Cathal Coughlan ist Mitbegründer und Sänger der gefeierten 80er/90er Pop-Rock-Gruppen Microdisney und Fatima Mansions und gilt als einer der meist verehrten Singer/Songwriter Irlands, geliebt von Fans bissiger, literarischer Musik im Stile von Wilco, Robert Forster und Mark Eitzel. Er hat vier hochgelobte Soloalben veröffentlicht und dies wird seine erste neue Musik seit 10 Jahren sein. Features und Rezensionen sind bereits für Mojo und The Wire geplant und man kann mit reichlich Unterstützung von BBC6 Music rechnen. Umgeben von einem atemberaubenden Cover des preisgekrönten Bruce Brand (The Darkness und White Stripes) mit einem Porträt des Outsider-Künstlers Cristabel Christo.

Die neue Platte hat nicht nur seine üblichen Begleitmusiker, das Necropolitan String Quartet, sondern auch Luke Haines (Auteurs/Black Box Recorder), Sean O'Hagan (Microdisney/High Llamas), Rhodri Marsden (Scritti Politti) , Aindrías O Gruama (Fatima Mansions), Cory Gray (The Delines) und die Dubliner Singer-Songwriterin Eileen Gogan. Locker konzeptionell und um die Persona Co-Aklan herum aufgebaut, ist die LP melodisch und einfallsreich. Zwölf fabelhafte neue Songs; drei davon werden mit Videos von Marry Waterson und Andy Golding von den Wolfhounds versehen.

Coughlans Intelligenz und Leidenschaft sind eine Zurechtweisung für eine fade Musikindustrie, seine Chroniken der Enttäuschung und des Ekels eine Inspiration.

(David Peschek, The Guardian)

Sie nennen ihr Album »Geheimnis« und sprechen dabei alles an, wofür wir uns fürchten: Liebe, Hass, Fußball, Nina Hagen.

Dennoch, wenn es eine geheimnisumwitterte Band in Deutschland gibt, dann ist das Isolation Berlin. Wo die Fans nicht unterscheiden können zwischen Rollenprosa und persönlichen Enthüllungen, zwischen der Bühnenfigur und der Privatperson, wo der Performer ein echter Star und zugleich einer von uns ist - seltsam aber möglich! Isolation Berlin sind mit ihrem Sänger Tobias Bamborschke über die letzten Jahre zu großen Songwritern gereift. Gemeinsam haben sie für »Geheimnis« elf Songs produziert und sich dazu in der Abgeschiedenheit ihres neuen, selbsteingerichteten Studios in Berlin-Buch auf ihre größte Stärke besonnen: Auf ihr Songwriting und das Erzählen von Geschichten. Geschichten aus einem beschädigten Leben. Geschichten von Außenseiter:innen, von Abstürzen, von enttäuschter Liebe und von dem ewigen Weiter, das uns mit jeder geschlagenen Snaredrum um die Ohren fliegt.

Die Musik ist im Vergleich zu den Vorgängeralben irgendwie anders geraten. Das sind Isolation Berlin, ABER! Kein Gramm Fett. Rockriffs sind fast vollständig verschwunden. Die Band lässt dem Textvortrag viel Luft. Arrangeur und Gitarrist Max Bauer hat viele Streicher um den Gesang herum arrangiert und setzt die E-Gitarre sparsamer ein. Auch die Rhythmusgruppe aus Specht und Cöster hatte beim Einspielen offenbar den Trip-Hop-Sound von Portishead oder Jean-Claude Vannier im Sinn, eher jedenfalls als den einer klassischen Rockband.

Diese Band ist einzigartig, sie ist der Punkrock-Diamant unter den Pop-Klunkern, ein gesplitterter Spiegel, ein verlorener Turnschuh, ein Déjà-vu aus der Zukunft und überhaupt ein seltener Glücksfall. Fatalistisch, rein, am Abgrund tänzelnd.

Endlich ein neues Lebenszeichen von THE TRUFFAUTS auf MICROPAL! Drei Jahre nach dem Album »Oscar« treffen THE TRUFFAUTS (mittlerweile auf Triobesetzung geschrumpft) sich nun bei »Chez Simon«, dem 13ten Album der Nürnberger Chansonfreunde, um ihren traditionellen Indierock mit Pop, Garage und einem Schuss Glamrock aufzulockern.

Gegründet haben sich THE TRUFFAUTS, benannt nach dem Regisseur FRANOIS TRUFFAUT, 1986 in Nürnberg und bereits ein Jahr nach der Bandgründung erschien 1987 das Debütalbum »Fanny«, welches wiederum nach der Lebensgefährtin ihres Namensgebers benannt wurde.

Schon damals dominierten verzerrte Gitarren und schepprige Beats, die mit verführerischen Harmonien und betörenden Melodien perfekte Popsongs kreierten. Dem Debüt folgten über zehn Alben und zahlreiche EPs, die von Presse und Kritikern von Anfang an hochgelobt wurden.

Eine Odyssee mit War On Drugs

The War On Drugs kündigen 2021 mit »I Don’t Live Here Anymore« ihr erstes Studioalbum seit vier Jahren an.

In den letzten 15 Jahren hat sich die Band um Mastermind Adam Granduciel stetig zu einem der großen Vertreter des Indierocks dieses Jahrhunderts entwickelt. Sie schließen die Lücken zwischen dem Underground und dem Mainstream, zwischen dem Stumpfen und dem Hymnischen. The War On Drugs haben das noch nie so gut hinbekommen wie auf ihrem fünften Studioalbum »I Don’t Live Here Anymore«, einer ungewöhnlichen Platte über einen unserer alltäglichsten, aber auch entmutigendsten Prozesse – das Durchhalten im Angesicht der Verzweiflung.

Nur einen Monat nachdem ihr letztes Album »A Deeper Understanding« mit dem Grammy 2018 für das beste Rockalbum ausgezeichnet wurde, zog sich der Kern von Granduciel, Bassist Dave Hartley und Multi-Instrumentalist Anthony LaMarca nach Upstate New York zurück, um zu jammen und neue Demos aufzunehmen, wobei sie außerhalb der vorbestimmten Rollen arbeiteten, die jedes Mitglied in der Live-Situation spielt. Diese Sessions erwiesen sich als äußerst produktiv und brachten frühe Versionen einiger der unmittelbarsten Songs auf »I Don’t Live Here Anymore« hervor. Es war der Beginn einer über ein Dutzend Sessions umfassenden Odyssee, die sich über drei Jahre und sieben Studios erstreckte, darunter einige der größten Klangwerkstätten des Rock wie »Electric Lady« in New York und »Sound City« in Los Angeles. Bandleader Adam Granduciel und Co-Produzent/Engineer Shawn Everett verbrachten unzählige Stunden damit, jedes Stück dieser Songs neu aufzubauen.

