Ein ehrliches und empathisches Werk mit bemerkenswert warmem Vintage-Feeling.

Der amerikanische Singer/Songwriter Mark Olson ist der Inbegriff dessen, was man Alternative Country oder Americana zuordnet. Seit einiger Zeit lebt er am Rand der Mojave-Wüste, um unabhängig von kommerziellen Zwängen selbstbestimmt Musik zu machen.

Zusammen mit der norwegischen Sängerin und Multiinstrumentalistin Ingunn Ringvold, seiner Partnerin für Leben und Musik, veröffentlichte er 2014 das Album »Good-bye Lizelle«, dem der »Rolling Stone« einen »perfekt unperfekten, romantischen und lebensverliebten« Sound attestierte. Auch dessen lang ersehnter Nachfolger »Spokeswoman Of The Bright Sun« zeichnet sich durch zu Herzen gehende Einfachheit, Ehrlichkeit und Empathie aus.

Sämtliche Songs wurden von Mark und Ingunn mit ihrem Nagra Recorder aufgenommen und abschließend in John Schreiners (u. a. Hal Blaine) talentierte Hände übergeben, der dann Mix und Mastering übernahm und so einen entscheidenden Teil dazu beitrug, dass diese zehn poetischen Songs eine so einzigartige Wärme mit bemerkenswertem Vintage-Feeling verbreiten.

All das macht »Spokeswoman Of The Bright Sun« zu einem schlichtweg zeitlosen Werk, das nicht nur Freunden von Joni Mitchell, Graham Nash oder Chris Hillman gefallen wird.

Ein verlorener Schatz aus dem Young-Archiv

Seit einiger Zeit spukte es bereits als Gerücht durch Netz, jetzt ist es endlich Gewissheit: Neil Youngs »verlorenes« Album »Hitchhiker« gibt es 2017 als CD.

Aufgenommen hatte Young das Album bereits 1976, und zwar in den Indigo Ranch Studios in Malibu, Kalifornien. Den Titeltrack veröffentlichte der kanadische Rockmusiker schon 2010 auf seinem Album »Le Noise«.

»Hitchhiker« umfasst insgesamt neun Soloakustiksongs, die er in nur einer Session der Reihe nach einspielte.

Das Albumcover stammt von Youngs langjährigem Freund, dem Künstler Gary Burden, der unter anderem bereits Cover für Crosby Stills Nash and Young, Joni Mitchell, The Doors und The Eagles gestaltete.

Ein neuer verlorener Schatz aus dem Archiv der Folk- und Rocklegende: Hier ist Neil Youngs Album »Hitchhiker«.

Neil Young (...) nahm dieses Album 1976 in einer Vollmondnacht auf. (...) Erst jetzt holte Neil die Bänder wieder aus der Schublade. Warum so spät? Das Album ist atmosphärisch und interessant und nie im Leben eines seiner schwächeren.

(Audio, Oktober 2017)

Wie gewohnt erscheint das neue alte 2017er Album des ewigen Querkopfs (und Schrecks eines jeden Vertriebsverantwortlichen) mit höchst überschaubarer Vorlaufzeit, was allen Plattenfirmen-Mit- und -Zuarbeitern jeglicher Möglichkeit zur Vorarbeit beraubt. Aber in der Veröffentlichungswelt des alten Rock-Recken gelten ohnehin andere Gesetze und seine treue Anhängerschaft hat sich über Jahrzehnte an die Eigenheiten des Eigenbrötlers gewöhnt, zumal er seinen Jüngern auch immer wieder besondere Bonbons schenkt wie diese 1976er Solo-Akustik-Studio-Aufnahme, die bis heute nicht das Licht der offiziellen Veröffentlichung erleben durfte. Mit einer Zehn-Song-Sammlung im Gepäck und ausgerüstet mit einer Akustischen Gitarre und einer Mundharmonika (wobei er beim letzten Song The Old Country Waltz zum Piano wechselt) betrat der Singer-Songwriter am 11. August 1976 die Indigo Studios in Malibu, um dort den mitgebrachten Weisen eine erste finale Form zu geben (die sich von ihren späteren Erscheinungsbildern zum Teil aber erheblich unterschieden). Vor allem die später auf Rust Never Sleeps Crazy Horse-heftig ins Gehör gepressten Pocahontas, Powderfinger und Ride My Llama erlebten hier ihre faszinierende akustisch-intensive Studio-Geburt, wohingegen Human Highway schon vergleichsweise nah an der Comes A Time-gewohnten Fassung den Hörer berührt. Unter den mit leichter Hand gespielten Alt-/Neu-Versionen stechen zwei bislang unveröffentlichte Songs in Auge und Ohr, wobei sich aber sowohl Hawaii als auch Give Me Strength nahtlos ins ewig junge Young-Repertoire einfügen. Eine Archiv-Schatz-Hebung, die sich nachhaltig lohnt.

