunten Chief daraus gemacht.«

Dieser Chief, ein tanzender, grüßender Mensch/Tier/Geist, den der ghanaische Künstler Ataa Oko gezeichnet hat, ziert das Cover. Er schielt ein bisschen und weiß nicht ob er einen Clownshut oder eine Krone trägt. Er ist zappelig wie die Musik der Platte und genau wie sie redet er manchmal zuviel. Er sagt, dass alles hier aufregend und neu ist, dass wir Angst haben, uns bekleiden, entkleiden, enttäuscht werden, Ballon fahren, landen und dann langweilen und dass nichts umsonst gewesen sein wird, wenn wir uns glauben.

Wir jedenfalls glauben euch und verabschieden uns mit der indonesischen Grußbotschaft der Voyager Golden Record: »Gute Nacht, meine Damen und Herren. Auf Wiedersehen und bis zum nächsten Mal.«

Das dritte Vollwerk des Gipfeltreffens des guten Geschmacks setzt den gepflegten Pfad des gehoben-eleganten, luftig-beschwingenden Pop nahtlos fort, nahezu mühe-, aber definitiv schwerelos wird hier drei Ebenen tief – verbal, vokal, instrumental – in der ganz großen Phantasietruhe gewühlt und ein unwiderstehlich eingängiges Schall-Bonbon nach dem anderen zur Zufriedenheit des selig lächelnden Lauschers kredenzt. Das OBS-Bühnen-bewährte Quartett mit der vor beeindruckenden Namen strotzenden Vor- und Nebengeschichte (Tele, Der Hund Marie, Nils Koppruch, Gisbert zu Knyphausen) hat sich längst unter dem eigenen guten Namen zusammengefunden, um irgendwo im goldenen Dreieck zwischen Element Of Crime, Virginia Jetzt! und Tilman Rossmy seinen ganz eigenen, melodieverliebten und mitunter herrlich tanztreibenden Wohlklang zu feiern, mit leichtfüßigem Schrammel-Charme dargereicht, mit gut gestreuten Prisen von Reiser, Beatles, Smiths, 80s Wave und einem Hauch Prog-Rock gewürzt, vielerlei farbensprühendem Tastenwerk und selig singenden Gitarren ausgestattet und von zwei- und dreistimmigem Harmoniegesang final gekrönt. Unwiderstehlich liebenswertes, vor praller Phantasie sprühendes, von feinstem Instrumentalhandwerk getragenes, mit betörenden Melodien gesegnetes sauberes Song-Dutzend für den anspruchsvollen Pop-Gourmet.

(cpa, Glitterhouse)