Eine der denkwürdigsten Sessions fand im Mai 2019 bei »Electro-Vox« statt, bei der die gesamte Besetzung der Band, ergänzt durch Keyboarder Robbie Bennett, Schlagzeuger Charlie Hall und Saxofonist Jon Natchez, zusammenkam, um den ergreifenden Album-Opener »Living Proof« aufzunehmen. Normalerweise setzt Granduciel die Platten von The War On Drugs aus einer Vielzahl von Overdubs zusammen, wie eine Art Rock’n’Roll-Puzzle. Aber bei »Living Proof« entstand das Stück in Echtzeit, als die Musiker ihre Chemie als Live-Einheit nutzten, um etwas Magie aus dem Stegreif zu erzeugen. Die Unmittelbarkeit der Performance war angemessen für einen der persönlichsten Songs, die Granduciel je geschrieben hat.

Mit einer langen Liste von Auftritten mit Künstlern wie Kesha, Dolly Parton und Deer Tick bis hin zu Miranda Lambert und Little Big Town ist der Pedal Steel-Experte Spencer Cullum einer der gefragtesten Session-Musiker in Nashville. Seit er vor acht Jahren von seiner Heimat London über Detroit nach Music City gezogen ist, hatte er offensichtlich wenig Probleme, sich anzupassen, auch wenn er sich dabei meist im Hintergrund gehalten hat.

Mit seinem Solo-Debütalbum Spencer Cullum's Coin Collection, einer Hommage an die Psych-Pop-, Folk- und Proto-Prog-Helden der 60er und 70er Jahre in seiner Heimat, tritt der Sideman aus Nashville nun aus dem Schatten ins Rampenlicht. Zusammen mit anderen Bühnen- und Studio-Assen aus Music City wie dem Gitarristen Sean Thompson und dem Multi-Instrumentalisten Luke Reynolds sowie Gesangs- und Schreibpartnern wie Caitlin Rose, Andrew Combs, Erin Rae, Annie Williams und James »Skyway Man« Wallace bringt er ein Stück Großbritannien nach Tennessee.

Produziert von Jeremy Ferguson und aufgenommen im Battle Tapes Recording Studio des Grammy-Preisträgers und Indie-Rock-Produzenten aus Nashville, bietet das Album einen weit offenen, glockenklaren Sound an, der zu den neun Albumsongs passt.

Coltranes Meisterwerk live

1965 veröffentlichte John Coltrane sein Album »A Love Supreme«. Das berühmteste und erfolgreichste Studioalbum des Jazzsaxofonisten in Form einer Suite zählt heute zu den wichtigsten Alben des Jazz.

Coltrane nannte »A Love Supreme« eine »bescheidene Opfergabe an das Göttliche«. Keine andere Komposition oder Aufnahme wurde in ähnlicher Weise dargeboten. »A Love Supreme« war sowohl ein individuelles Testament als auch ein öffentliches Statement, eine Predigt des universalistischen Glaubens.

Der Konzertmitschnitt »A Love Supreme: Live In Seattle« erweitert nun die Geschichte eines großen Musikers und eines zeitlosen Musikstücks.

Obwohl es John Coltranes berühmtestes Album war, hatte er es nur selten auf die Bühne gebracht. Bislang stammte die einzige bekannte Liveaufnahme von einem Auftritt auf einem Jazzfestival im französischen Städtchen Antibes an der Côte d’Azur im Jahr 1965. Sie wurde 2002 auf CD veröffentlicht.

Mit »A Love Supreme: Live In Seattle« gibt es nun erstmals eine weitere vollständige Live-Version der Suite, die im Oktober 1965 in Seattle aufgenommen wurde. Es handelt sich dabei um eine seltene private Aufnahme. Das Set wurde 1965 von John Coltrane und Joe Brazil am letzten Abend von Coltranes einwöchigem Aufenthalt im Jazzclub »The Penthouse« in Seattle aufgenommen. Die Performance fand im Sextett statt, das neben dem »klassischen Quartett« mit Pianist McCoy Tyner, Bassist Jimmy Garrison und Schlagzeuger Elvin Jones, aus Pharoah Sanders (Saxofon) und Donald Garrett (Bass) bestand und teilweise noch um Carlos Ward (Saxofon) erweitert wurde.

Die Aufnahmen gingen jedoch größtenteils in den Archiven von Joe Brazil verloren, bis sie nach seinem Tod 2013 wiederentdeckt wurden. »A Love Supreme: Live In Seattle« ist mit über 75 Minuten mehr als doppelt so lang wie die ursprüngliche Studio-LP. Das Tracklisting finden Sie im Folgenden.

Das 2019 erschienene Album "The Unseen In Between" etablierte den amerikanischen Musiker Steve Gunn als einen Großmeister des US-Songwritings - mit seinem neuen Album "Other You" unterstreicht er nun diesen Anspruch. Gunn, der ursprünglich aus Pennsylvania stammt und mittlerweile in Brooklyn lebt, ist für die Aufnahmen zu seinem neuen Album an die Westküste gereist. Das passt perfekt, denn seine Musik ist der ideale Soundtrack für Roadtrips von der Ostküste an die Westküste des Landes. Sein fein destillierter Sound lässt sich dabei zwischen Roots Rock, Americana, Folk und Jazz treiben.

Steve Gunn ist Traditionalist und Suchender zugleich. Zumeist geht er nur mit losen Ideen ins Studio, bei denen er am Anfang nie so genau weiß, wo sie ihn am Ende hinführen werden. Ähnlich gestaltete sich das auch dieses Mal. Sein sechstes Studioalbum "Other You" nahm Steve Gunn zusammen mit Produzentenlegende Rob Schnapf (Beck, Elliott Smith, Kurt Vile) in dessen Mant Studios in Los Angeles Ende 2020 und Anfang 2021 auf. Schnapf hat großen Anteil an der Entstehung dieses Albums. Er schüttelte nicht nur das Soundbett auf, sondern mischte auch Steve Gunns Stimme in den Vordergrund, um den poetischen Lyrics des Songwriters die richtige Bühne zu bieten. Mit Hilfe von befreundeten Musikern wie Juliana Barwick, Mary Lattimore, Bridget St. John, Jeff Parker, Bill MacKay, Ben Bertrand und dem Schlagzeuger Ryan Sawyer (TV On The Radio, Thurston Moore, Gang Gang Dance) entstand mit "Other You" ein Album, mit dem Steve Gunn nicht nur die Grenzen von Genres auslotet, sondern auch seine eigenen.