(cpa, www.glitterhouse.com)

Recorded over the course of one lazy, stoned day in Malibu in 1976, Hitchhiker was never bootlegged, unlike Homegrown and Chrome Dreams, its unreleased cousins from the mid-'70s. Neil Young first let its existence be known in 2014, when he mentioned a 1976 solo acoustic session recorded with longtime producer David Briggs that was "a complete piece." Most of the songs from that complete piece drifted out in different versions over the years, starting with the appearance of "Campaigner" on 1977's Decade -- the only time a song from this session saw the light of day prior to its complete release in 2017 -- running through three songs on Rust Never Sleeps and ending in 2010, when "Hitchhiker" showed up on Le Noise. At the time of the release of that Daniel Lanois-produced record, Young claimed that "Hitchhiker" was left "unfinished" until 2010, but any longtime Young watcher knows he's at his best when he doesn't tie up loose ends, which is one of the reasons Hitchhiker is compelling. Although Young is correct when he claims Hitchhiker is a "complete piece" -- it sustains a dusky sweetness from beginning to an end -- it is certainly not a polished album. Often, it feels as if Young is singing with no intention of his music being heard by a wider audience, but the presence of Briggs at the board means this doesn't sound like a ragged demo. Instead, Hitchhiker holds together as a mood piece, an album where Young slowly reckons with a new dawn after surviving a hectic mid-'70s. It is the epilogue to his "Ditch Trilogy," the descent into darkness that began with 1973's Time Fades Away and ended with 1975's Tonight's the Night, an album where the melancholy undercurrent never overwhelms the suggestion of cautious optimism. This delicate tone is what separates Hitchhiker from the shelved Chrome Dreams or Rust Never Sleeps, the two records that rely so heavily on shared material with this album. Those records are assured and confident, the work of somebody who has shaken off the ghosts who were stalking him. On Hitchhiker, Young still isn't certain if he's exorcized those demons, and that unease gives just enough complexity to the album's soothing ebb and flow.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Spektakulär! Ein psychedelisch-hypnotischer Trip, der Raum und Zeit vergessen lässt.

Der US-amerikanische Bassist, Multiinstrumentalist und Komponist Joshua Abrams stammt aus Chicago, Illinois. Er ist einer der aktivsten Musiker seiner Heimat: ohne Übertreibung war er an der Einspielung Hunderter Platten beteiligt, unter anderem für Bonnie "Prince" Billy, Peter Brötzmann, Prefuse 73, Damo Suzuki und Fred Anderson. Nebenbei komponierte er Soundtracks, bildete zusammen mit Matana Roberts und Chad Taylor das Jazztrio Sticks & Stones und spielte von 1998 bis 2006 mit Ben Vida, Liz Payne und Jim Dorling in der Band Town & Country.

Dass er neben Jazz, Rock, Folk und Country auch ein Händchen für Weltmusik hat, unterstreicht sein Engagement für die Natural Information Society. Die Formation gründete Abrams für die Produktion seiner herausragenden, bei Michael Ehlers Label Eremite veröffentlichten Alben "Natural Information" und "Represencing". Dort auch erscheint "Simultonality", zumindest in Übersee, denn für dessen Europa-Release ist das noch junge Glitterbeat-Sublabel tak:til zuständig.

Die rhythmischtreibenden Songs entstanden bereits in den Jahren 2014/15. Sie verbinden die introspektive Kraft des afroamerikanischen Free Jazz mit minimalem US-Folk, krautrockigen Sounds und den Klängen der dreisaitigen, im Maghreb populären Kastenhalslaute Gimbri zu einem psychedelisch-hypnotischen Trip, der Raum und Zeit vergessen lässt.

Gitarrist David Rawlings lässt für sein drittes Album »Poor Davids Almanack« den Spitznamen »Machine« hinter sich. Das Album ist ein ironischer Mix aus akustischen und elektrisch verstärkten Performances in zeitloser amerikanischer Umgangssprache.