Lyrik und Alltag von Moritz Krämer

Moritz Krämer kennen die einen als ein Viertel der deutschen Indiepop-Supergroup Die Höchste Eisenbahn, die anderen als Singer-Songwriter und Solokünstler. Oder als beides.

2021 veröffentlicht er sein neues, mittlerweile drittes Album »Die traurigen Hummer«, den Nachfolger von »Wir können nix dafür« aus dem Jahr 2011 und seines Doppelalbums »Ich hab’ einen Vertrag unterschrieben 1 & 2«, das 2018 und 2019 erschien.

Zehn Songs hat der gebürtige Schweizer und Wahlberliner dafür zusammen mit Hanno Stick (Schlagzeug), Alex Binder (Bass) und Andi Fins (Tasten) aufgenommen und selbst produziert. Weitere Unterstützung gibt es auf der Platte von Wencke Wollny (Synthesizer, Klarinette), Liv Solveig (Geige) und der Sängerin Larissa Pesch.

Und wer Krämers Werk oder das seiner Band kennt, weiß, was die Hörer von »Die traurigen Hummer« erwartet: Pop trifft auf Folk, Melodieverliebtheit auf ausgefeilte Arrangements. Seine zart-brüchige Stimme vertont seine klugen, lyrischen Texte, die weniger über Außergewöhnliches berichten als vielmehr von Alltäglichem erzählen – mit einer melancholischen Grundstimmung, die aber in der Regel nicht zu sehr in Traurigkeit verfällt. So, wie in der ersten Singleauskopplung »Beweisen«.

Nach "Wir können nix dafür" und seinem Doppelalbum "Ich hab einen Vertrag unterschrieben 1&2" erscheint nun Krämers drittes Studioalbum "Die traurigen Hummer". Es erinnert an sein Debüt vor genau zehn Jahren, greift Gedanken von damals auf und spinnt sie weiter. Krämer, dessen Soloauftritte rar sind, weil er mit seinem Bandprojekt Die Höchste Eisenbahn so viel zu tun hatte, scheint mit seinem aktuellen Album ein Kapitel zu schließen. Die Lieder der Platte sollten, so hört man, schon vor zwei Jahren erscheinen. Stattdessen erschien ein vertonter Monolog, in dem sich Krämer in den "klügsten und heitersten Songs, die je über Dienst nach Vorschrift geschrieben wurden" (Süddeutsche Zeitung) über Verträge Gedanken machte.

Auf dem neuen Album finden sich nun all die verspielten Melodien und cleveren Arrangements wieder, wie man sie aus "Wir können nix dafür" und den ersten beiden Eisenbahn-Alben kennt. Die Texte beschäftigen sich mit Versagensangst ("Auffliegen"), Kindern ("Finster"), Depression ("Schwarzes Licht"), Wut und Gesellschaft ("Nackt und einsam") und Krämers Lieblingsthema Stadtflucht ("Jetzt").

Lieder, die man immer und immer wieder hören möchte, um jedes Mal etwas Neues darin zu entdecken. Mal erinnert die Platte an Talking Heads ("Austauschbar"), mal an den L.A.-Slacker-Sound von Mac DeMarco, mal an den reduzierten Folk von Aldous Harding. Erneut hat Krämer selbst produziert und mit seiner Band - Hanno Stick (Schlagzeug), Alex Binder (Bass) und Andi Fins (Tasten) - einen abgehangenen Vibe geschaffen. Da sind leiernde Synthis, Klarinetten (Wencke Wollny) und Geigen (Liv Solveig), ein Duett mit Larissa Pesch und dazwischen der heisere Krämer, in der Schönheit seiner Sprachspiele niemals prätentiös.

(Glitterhouse)

"Die traurigen Hummer" ist ein wahrhaft großes Album von "einem der besten deutschen Singer/Songwriter"

(Musikexpress)

Faye Webster liebt das Gefühl des sogenannten First Takes und die Direktheit, wenn sie einen Song schreibt, um dann gleich am nächsten Tag ins Tonstudio zu fahren und das Stück gemeinsam mit ihrer Band live einzuspielen. Beim genauen Hören der selbstsicheren und geradeaus kreierten Alben der 23-jährigen Songwriterin aus Atlanta wird klar, warum: Hier werden Emotionen gebündelt und verarbeitet, die so schmerzlich sind, dass sie jeden Moment nahezu lebendig werden. Webster fängt den Funken ein, bevor dieser die Möglichkeit hat zu schwinden; Textzeilen werden zu Papier gebracht, bevor diese eine Chance haben zu entfliehen. Ihr ganz eigener charakteristischer Sound bringt dabei einen flüsternd ruhigen und zuhause aufgenommen Gesang mit dem Klang der Band in einem Raum zusammen.

"I Know I'm Funny Haha" ist Websters vollkommenster Ausdruck dieser besonderen emotionalen und musikalischen Alchemie. Auf ihren Durchbruch mit der Veröffentlichung des Albums "Atlanta Millionaires Club" im Jahr 2019 bei Secretly Canadian folgend, blüht Websters Werdegang weiter. Ihr Klang bedient sich dabei sowohl dem von der Steel-Guitar beeinflussten Singer Songwriter-Pop und Country der 1970er-Jahre, als auch den Einflüssen und Persönlichkeiten Atlantas Rap - und R&B-Community aus der Zeit, als Webster ihr erstes Zuhause bei Awful Records fand.

In den vergangenen zwei Jahren nach "Atlanta Millionaires Club" hat sich Websters Profil stetig weiterentwickelt, nachdem sie auf Festivals wie Austin City Limits und Bonnaroo spielte, einer ihrer Songs in Barack Obamas 2020-Lieblingssongs-Playlist einen Platz fand und die Musikerin sich auch verliebte. "This record is coming from a less lonely place," erklärt Webster über das Album "I Know I'm Funny Haha", das sie vollkommener, aufgeweckter und selbstbewusster erscheinen lässt. Websters Musik ist vor allem geprägt von ihrer starken Persönlichkeit - dies wird auch in ihren Arbeiten als anerkannte Fotografin von Porträts und Stillleben deutlich. Viele ihrer Stücke enthalten Girl Group-artige Gesangs- bzw. Sprech-Passagen, die ihre untypischen Song-Geschichten weiter farbenfroh ausmalen.

Die heute 24-jährige Musikerin pflegt einen ungewöhnlichen Stil zwischen Indie, Country, Soul und Folk, der berührt und Spaß macht.​

(Audio, Oktober 2021)

Eine Liebeserklärung an Los Angeles: Los Lobos covern fellow Angelenos wie Buffalo Springfield, Jackson Browne und The Beach Boys. Enthält mit Titelstück Native Sons auch eine Originalkomposition!