Ken Scott und Matt Andrews hielten zehn neue Songs analog auf Band fest, die während einer ausgelassenen, einwöchigen Session im Woodland Sound Studio in Nashville, Tennessee entstanden. David Rawlings und seine langjährige musikalische Partnerin Gillian Welch trafen sich mit Willie Watson, Paul Kowert, Brittany Haas, Ketch Secor und Taylor und Griffin Goldsmith, um ein Album für alle Gelegenheiten aufzunehmen.

Das Album ist der Nachfolger des verträumten Folk-Pop-Albums »Nashville Obsolete« aus dem Jahr 2015 und ist die achte gemeinschaftlich produzierte Arbeit von Rawlings und Welch.

David Rawlings ist ein erstaunlicher Gitarrist. ... [ein] großer Musiker und Songschreiber, der mit seiner Partnerin Gillian Welch ein tolles Werk nach dem anderen herausbringt.

(Audio, Oktober 2017)

Ein stilles Kunstwerk

Mit dem verträumt-folkigen »Call It Dreaming« hat Sam Beam alias Iron & Wine bereits im Juni 2017 sein neues Album angekündigt. Im Juli folgte mit »Thomas County Law« Single Nummer zwei. Jetzt ist auch »Beast Epic« endlich in den Startlöchern.

Nach zwei Kollaborationsalben ist Beam auf seinem mittlerweile sechsten Album wieder solo zu hören, zumindest was den Gesang angeht. Als Musiker unterstützten Rob Burger (Keyboard), Joe Adamik (Percussion), Jim Becker (Gitarre, Banjo, Violine, Mandoline), Sebastian Steinberg (Bass) und Teddy Rankin Parker (Cello). Songwriting und Produktion übernahm der Musiker jedoch komplett selbst.

Aufgenommen hat Iron & Wine alle elf Songs von »Beast Epic« im Loft Studio in Chicago zusammen mit Tim Schick. Das Mastering übernahm Richard Dodd in Nashville, Tennessee.

Das Ergebnis ist ein Album, das die typische Iron-&-Wine-Signatur trägt: »Beast Epic« ist ein wunderbar stilles und melancholisches Kunstwerk.

Neben der Standard-CD und einer LP-Version gibt es »Beast Epic« zudem als Deluxe-Edition mit zwei farbigen LPs, einer roten und einer blauen. Die zweite LP enthält zusätzliche Demos.

... ein Wunderwerk an schierem Wohlklang ...

(Stereo, Oktober 2017)

New Jazz meets Rock Supergroup honors The Hudson Valley’s creative spirit, inspiring original music and creative takes on Bob Dylan, Joni Mitchell, Jimi Hendrix and The Band

New York’s idyllic Hudson River Valley has been a rich source of inspiration for many millennia, from its rich sacred and artistic native American heritage, to the rise of the 19th century Hudson River School (America’s first recognizable non-native school of art) to the folk and rock movement that led to the era-defining Woodstock Festival of 1969, to Pete Seeger’s Clearwater movement and the burgeoning locavore movement with its craft wineries, breweries and wide spread indie arts and craft scene the area is home to more artists per-capita than any other area in the country, including New York City. Now, the next chapter in that remarkable history arrives in the form of Hudson, an awe- inspiring new collective that brings together four of the world’s most influential jazz musicians who are writing a new chapter in the marriage of jazz and rock which began with Miles Davis in the 1970s.

On their own, drummer Jack DeJohnette, bassist Larry Grenadier, keyboardist/organist John Medeski and guitarist John Scofield can each boast careers that are stunning in their diversity and reach, building impressive audiences across a wide range of genres and styles from jazz to rock and beyond. Together they comprise the rare supergroup worthy of the name. What’s brought them together is not just their similarly adventurous and virtuosic music, but a shared love for the scenery and spirit of the Hudson River Valley, which all four call home.

The group’s extraordinary self-titled debut, Hudson (out June 9 via Motéma Music), strikingly captures the atmosphere and beauty of the region while celebrating the extraordinary music that has emerged from it. Mixing original music with thrilling renditions of world-famous songs by the likes of Bob Dylan, Joni Mitchell, Jimi Hendrix and The Band’s Robbie Robertson, Hudson has created an album as spectacular and breathtaking as the Hudson Valley itself. The prolific foursome first came together in 2014 at the Woodstock Jazz Festival. The collective immediately recognized their electrifying chemistry and agreed that the project needed to continue. Not that most were strangers to one another: DeJohnette and Scofield first played together nearly four decades ago and have since combined forces in their co-led Trio Beyond as well as in Herbie Hancock’s ground breaking New Standards ensemble. Guitar-master Scofield, equally adept at soulful jazz and R&B has recorded four albums with Medeski Martin & Wood, the trio known for melding the jazz and jam band worlds, while Grenadier has played with all three in different contexts. Adding to the fun, they spend this year celebrating the 75th birthday of NEA Jazz Master and GRAMMY®-winner DeJohnette.

Just a two hour drive but a world away, the Hudson Valley has long provided a retreat for those looking to maintain a lifeline to Manhattan’s vibrant metropolis but a lifestyle apart from its frenetic pace, its combination of scenic splendor and easy access to the city’s cultural hub making it an ideal source of respite and inspiration for artists. “All of us built our careers in the city and then moved out to the Hudson Valley to raise our kids and have a home,” Scofield says, who is coming off consecutive GRAMMY® Award wins in 2016 and 17. “One thing that we all have in common is that although we’re urban musicians, we left the city to live in nature.”

DeJohnette moved to the Valley in the early ‘70s, enticed by members of the Paul Butterfield Blues Band, who pulled up stakes not long after while DeJohnette stayed. Relative newcomers Medeski and Grenadier both made the move in the early 2000s. “A lot of creative energy was going on up here at that time,” DeJohnette says of his early days. “I got a chance to get to know all the members of The Band and was a big fan of their music. Their tunes take me back to when I was a kid coming up in Chicago and listening to all kinds of music. There’s a lot of cultural history in that music.” “This area has been a place for musicians to come to retreat,” Medeski says. “There’s performing, but there’s also writing and practicing and growing and going deeper. Traditionally people have come to this environment to search and grow. To woodshed.” Grenadier concurs with the idea of the valley as a place not to play so much as to recharge and absorb the lessons learned on stages elsewhere. “People seem to come up here to have some quiet and soak up everything that they’ve taken in from living in the city and touring,” he says. “The atmosphere that Jack described in the ‘70s still exists, in that there’s a real cultural awareness and creative energy that exists in all aspects of life around here, so I think it attracts the artistic spirit.”

Hudson conjures that spirit in a variety of stirring ways, from the blues-reggae feel of Dylan’s “Lay Lady Lay” to the meditative vibe of Mitchell’s “Woodstock” to the New Orleans swing of The Band’s “Up On Cripple Creek.” Hudson’s originals cover territory including the electric abstract organic funk of their collectively improvised namesake track, the simmering, Latin-accented groove of Sco’s “El Swing,” and the defiant “Dirty Ground,” featuring DeJohnette’s moving, earthy vocals. The closer, “Great Spirit Peace Chant,” pays tribute to the Native American tribes that were the first to settle the area, with the whole band joining in with chants, percussion and wood flutes.

The album was recorded, at Scott Petito’s NRS Recording Studios, nestled between the Catskill Mountains and the Hudson River and sharing the welcoming feel of the valley’s homes. “Being up here in the mountains where you have some peace and tranquility, in a small, intimate room, the spiritual bond was definitely there,” DeJohnette says. “We didn’t feel stressed about recording. It was relaxed, so the music comes out that way. It has spirit and intensity and presence, but it also has a calm as well.”

Pastoral yet exhilarating, gorgeous yet thrilling, historic yet intimate, serene yet inspiring: these are the elements that make the Hudson Valley an ideal destination and Hudson a landmark recording.

(www.motema.com)

Jack DeJohnette gibt den Buddy Miles, und John Scofield bohrt sich mit seinem markanten Gitarrensound (...) in die Ohren. (...) John Medeski an der Orgel, Fender und Piano und Larry Grenadier am Bass liefern den brodelnden Groove für dieses Projekt (...).

(Stereo, September 2017)

Das Resultat des Treffens klingt grundlegend, dekonstruierend und kommentierend, swingend und funky, humorvoll und ehrfürchtig. Eine starke Mischung starker Charaktere.

(Audio, September 2017)

Die All-Star-Band knüpft nahtlos an die Epoche von Hendrix und Santana an. In Zeiten, in denen uns Hip-Hop-getriebener Disco-Jazz als Zukunft des Jazz verkauft wird, ein starkes Statement.