Die in Los Angeles ansässige Band Los Lobos hat sich schon immer von ihrer Umgebung und ihrem Heimatort inspirieren lassen. Ihre Musik ist beeinflusst von Rock and Roll, Tex-Mex, Country, Zydeco, Folk, R&B, Blues, Brown-eyed Soul und traditioneller Musik wie Cumbia, Boleros und Norteños. All diese Einflüsse kann man nun hören auf Native Sons. Sie haben sich die Songs einiger der besten Songwriter der Stadt zu eigen gemacht und neu interpretiert.

13 Songs über LA von bekannten Künstlern wie Buffalo Springfield, WAR, Jackson Browne und The Beach Boys sowie Deep Cuts von The Jaguars, The Basters und The Premiers. Beim Albumtiteltrack handelt es sich um die einzige Originalkomposition der Band.

In Eigenregie wertig produziert, ist ›Native Sons‹ eine veritable Wurzelschau mit dem Flair eines Tarantino-Soundtracks.​

(stereoplay, September 2021)

Martha Wainwright ist wieder am Start. Die betörende Performerin und Songwriterin meldet sich mit „Love Will Be Reborn“ zurück, ihrem ersten neuen Album seit fünf Jahren.

Es ist ihr erstes Album seit dem 2016 erschienenen „Goodnight City“ und das erste seit dem 2012 erschienenen, hochgelobten „Come Home To Mama“, das ausschließlich eigenes Material enthält. Alle elf Songs auf ‚Love Will Be Reborn‘ sind von Martha geschrieben. Den ersten Song, der dann auch zum Titeltrack wurde, schrieb sie vor einigen Jahren in einer für sie persönlich sehr dunklen Zeit.

‚Love Will Be Reborn‘ erscheint heute und spielt auf den Schmerz der letzten Jahre an, während er gleichzeitig ein Gefühl von Optimismus für die Zukunft einfängt. Mit ihrer wundersamen, charakteristischen Stimme umspielt sie den Herzschmerz mit schwindelerregender Wirkung.

„Ich habe den Song innerhalb von zehn oder fünfzehn Minuten komplett geschrieben“, gibt sie zu. Martha begann, den Song live zu spielen, bevor sie das Album aufnahm, und er wurde so etwas wie eine Hymne, die ihr Hoffnung gab, als sie sie am meisten brauchte. Der Song und das gesamte Album wurden von Pierre Marchand produziert, der für seine Arbeit mit Rufus Wainwright bei „Poses“, den McGarrigle’s bei „Heartbeats Accelerating“ und einem Großteil von Sarah McLaughlins Katalog aus den 90ern bekannt ist.

Aufgenommen wurde das Album in Marthas Heimatstadt Montreal, im Keller des Cafés Ursa, das auch als Studio diente, und in den PM Studios. Martha spielt Gitarre und Klavier und holte sich die Hilfe der Torontoer Musiker Thom Gill (Gitarren, Keys, Back-ups) Phil Melanson (Schlagzeug, Percussion) und Josh Cole (Bass). Pierre Marchand spielt Keyboards auf ‚Love Will Be Reborn‘ sowie zwei weiteren Tracks, während Morgan Moore auf mehreren Songs Bass spielt.

.​.​.​ ein Album, das nachwirkt.​

(Stereo, September 2021)

Ein eindringliches, wohlklingendes, auffallend natürlich produziertes Werk in einer Selbstverständlichkeit, die wohl nur jemand hinkriegt, dem Musik schon in die Wiege gelegt wurde.​

(stereoplay, September 2021)

Trotziger Optimismus für schwierige Zeiten

Fast 50 Jahre sind seit dem Debütalbum von Jackson Browne vergangen. Dass der amerikanische Rockmusiker und Singer-Songwriter die gefühlvolle Intimität seiner ersten Veröffentlichung nach all der Zeit beibehalten hat, zeigt er 2021 mit seinem neuen Album »Downhill From Everywhere«. Aber auch, dass Erfahrungen, Kraft und Weisheit hinzugekommen sind.

»Downhill From Everywhere« ist Brownes 15. Longplayer und zudem das erste Album nach siebenjähriger Releasepause. Zehn Songs hat er dafür geschrieben und aufgenommen.

Zum Inhalt der Platte schrieb er in einer Pressemitteilung: »Oberflächlich betrachtet, geht es um das Leben in L.A. Aber es ist wirklich eine Metapher für das Leben selbst. Ich verehre diese Stadt, aber ich habe versucht, sie zu verlassen, ungefähr seit der Zeit, als ich mein erstes Album fertiggestellt habe. Man kann ein Leben, wie man es kennt, lieben und schätzen und sich darauf verlassen, aber tief im Inneren sehnt man sich vielleicht auch nach etwas anderem, selbst wenn man nicht weiß, was es ist.«.

Für das Songwriting und die Aufnahmen blieb Browne dennoch immer in der Nähe seiner Heimat. Zusammen mit seiner langjährigen Begleitband, bestehend aus den Gitarristen Greg Leisz und Val McCallum, Bassist Bob Glaub, Keyboarder Jeff Young und Schlagzeuger Mauricio Lewak, sowie verschiedenen Co-Produzenten und Tontechnikern ging es in die Groove Masters Studios im kalifornischen Santa Monica.

»In letzter Zeit finde ich, dass ein Großteil des Schreibprozesses im Studio stattfindet. Die Musik wird durch die Art und Weise beeinflusst, wie jeder im Raum mit ihr interagiert, und es gibt diese Reise des Erforschens und Schneidens und Umschneidens, die einen an Orte führen kann, an denen man alleine nie gelandet wäre.«, so Browne. Im Blick auf die Zusammenarbeit mit seiner Band beschrieb er das Album zudem als wahrhaft kollaboratives Werk, das von der Gruppenchemie und der Offenheit für neue Sounds und Ideen angetrieben wurde.

Inhaltlich setzt sich der 72-Jährige auf »Downhill From Everywhere« mit einer Vielzahl aktueller und emotionaler Themen auseinander. Und obwohl die Songs noch vor dem Beginn der Corona-Pandemie entstanden, fühlt sich die Sammlung bemerkenswert vorausschauend an. Browne thematisiert Vorurteile gegen gleichgeschlechtliche Beziehungen und die Not illegaler Einwanderer genauso wie Umweltverschmutzung. Er setzt sich mit Wahrheit und Gerechtigkeit, Respekt und Würde, Zweifel und Sehnsucht auseinander und bewahrt dabei einen trotzigen Optimismus, der für diese schwierigen Zeiten maßgeschneidert scheint.

Hiss Golden Messenger aus Nashville, TN veröffentlichen mit "Quietly Blowing It" den Nachfolger des von der Kritik hochgelobten Albums "Terms Of Surrender" aus dem Jahr 2019, das für einen Grammy Award 2021 in der Rubrik "Best Americana Album" nominiert wurde.

Geschrieben, arrangiert und produziert von Bandleader/Songwriter M.C. Taylor, ist "Quietly Blowing It" ein intimes und introspektives Werk, auf dem Taylor in impressionistischen Tönen über Themen wie Erwachsenwerden, Entfremdung, Verpflichtung, Hoffnung, Sinn, Familie, Klasse, Selbstfindung, Heilung und Wiederaufbau nachdenkt. Er sagt, das Album "feels like the most personal album that I've made because I'm not trying to explain anything to anyone except myself." Taylor verarbeitet diese turbulenten Zeiten auf zutiefst persönliche Weise und möchte die Hörer dazu inspirieren, es ihm gleich zu tun. In seinem aufschlussreichen Essay "Mourning in America" geht er ausführlicher auf die Impulse des Albums ein. Musikalisch sind die neuen Songs durchdrungen von Gospel, Southern Soul, Indie-Folk und Alt-Country mit einem Hauch von Blues-, Rock- und Jazz-Einflüssen. Zu den Höhepunkten gehören der minimalistische R&B von "It Will If We Let It", der rollende Country-Groove von "The Great Mystifier" und das gefühlvolle, rauchige Lamento von "Painting Houses" (gemeinsam mit Gregory Alan Isakov geschrieben). Auf "Quietly Blowing It" sind als besondere Gäste Griffin und Taylor Goldsmith von Dawes, Zach Williams von The Lone Bellow, Nashville-Gitarrengröße Buddy Miller und Produzent/Musiker Josh Kaufman von Bonny Light Horseman zu hören.

Im Laufe von sieben Alben haben die Songs von HISS GOLDEN MESSENGER tiefe Resonanz bei Musikfans, Künstlerkollegen und vielen anderen hervorgerufen. Taylors Fähigkeit, unsere innersten menschlichen Emotionen zu beleuchten, die sich nur selten offenbaren, war noch nie so offensichtlich wie auf "Quietly Blowing It". Das Mitgefühl, die Empathie und die aufrichtige Stimmung der Musik von Hiss Golden Messenger waren noch nie so passend für eine Zeit wie jetzt.

Tauchen Sie ein in das neue Album von Jeb Loy Nichols, voll von düsteren Grooves, sanften Melodien und lebensfrohen Texten. Timmion Records stellt der Welt einen erfahrenen Wortschöpfer und Sänger mit 10 leuchtenden Beispielen für rootsigen modernen R&B vor, die Südstaaten-Soul, Folk und Weltklasse-Balladen miteinander verschmelzen.

Angeführt von Jebs intimer Akustikgitarre und seinen rauen Beschwörungsformeln, unterstützt von der tighten Rhythmusgruppe von Cold Diamond & Mink, können Sie sich auf einen höllischen Ritt gefasst machen. Das Album mit dem schlichten Namen »Jeb Loy« ist ein Zeugnis der jahrzehntelangen Karriere des Künstlers, die sich über Soul, Country und R&B erstreckt.

Immer ein betörendes Vergnügen: ein neues Album des „Country Got Soul”-Aktivisten und ehemaligen Fellow Travellers-Masterminds. Hier wieder überwiegend mit tiefenentspanntem Soul: Gitarre, kleine Bläser-Akzente, wie immer sanfte Karamellstimme unnachahmlich. Dazu mal ein bisschen Vibraphon, Harmonica oder Hammond Orgel, immer laidback und mit Sonne im Herzen. Gemäß dem Albumtitel singt er diesmal eher selbstreferenziell aber immer gewohnt unaufdringlich und grundsympathisch. Southern Soul trifft auf die klassische Songschmiedekunst von Größen wie Bill Withers, alles konsequent schlank und unaufgeregt inszeniert. Die Songs sind von reifer Größe, mit klarer Melodieführung und eleganten Hooklines, eingängig und schlicht wunderschön. Stilistisch finden hier natürlich Soul, Folk, Roots und Singer/Songwritertum zusammen, Reggae gibt es leider nicht. Was dann wie die Frontporch-Variante von Daptone klingt. Die reduzierten Bläser sind famos, einzig die etwas überrepräsentierten Chordamen ergeben kleine Schwächen in der B-Note. Auf Jeb ist Verlass, auch das Timing ist perfekt: ein Album, das mich durch den Sommer begleiten wird.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Where The Spirit Rests ist das bereits fünfte Solo Album des US Singer-Songwriters, der vielen von den Walkabouts, Dirtmusic oder Distance, Light & Sky bekannt sein dürfte.

Auf seinem neuen Werk taucht Eckman ganz tief in die Stimmung dieser außergewöhnlichen Zeit ein. Er singt von Verlust, Desorientierung, Wiedergutmachung und der Suche nach einer Heimat.

Where The Spirit Rests wurde nur mit einem kleinen Ensemble aufgenommen. Direkt und ohne viele Effekte. Co-produziert wurde es von dem britischen Komponisten Alastair McNeill (Roísín Murphy, Yila). Als Gastmusiker sind Chuck Johnson (Pedal Steel), Catherine Graindorge (Violine) und Dream Syndicate / Green on Red Keyboarder Chris Cacavas auf Where The Spirit Rests vertreten.

"Good Woman" wurde in einer Zeit schwerer Turbulenzen für die Band geschrieben und aufgenommen, in der unter anderem Beziehungen endeten, ihre geliebte Mutter verstarb und Emily ihr erstes Kind zur Welt brachte. Größtenteils selbstproduziert (mit der Unterstützung von John Congleton), handelt das Album von Stärke - ihrer eigenen und der anderer Frauen; von Schwestern, Müttern und Töchtern. Von Liebe, Verlust und Veränderung. Von dem Versuch, eine gute Frau zu sein.

The Staves: "Wir haben lange gebraucht, um an diesen Punkt zu kommen, doch nun freuen wir uns unglaublich, unser neues Album 'Good Woman' anzukündigen. Wenn wir an die Entstehung dieses Albums denken, denken wir an Augenblicke und Momentaufnahmen all der unterschiedlichen Umstände, in denen wir uns zum jeweiligen Zeitpunkt befanden. Daran, jeden Tag zusammen zu verbringen und dann plötzlich durch Ozeane voneinander getrennt zu leben. Wir denken an Heimweh und Familie. Daran, ein Außenseiter zu sein."