(›Empfehlung des Monats‹ in Fono Forum, September 2017)

»Treffen sich vier Giganten, kommt gigantische Musik heraus. So einfach ist es nicht immer. Bei ›Hudson‹ schon.« (Rondo, August 2017)

The War On Drugs noch tiefer in der eigenen Materie

Schon bei ihrem letzten Album »Lost In The Dream« haben The War On Drugs die Messlatte des Indierocks erstaunlich hoch gelegt. 2017 tun sie es erneut, mit ihrem neuen, mittlerweile vierten Studiowerk »A Deeper Understanding«.

Mehr als drei Jahre experimentierte Mastermind Adam Granduciel dafür in verschiedenen Studios in New York und Los Angeles, schrieb neue Songs und nahm sie auf. Dabei arbeitete er eng mit seinen Bandkollgen David Hartley (Bass), Robbie Bennett (Keyboard), Charlie Hall (Schlagzeug) sowie den Multiinstrumentalisten Anthony LaMarca und Jon Natchez zusammen.

Herausgekommen sind dabei zehn brandneue Songs, darunter die Auskopplung »Thinking Of A Place« sowie die erste offizielle Single »Holding On«. Beide Song machen deutlich, dass The War On Drugs auf »A Deeper Understanding« ihrem unverkennbaren Signature-Sound treu bleiben, auch wenn sie dabei scheinbar noch tiefer in die Materie einsteigen.

Und so handelt es sich auch bei der neuen Platte wieder um eine beeindruckende Mischung aus Indierock und Americana, synthesizerlastigem Psychedelic Rock und 80er-Jahre-Dream-Pop.

The War On Drugs haben einfach ein tief greifendes Verständnis für Musik. »A Deeper Understanding« heißt der Beweis.

+ Eric Bibb, Till Brönner, Lars DK Danielsson u.a.

Stockholm Underground ist eine Hommage an den berühmten Jazz-Flötisten und angelehnt an dessen legendäres Album Memphis Underground von 1969, das der US amerikanische Rolling Stone 2013 unter die »100 besten Jazz-Alben aller Zeiten« wählte. Die Schlüsselfigur dieses Projekts freilich ist Magnus Lindgren, ein Aushängeschild der Jazz-Szene Stockholms und vermutlich der beste Jazz-Flötist den Europa derzeit zu bieten hat. Lindgren ist prädestiniert für die weichen Linien, den aspirierten Ton und die zusammen mit der Stimme im Multiphonics-Stil erklingenden Passagen, die für Herbie Manns Instrumentalstil so typisch sind.

Die lässige »Sweet Soul Music« des 2003 verstorbenen Herbie Mann wird hier in die Gegenwart geholt; dieser jazzige, mit einer starken, von seinen Brasilien-Reisen inspirierten, Latin-Note unterlegte Rhythm'n'Blues.

Auf Stockholm Underground hat sich an Gitarre, E-Bass und Schlagzeug die heute weit über Skandinavien hinaus verehrte Urbesetzung von Nils Landgrens Funk Unit versammelt, die bereits Mitte der 90er bewies, dass Groove und Soul nicht nur von Amerikanern, sondern auch von Europäern gespielt und weiterentwickelt werden kann. Dazu kommt am Fender Rhodes Daniel Karlsson. Hier sind sie das schwedische Gegenstück zu den legendären Memphis Boys, jene Studioband des American Sound Studio, die Hits von Elvis Presley, Aretha Franklin und eben Manns Memphis Underground einspielte und damit Musikgeschichte schrieb.

Und so ist Stockholm Underground nicht nur eine Verbeugung vor einem der erfolgreichsten Jazzmusiker der 1970er Jahre, sondern auch die passgenaue, moderne Wiederaufnahme seines Memphis-Soul-Jazz – mit schwedischer Coolness fortgeführt.

... ein zurückgenommen groovendes Album, das den Memphis Sound an die schären Stockholms überführt

(GALORE 08 / 2017)

»Dark Matter« ist nach neun Jahren der Nachfolger zum viel beachteten Album »Harps And Angels« von 2008, das der Guardian seinerzeit für seine »prächtigen Melodien, sein verheerendes Pathos und seine dornigen und ironiegetränkten Charakterbeschreibungen« lobte und es das »Werk eines wahren Meisters der volksnahen Songs« nannte.