Obwohl seit der Veröffentlichung ihres hochgelobten zweiten Albums "If I Was" sechs Jahre vergangen sind, war das britische Schwestern-Trio (Emily, Jessica und Camilla Staveley-Taylor) in der Zwischenzeit alles andere als untätig. Jessica steuerte Gesang zu Leonard Cohens letztem, posthumen Album "Thanks For The Dance" bei, das sein Sohn Adam Cohen produzierte. Und alle drei liehen ihre Stimmen einer Reihe von Tracks auf Paul Wellers jüngstem UK #1-Album "On Sunset". Auch Gastbeiträge für Lucy Rose, Bon Iver und Flyte in den jüngsten Jahren zeigen, dass ihr Gesang sehr gefragt ist.

Setting aside 2017's The Way Is Read, an adventurous collaboration with chamber ensemble yMusic, Good Woman is the Staves' first self-penned album in six years. Among its heavy inspirations were the death of the trio's mother, dissolved relationships, and the birth of eldest sister Emily's first child, all contributing to the idea of what it means to be a "good woman." John Congleton (The Decemberists, Angel Olsen) produced the album, which proves to be a poignant, philosophical set. The opening title track's soothing, soft rock sound accompanies enumerated qualities, like being able to stiffen resolve, being kind, carrying the load of others, and forgiving. It then asks, "But who'll build statues of me when I leave you all behind?" The song has one of the few solo lead vocals on an album that mostly drifts between unisons and three-part harmonies within each track. Another entry with a defined lead vocal is the like-minded "Devotion," whose choruses close with "Devotion be the death of me." Its airy synths, twinkling piano, and steady drums also recall the mellower side of '70s and '80s pop. On the more acoustic end of the spectrum is the folky "Nothing's Gonna Happen," a tender showcase for their three-part harmonies, and the sparse, piano-based "Waiting on Me to Change" ("Said you're waiting on me to change/Whatcha doin' that for?"), which edges toward wistful Carole King melodicism. Elsewhere, the cautionary "Careful, Kid" opts for unexpectedly grungier textures alongside its sparkling keys. Despite subtle shifts in arrangements, the songs of Good Woman share a certain world-weariness that's balanced with a refreshing self-assurance that -- like the sisters' elegant, blended vocal harmonies -- never loses its composure.

(by Marcy Donelson, All Music Guide)

Das Soloprojekt von Indie-Alleskönner Eric D. Johnson alias Fruit Bats geht in die neunte Runde. Sein neues Album »The Pet Parade« feiert die Schönheit und Absurdität der Existenz.

Dafür hat Johnson seinen Bonny Light Horseman-Bandkollegen Josh Kaufman als Produzent verpflichtet, der vor allem bekannt für seine Arbeit mit The Hold Steady, Bob Weir und The National ist und 2020 auch an den beiden folklastigen Taylor Swift-Alben beteiligt war.

Obwohl viele der Songs auf »The Pet Parade« tatsächlich vor der Pandemie geschrieben wurden, ist es unmöglich, das Album als Ganzes von dieser Zeit zu trennen.

Wie viele Alben zuletzt, wurde auch »The Pet Parade« größtenteils aus der Distanz mit Musikern aufgenommen, die über das ganze Land verteilt leben.

Geschadet hat dies den Songs zum Glück nicht. Mit dabei sind Joe Russo und Matt Barrick (The Walkmen, Fleet Foxes, Muzz), Johanna Samuels, Pianist Thomas Bartlett (Nico Muhly, Sufjan Stevens), und Fiddler Jim Becker (Califone, Iron & Wine).

Manchmal beschwingt und beruhigend, manchmal ruhig und nachdenklich, markiert »The Pet Parade« einen Meilenstein für Johnson, der 20 Jahre Fruit Bats im Jahr 2021 feiert.

Neben seine Veröffentlichungen als Fruit Bats war Johnson in diesen zwei Jahrzehnten auch Mitglied bei The Shins, komponierte Filmscores, veröffentlichte Solo unter eigenem Namen und bekam als Mitglied von Bonny Light Horseman zwei GRAMMYr Nominierungen.

In gewisser Weise immer noch eine Kultband, in anderer Hinsicht ein altbewährter Act, haben Fruit Bats konsequent genug kleine Siege errungen, um in einer notorisch unbeständigen Szene Karriere zu machen.

Der Traum der Ente

„Also pass auf: Ich war ein Mensch, der im Schlaf geträumt hat, dass er eine Ente ist!“, so beginnt ein Sketch von Karl Valentin, in dem sich der Protagonist drei Minuten lang darüber beschwert, aufgeweckt worden zu sein, bevor er im Traum als Ente einen Wurm fressen konnte…

Willkommen in der fabelhaften Welt der Ente, willkommen zum zweiten International Music-Album mit dem fantastischen Titel „Ententraum“. Die Band hat ihr Album zwar nicht nach der alten Karl-Valentin-Nummer benannt, aber es ist doch ein schöner Zufall.

Peter Rubel, Pedro Goncalves Crescenti und Joel Roters wurden in diesem mehr als einstündigen Psychedelic-Rock-Trip beim kollektiven Träumen glücklicherweise von niemandem gestört. Höchstens von Produzent Olaf O.P.A.L, aber der ist nach der Produktion des gefeierten Vorgängeralbums „Die besten Jahre“ und dem nicht weniger erfolgreichen Album „Nenn mich Musik“ ihrer Schwesterband The Düsseldorf Düsterboys längst ihr Haus- und Hofproduzent geworden. Er stört also überhaupt nicht. Ganz im Gegenteil!

„Wenn ich wüsste, was in dieser Kiste ist, küsste ich Dich, den Fürst von Metternich“, mit diesen Zeilen beginnt die Reise und schon befinden wir uns mittendrin im 17 Lieder starken Ententraum-Epos. Aber Moment mal, meinen die tatsächlich den europäischen Politiker?! Oder den nach ihm benannten Sekt aus dem Rheingau?! Dann wiederum würde auch die besungene Kiste wieder Sinn machen. Die Musik dieses Traum sklingt jedenfalls so, als hätten die Beatles ihre Inspiration für das Weiße Album nicht nur in Indien, sondern auch bei einem schottischen Dudelsackvirtuosen gesucht. Aber kaum hat man seine Gedanken zum fraglichen Fürsten etwas geordnet, da taucht auch schon ein gewisser Herr Schmidt als „Gedankenzähler“ auf. Dieser merkwürdige, von Pedro Concalves-Crescenti gesprochene Charakter, tritt auf diesem Album immer mal wieder als eine Art manischer Philosoph in Erscheinung. Er ist es auch, der sich später auf der Platte für den „Traum der Ente“ verantwortlich zeigt. Auch wenn Peter Rubel ihm dabei immer wieder ins Wort fällt - und das nicht nur in diesem Song.

Der Gedankenzähler jedenfalls scheint vor allem ein großer Geschichtenerzähler zu sein, voller versponnener und entzückender Ideen. Aber das wirklich Verrückte auf diesem Album: Alles in diesem surrealen Ententraum ergibt sofort Sinn, wenn die Band zum Chorgesang anstimmt. Der für International Music so typische Harmonie-Gesang, der immer so klingt, als singen The Byrds gerade zusammen mit Ian Curtis. Sixties-Pop und 80er Jahre Postpunk in einer vollkommen stimmigen Melange. Flowerpower in einer Welt aus Beton und Glasfaserkabeln.

Dabei spielt es überhaupt keine Rolle, ob gerade die „Beauty of the bar“ oder ein „Wassermann“ besungen wird, ob wir uns mit ihnen auf die „Insel der Verlassenheit“ oder in die „Höhle der Vernunft“ begeben. Am treffendsten bringt es die Band selbst im Song „Misery“ auf den Punkt: „Die Sprache ist eklektisch. As you and me!“ Doch sobald der Chorgesang aufblüht, ist die Band über „All this misery“ komplett erhaben. Das Herz geht einem auf – und das ohne jeden Deutschrock-Pathos!

Da wird sich zwischendrin lieber in bester S.Y.P.H.-Punk-Manier mit verzerrten Instrumenten gegenseitig angemacht und „Spiel Bass!“ geschrien, Oder es erklingt, wie im Song „Marmeladenglas“, ein Stoner-Rock-Riff, das sich im Laufe des Stücks zum monotonen Drone entwickelt, weil Drummer Joel Roters den Schlagzeug-Einsatz so schön lang herauszögert. Und wenn es schließlich in dem Song „Zucker“ heißt: „Falsche Leute angelacht / Zu viel nachgedacht / Weltraumschrott im Treppenhaus / und der Blues schaut aus seiner Wohnung / in seinem Samtpullover in dunkelblau / Hart aber fair, am Start und zwar sehr“, dann sind die Fehlfarben aus „Monarchie & Alltag“ tatsächlich nicht mehr weit.

Vielleicht sind International Music so etwas wie eine hochmusikalische Punkband. Wobei sie unbedingt auch eine Krautrock-Band sind, hörbar große Verehrer von La Düsseldorf, sich aber immerzu dem Song verpflichtet fühlen. Ebenso unüberhörbar: Der Einfluss der brasilianischen Tropicalismo-Bewegung.

Aber nun, so eine Ente ist ein außerordentliches Tier: Sie kann schwimmen, tauchen, gehen und fliegen! Genauso vielseitig bewegt sich diese Band auch zwischen den Musik-Genres. Sie macht eben immer auch das exakte Gegenteil von dem, was man ihr gerade nachsagen möchte.

So wirkt ihr Ententraum am Ende wie ein Konzeptalbum, das einem die ganze Zeit über zu sagen scheint, dass es wohlmöglich nicht nur ein, sondern unendlich viele Konzepte gibt. Lauter lose Fäden in einem surrealen Tagtraum. Da kommen dem gebannt lauschenden Hörer, der gebannt lauschenden Hörerin sofort The Doors und ihr Song „Light my fire“ in den Sinn. Diese Referenz ist nicht einmal weit hergeholt, denn International Music beeindrucken uns in diesen 64 Minuten vielfarbiger Träumereien mit hoher Intensität und packender Dramaturgie, wie es eben nur die ganz großen Bands können. Und wieder ist den drei Musikern aus Essen dabei eine große Liebeserklärung an die Formation Schlagzeug, Bass und Gitarre gelungen.

„Der grüne Sarg und sein Pronom / wenn ich’s denke, weiß ich schon / Der Dschungel ist mein Zuhause / Ein grünes Band umarmt mich zart (...) weder weich, noch hart“, heißt es schließlich im vorletzten Stück. Musik und Poesie im hochinspirierenden Zusammenspiel von Mensch und Natur.

Aber fassen wir lieber nochmal zusammen, bevor wir uns vor lauter Begeisterung am Ende noch überschlagen: Der „Ententraum“ ist ein humorvolles, sprachverliebtes, psychedelisches (Anti-) Konzeptalbum voller Hits für hochkomplizierte Zeiten. Ein Album, mit dem sich die Träumer Peter Rubel, Pedro Goncalves-Crescenti und Joel Roters wieder „raus aus'm Zoo“ und „rein ins Geschäft“ wagen. Karl Valentin hätte vermutlich große Freude an diesem Werk gehabt.

Die schottischen Indielieblinge Teenage Fanclub veröffentlichen ihr zehntes Studioalbum »Endless Arcade« über ihr eigenes Label PeMa!

Selbst wenn wir nicht gerade außerordentlich beunruhigende Zeiten durchleben würden, gibt es nichts Vergleichbares wie ein Teenage Fanclub-Album, um Geist, Körper und Seele zu beruhigen und zu bekräftigen, dass in dieser Welt doch nicht alles verloren ist. »Endless Arcade« folgt auf das 2016er Album »Here«, mit dem Teenage Fanclub ihren ersten Top-10-Erfolg seit 1997 feierten - ein klarer Beleg dafür, wie sehr diese Band bis heute geschätzt wird.

Das neue Album ist die Quintessenz von Teenage Fanclub: Die Melodien sind zu gleichen Teilen herzerwärmend und herzzerreißend, die Gitarren klingen teils glockenklar, teils kratzig, Keyboard-Linien verweben sich ineinander und drehen sich um sich selbst, harmonieerfüllte Refrains brechen durch wie die Sonne an einem stürmischen-grauen Tag.

Sonnenbeschienene, herzerwärmende, klassische und vorbildlich gute Rockmusik.

(Audio, Juni 2021)

Neues Studioalbum der Neuseeländischen Independent-Helden unter der Leitung des rätselhaften Martin Phillipps. Mit Artwork von Trees' David Costa.

Dunedin's finest, The Chills, veröffentlichen ihr siebtes Studioalbum "Scatterbrain" zweieinhalb Jahre nach dem enorm erfolgreichen "Snowbound" (2018) und des von der Kritik gefeierten Films "The Chills: The Triumph And Tragedy Of Martin Phillipps' im Jahr 2019. "Es geht um künstlerische Integrität, Selbstverwirklichung, Selbstakzeptanz, und es ist eine Reflexion über Sterblichkeit." (The Guardian)

Jetzt, im Jahr 2021, zieht Phillipps Bilanz - über alles. Ja, alles. Das Ergebnis ist das triumphale neue Chills'-Album "Scatterbrain", eine nachdenklich stimmende Aufnahme von einem Mann, der gute und schlechte Zeiten erlebt hat.Eine reife und ehrliche Reflexion über das Leben, das Schicksal und die Geschicke unserer Zeit, vorgetragen in wunderschönen Melodien und mit Phillipps' typischer, prägnanter Wortwahl. Aus der Sicht eines Mannes, der sich seines Alters und seiner eigenen Sterblichkeit bewusst ist, wirft das neue Album einen reifen Blick auf die Dinge, die da kommen, durchaus mit Perspektiven. Scatterbrain" ist ein Leben, das vor Ihren Ohren vorbeizieht, während die Ungewissheit zunimmt und die Fake News weiter rumoren, während Aliens eindringen, Verlassenheit groß wirkt, Welten innerhalb der Welten sich auftun und die Sanduhr sich füllt.