Zu den Ehrungen, die Randy Newman im Laufe der Jahre empfangen konnte, gehören sechs Grammys, drei Emmys und zwei Oscars. 2002 wurde er in die Songwriters Hall Of Fame aufgenommen, 2013 folgte die Aufnahme in die Rock'n'Roll Hall Of Fame. Im selben Jahr erhielt er den Ivor Novello PRS for Music Special International. Jüngst, im Juni 2014, wurde ihm der Song Lyrics of Literary Excellence Award durch die PEN-Sektion New England verliehen.

»Dark Matter« wurde in Los Angeles aufgenommen und von den langjährigen Newman-Vertrauten Mitchell Froom, Lenny Waronker und David Boucher produziert. Die neun Songs des Albums umfassen unter anderem den Song Putin der bereits 2016 digital erschien, sowie Songs über die Kennedybrüder, über Sonny Boy Williamson, die Auseinandersetzung zwischen Wissenschaft und Religion, über Liebe und Verlust und vieles mehr.

Nach 31 Jahren auf Konzertreisen erwachte der ewige Live-Drummer Zwanie Jonson eines Morgens als Recording Artist um fortan nur noch seine eigenen Songs in seinem eigenen Studio aufzunehmen. Eine glückliche Fügung, eine hörbare Befreiung!

Dabei hätte das Leben auf Tournee immer weitergehen können: Magic, Sammy's Saloon, The Sunsets, Disjam, Die Fantastischen Vier, Veranda Music, Fink, Wolf Maahn, Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen, Pascal Finkenauer, Helen Schneider, Fettes Brot… – für all diese Bands und Musik-KollegInnen hat ZJ irgendwann getrommelt und schenkte ihnen den unbezahlbaren Live sind die ja noch viel besser als auf Platte-Bonus. Aber Zwanie erklärte die Never Ending-Tour für abgespielt. Und jetzt?

Die Antwort gibt ein neuer Songtitel: Easy all alone! Zwanies Talent als Multi-Instrumentalist, Sänger, Songwriter, Texter, Arrangeur, Engineer und Produzent kommt auf der Pop-Platte Eleven Songs For A Girl endlich in voller Würde zum Tragen. Eine strahlende Liebeserklärung an das Leben mit der Unbekümmertheit eines Smokey Robinson und der Tiefe eines Marvin Gaye. Diese Dualität weiß naturgemäß auch Andreas Dorau zu schätzen.

Um es kurz zu machen: Zwanie Jonsons 11 Songs For A Girl ist eine leuchtende Erscheinung. Vielleicht die beste 2017 so far.

Zwanie hat wieder alles selbst und alles richtig gemacht auf seinem eleganten neuen Album.

(Audio, August 2017)

Qualität und Überraschungen

Sie werden einfach nicht müde: Nachdem die Chris Robinson Brotherhood erst im letzten Jahr mit »Any Way You Love, We Know How You Feel« und »If You Lived Here, You Would Be Home By Now« ein neues Album und eine EP veröffentlicht haben, folgt 2017 bereits das nächste Studiowerk der Bluesrocker.

»Barefoot In The Head« heißt das neue Album, auf dem die Band ihrer Mischung aus Country, Blues, Psychedelic Rock, Folk und Americana treu bleibt, und mit der sie seit Jahren fleißig neue Fans rekrutiert.

Außerdem zeigen Chris Robinson und seine Bruderschaft (Gitarrist Neal Casal, Schlagzeuger Tony Leone, Bassist Jeff Hill und Keyboarder Adam MacDougall) mit »Barefoot In The Head«, dass sie in den vergangenen Jahren als Band weiter gewachsen sind und ihr Songwriting mittlerweile perfektioniert haben.

Unterstützung bei der Umsetzung erhielten sie im Studio von Barry Sless an der Pedal-Steel-Gitarre sowie von Alam Khan, dem Sohn des berühmten indischen Musikers Ali Akbar Khan.

Drei Alben in zwei Jahren: Die Chris Robinson Brotherhood liefert nicht nur regelmäßig neuen Output, sondern immer auch Qualität und Überraschungen. »Barefoot In The Head« ist ihr neuester Geniestreich.

Erstes Album seit 20 Jahren: Der Sänger der Only Ones überrascht mit einem neuen Album voller Pop-Preziosen und einer Stimme, die Lou Reed zum Verwechseln ähnlich ist.

Heutzutage suchen wir nach verlässlichen Figuren in der Welt. Zum Glück gibt es Peter Perrett. Auf das britische Musik-Urgestein war schließlich schon in den späten 70ern Verlass. Damals bescherte er mit der Band The Only Ones der Londoner New Wave Bewegung den Hit »Another Girl, Another Planet«, drei Alben und ganz viel Inspiration. Letzteres wussten vor allem die Kritiker. Und trotzdem gelang der Band niemals der totale Durchbruch.