Ein bahnbrechendes Album von einem der großen modernen Songwriter, es ist pure Popmusik für eine neue Normalität, spannend zu hören, wie all dies endet...oder weitergeht.

Begeisterndes Comeback

Was für eine Überraschung: Keine Geringeren als Crowded House kehren 2021 mit einem neuen Album zurück, dem ersten seit elf langen Jahren.

»Dreamers Are Waiting« heißt der Nachfolger von »Intriguer« aus dem Jahr 2010.

Aber bereits die erste Single, »To the Island«, zeigt: Die australisch-neuseeländische Band um den Sänger und Songwriter Neil Finn weiß immer noch mit ihrem Mix aus Indie- und Alternative Rock, Pop und New Wave zu begeistern.

Das Line-Up der Band auf »Dreamers Are Waiting« umfasst neben den Gründungsmitglieder Neil Finn und Nick Seymour den Produzenten und Keyboarder Mitchell Froom sowie Finns Söhne, den Sänger und Gitarristen Liam Finn und den Schlagzeuger Elroy Finn.

Fast hätten wir schon nicht mehr damit gerechnet. Umso schöner, dass sie zurück sind: Crowded House mit ihrem Comebackalbum »Dreamers Are Waiting«.

The first Crowded House album in 11 years can be seen as a homecoming of sorts. Standing alongside bassist Nick Seymour as always, Neil Finn welcomes his sons, Liam and Elroy Finn, as official members along with Mitchell Froom. The producer of the first three Crowded House albums is back to helm Dreamers Are Waiting in addition to playing keyboards in the group. This is a fairly dramatic shift from the Crowded House lineup who recorded Intriguer back in 2011, but the results wind up being richly textured and subtle, an album that finds its subdued groove quite early, then proceeds to find variations within it. The emphasis on quiet and space isn't far removed from Lightsleeper, the collaborative record Neil and Liam released in 2018, yet there's a heightened sense of songcraft here that makes the muted guitars, rounded riffs, and waves of keyboards embed tunes into the subconscious. Songwriting has long been a strength of Neil Finn, but the notable thing about Dreamers Are Waiting is how he's spread the songwriting wealth, collaborating with the full band on a couple of tracks, writing with both of his sons as well as his brother Tim, who once was in Crowded House, and also gives Liam a solo spotlight. The communal effort naturally emphasizes the group's communal voice, one that salutes and tweaks classic pop forms in equal measure. Echoes of loneliness float through Dreamers Are Waiting, but this isn't a melancholy album. The melodies are insistent, as are the dampened rhythms, giving this album a warm, palpable heartbeat that can be felt even if the record is all captured in soft focus. It's this gentle, reassuring touch that makes Dreamers Are Waiting a balm, an album that offers familiar comfort even if it doesn't precisely sound like any previous Crowded House record.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Während ihrer gesamten Karriere beherrschten Del Amitri die Kunst des zeitlosen, melodisch fokussierten Pop-Rock. Ihre Hits - darunter "Nothing Ever Happens", "Always The Last To Know" und "Roll To Me" - wurden zu internationalen Radioklassikern und trieben eine Karriere voran, die zu fünf britischen Top-10-Alben und 6 Millionen verkauften Alben führten.

Jetzt kehren Del Amitri mit der Veröffentlichung ihres siebten Studioalbums "Fatal Mistakes" über Cooking Vinyl zurück. Dies ist das erste Album seit 2002 und mit dem politischen "Close Your Eyes and Think of England" gibt es bereits jetzt den ersten Vorgeschmack.

"Close Your Eyes and Think of England", ist unser europäischer Abschiedsgruß, eine Ballade aus reiner Galle und Reue, versüßt mit einem Vorschlaghammer des Sarkasmus".

Frontmann Justin Currie kommentierte: "'Fatal Mistakes' wurde über drei Wochen im März in einem Landhaus im tiefsten England aufgenommen und ist das erste Studioalbum der Dels seit 'Can You Do Me Good'. Alle hatten eine gute Zeit. Es ist eine Sammlung bizarrer Geschichten von Vergiftungen, Bitten und bitterer Akzeptanz, angetrieben von Gitarren, Schlagzeug und Keyboards, die vollständig von dem Quintett gespielt wurden, nachdem sie 2014 und 2018 großartige Tourneen spielten."

Als sie sich der zweiten der beiden ausverkauften England-Tourneen näherten, begann das Kern-Duo der Band - Currie und Gitarrist Iain Harvie - neues Material zu schreiben. Die beiden erkannten, dass sie, ohne es zu erzwingen, einen Haufen Songs geschaffen hatten, die "sehr nach Del Amitri" klangen.

Vervollständigt durch Andy Alston (Tasten/Percussion), Kris Dollimore (Gitarre) und Ash Soan (Schlagzeug), nahmen Del Amitri diese Songs mit dem Produzenten Dan Austin (Biffy Clyro, You Me At Six) auf. Ihre naturalistische Herangehensweise bestand darin, Verstärker anzuschließen, anstatt Laptops hochzufahren, und sie spielten ihre Stärken in erster Linie aus, indem sie als fünfköpfige Band live aufnahmen.

Das Ergebnis ist der brillante Klang einer 35 Jahre jungen Band, die das tut, was sie am besten kann: melodische Rocksongs mit lyrischem Biss, seelenvollem Trost und herzerfrischendem Auftrieb. Und genau wie bei der Veröffentlichung ihres bahnbrechenden Albums "Waking Hours" hat man das Gefühl, dass dies ein Stil ist, den derzeit nur Del Amitri beherrschen.

Das hört man in dem Klagelied "Close Your Eyes And Think of England". Der Song hat diese unfassbare Hook von "It's Feelings", mit Curries gefühlvoll kratziger Stimme, die den Alternative Radio Vibe der 90er Jahre übertrifft. Und es schwingt mit im treibenden Power-Pop des Album-Openers "You Can't Go Back". Im Gegensatz dazu steht das zerbrechliche, schmerzerfüllte "Lonely", ein Song, der durch seine Leere lebt und mit Harmonien im CSNY-Stil gespickt ist. Dieser Song fühlt sich anders an, als alles, was die Band zuvor gemacht hat.