Danach blieb es über ein Jahrzehnt ruhig um Perrett. Seinem Drogenmissbrauch folgte das Abtauchen und dann die Mystifizierung seiner Person. Nach zwei Solo-Gehversuchen 1996 und 2001 brach er 2015 zu einer kleinen Tour auf. Dort performte er seit langem auch wieder neue Songs. Nun meldet sich der heute 65-jährige mit dem neuen Solo-Album »How The West Was Won« zurück. Wer The Only Ones kennt, wird wissen, dass Perrett schon früh Anleihen aus dem US-Rock'n'Roll mit New Wave und britischer Schnauze einzigartig vermischen konnte.

Durchflossen von neuem Elan hat er gleich einen Hit genau dieser Couleur mitgebracht: den Albumtiteltrack. Von The Replacements bis hin zu Violent Femmes, Peter Perretts Musik hat den Sound vieler darauffolgenden Bands mitgeprägt. 2017 feiert er das Comeback, das keiner kommen sah.

»Wintres Woma« – Altenglisch für »der Klang des Winters« – ist James Elkingtons Debüt-Solo-Album und zu gleichen Teilen von britischem Folk- und Avant-Rock sowie Jazz-Traditionen beeinflusst. Auf sein meisterhaftes Gitarrenspiel und sein Faible für geniale Arrangements haben sich schon Jeff Tweedy, Richard Thompson, Steve Gunn, Michael Chapman, Joan Shelley, Nathan Salsburg und Brokeback verlassen, als sie mit Elkington aufgenommen oder anderweitig zusammengearbeitet haben.

Der in Chicago lebende Engländer bringt bei solchen Kollaborationen seine lyrische, kompositorische und improvisatorische Sensibilität mit ein. »Wintres Woma« wurde innerhalb von fünf Tagen mit Toningenieur Mark Greenberg in »The Loft« aufgenommen, dem Studio von Wilco. Elkington spielte und arrangierte alle Instrumente und wurde dazu noch von einigen von Chicagos besten Musikern unterstützt, darunter die Ausnahme-Cellistin Tomeka Reid und Jazz-Schlagzeuger Tim Daisy (Ken Vandermark 5).

Freunde der Musik von Steve Gunn, Michael Chapman, Kevin Ayers, Bert Jansch, Ryley Walker, Jim O'Rourke, Scott Walker, Nick Drake und Talk Talk werden »Wintres Woma« zu schätzen wissen.

Drawing from British folk, avant-rock, and jazz traditions alike, Wintres Woma – Old English for »the sound of winter« – is James Elkington's debut solo record, but you've likely heard his masterful guitar playing and arranging, even if you didn't realize it.

Elkington (an Englishman living in Chicago) is an inveterate collaborator who brings his lyrical compositional and improvisational sensibilities to any group. He has toured, recorded, and / or collaborated with Jeff Tweedy, Richard Thompson, Steve Gunn, Michael Chapman, Joan Shelley, Nathan Salsburg and Brokeback, to name just a few of his many enthusiastic admirers.

His assured album, recorded at Wilco's Loft, is baroquely detailed and beautifully constructed, featuring both his baritone vocals and some of Chicago's finest, including Tomeka Reid. RIYL Steve Gunn, Michael Chapman, Kevin Ayers, Bert Jansch, Ryley Walker, Jim O'Rourke, Scott Walker, Talk Talk. »Jim is a great guitarist and a tremendous, empathetic listener. (Richard Thompson)

Ein sehr schönes, sehr edles Album.

(Glitterhouse)

ein filigran instrumentiertes, überraschend kühles Folk-Album (...) Auf ›Wintres Woma‹ verbindet Elkington also die Post-Rock-Tradition seiner Wahlheimat Chicago mit der Folktradition seiner britischen Heimat – und im letzten Stück, ›Any Afternoon‹, evoziert er durch mellotronartige Klänge auch noch Caravan, Robert Wyatt und den Sound von Canterbury. Bringing it all back home.

(Rolling Stone, **** 4 / 5)

Geschichten um den Santa Ana Wind kennt jedes Kind, nur die norwegische Americana-Band Sugarfoot, um den Motorpsycho-Basser, kennen noch viel zu wenige!

Santa-Ana-Winde sind Fallwinde, die im Großen Becken zwischen den Rocky Mountains und der Sierra Nevada entstehen, genau dort sind auch erneut die Songs zum neuen Album entstanden, genauer gesagt im Rancho De La Luna-Studio im Joshua Tree-Valley.

Diese Gegend atmet Gram Parsons und seine Musik geradezu, so dass Sugarfoot noch wachsam genug bleiben mussten, um die Backporch-Sessions auf der Ranch in packende Songs münden zu lassen. Mit ›Hungry Man‹, ›All tied up‹ und ›Snakes&Ladders‹ sind ihnen schonmal Hymnen für die Ewigkeit gelungen.

Die Münchner Formation Das Band kennt sich gut mit Vergleichen aus, denn schon ihr Debüt »Also Gut« wurde 2015 wahlweise mit The Fall, Wanda, Tocotronic, Velvet Underground und noch rund 23 anderen Bands verglichen.

Das dürfte auch beim zweiten Album »Eine andere Option« nicht anders werden. Man kann bei diesem Spiel mitmachen und sagen: Das Band hören sich an wie Blumfeld minus Kirchentag mal Borderline-Syndrom. Nichts davon ist falsch, zeigt aber nur, dass hier eine Gruppe einer Formel auf der Spur ist, die sich schwer einordnen lässt. Dabei ist es ganz einfach: Philipp Benke (Gesang, Gitarre), Mic Haarnagell (Bass, Gesang) und Thomas Bärnthaler (Schlagzeug) bilden eine deutsche Rockband, die sich durchaus einer Tradition verpflichtet fühlt.

Die gereizte, kantige Grundstimmung ist am Postpunk der 1970er- und 80er-Jahre geschult – die Ironie und das Spiel mit der Uneigentlichkeit ebenfalls. Hinter Benkes stoischem Lausbubencharme versteckt sich etwas zutiefst Münchnerisches – nämlich die Gewissheit, dass gegen die Zumutungen des Alltags nur die tägliche kleine Rebellion hilft. Dabei geht der Sound direkt in Hirn, Herz und Beine. Mal frei flottierend, mal federnd groovend, mal stoisch-widerborstig.

Die Singer/Songwriterin Kathryn Williams wurde 1974 in Liverpool geboren. Als kleines Mädchen lernte sie Klavier spielen, zu Schulzeiten kam die Gitarre dazu. Ihre Einflüsse sind weit gespannt und reichen von klassischer und kubanischer Musik über Nina Simone, Joni Mitchell, Nick Drake, Bob Dylan und John Lennon bis hin zu Velvet Underground. Für ihren künstlerischen Werdegang waren insbesondere PJ Harvey und Nick Cave von Bedeutung.

1999 gründete Williams ihr eigenes Label Caw Records, auf dem sie im selben Jahr das Debüt »Dog Leap Stair« herausbrachte, das ihr einen ersten Achtungserfolg bescherte. Der Durchbruch gelang Williams im Jahr darauf mit dem zweiten Album »Little Black Numbers«, mit dem sie für den Mercury Award nominiert wurde. Der Langspieler verkaufte sich über 30.000 Mal. Seit 2009 und dem Album »The Quickening« veröffentlicht Williams beim Londoner Label One Little Indian.

»Songs From The Novel Greatest Hits« ist als Soundtrack zur Buchveröffentlichung »Greatest Hits« konzipiert. Der Roman stammt von der Autorin Laura Barnett, die mit ihrem Debütwerk »Drei mal wir« einen internationalen Bestseller landete. »Greatest Hits« thematisiert das Leben der fiktionalen Sängerin Cass Williams. (Die Namensgleichheit scheint wohl ein Zufall zu sein.) Beide Werke kommen parallel heraus. Unterstützung bei den 16 Songs erhielt Williams von ihrer Schwester Michele Stodart.

(gefunden bei jpc.de)

Anmerkungen des Wippmeisters: Die fiktionale Sängerin im Roman heisst Cass Wheeler: also gibt es gar keine "zufällige Namensgleichheit". Und Michelle Stodart ist nicht Kathryns Schwester, sondern die vom Produzenten Romeo Stodart. Beide Geschwister sollte man eigentlich noch von der Magic Band kennen, die sie mit ihrem Onkel Captain Beefheart hatten. Oder hiess die Band doch Magic Numbers und war ganz ohne einen Kapitän? Fragen über Fragen ...