Erstes Album seit 20 Jahren: Der Sänger der Only Ones überrascht mit einem neuen Album voller Pop-Preziosen und einer Stimme, die Lou Reed zum Verwechseln ähnlich ist.

Heutzutage suchen wir nach verlässlichen Figuren in der Welt. Zum Glück gibt es Peter Perrett. Auf das britische Musik-Urgestein war schließlich schon in den späten 70ern Verlass. Damals bescherte er mit der Band The Only Ones der Londoner New Wave Bewegung den Hit »Another Girl, Another Planet«, drei Alben und ganz viel Inspiration. Letzteres wussten vor allem die Kritiker. Und trotzdem gelang der Band niemals der totale Durchbruch.

Danach blieb es über ein Jahrzehnt ruhig um Perrett. Seinem Drogenmissbrauch folgte das Abtauchen und dann die Mystifizierung seiner Person. Nach zwei Solo-Gehversuchen 1996 und 2001 brach er 2015 zu einer kleinen Tour auf. Dort performte er seit langem auch wieder neue Songs. Nun meldet sich der heute 65-jährige mit dem neuen Solo-Album »How The West Was Won« zurück. Wer The Only Ones kennt, wird wissen, dass Perrett schon früh Anleihen aus dem US-Rock'n'Roll mit New Wave und britischer Schnauze einzigartig vermischen konnte.

Durchflossen von neuem Elan hat er gleich einen Hit genau dieser Couleur mitgebracht: den Albumtiteltrack. Von The Replacements bis hin zu Violent Femmes, Peter Perretts Musik hat den Sound vieler darauffolgenden Bands mitgeprägt. 2017 feiert er das Comeback, das keiner kommen sah.

»Wintres Woma« – Altenglisch für »der Klang des Winters« – ist James Elkingtons Debüt-Solo-Album und zu gleichen Teilen von britischem Folk- und Avant-Rock sowie Jazz-Traditionen beeinflusst. Auf sein meisterhaftes Gitarrenspiel und sein Faible für geniale Arrangements haben sich schon Jeff Tweedy, Richard Thompson, Steve Gunn, Michael Chapman, Joan Shelley, Nathan Salsburg und Brokeback verlassen, als sie mit Elkington aufgenommen oder anderweitig zusammengearbeitet haben.

Der in Chicago lebende Engländer bringt bei solchen Kollaborationen seine lyrische, kompositorische und improvisatorische Sensibilität mit ein. »Wintres Woma« wurde innerhalb von fünf Tagen mit Toningenieur Mark Greenberg in »The Loft« aufgenommen, dem Studio von Wilco. Elkington spielte und arrangierte alle Instrumente und wurde dazu noch von einigen von Chicagos besten Musikern unterstützt, darunter die Ausnahme-Cellistin Tomeka Reid und Jazz-Schlagzeuger Tim Daisy (Ken Vandermark 5).

Freunde der Musik von Steve Gunn, Michael Chapman, Kevin Ayers, Bert Jansch, Ryley Walker, Jim O'Rourke, Scott Walker, Nick Drake und Talk Talk werden »Wintres Woma« zu schätzen wissen.

Drawing from British folk, avant-rock, and jazz traditions alike, Wintres Woma – Old English for »the sound of winter« – is James Elkington's debut solo record, but you've likely heard his masterful guitar playing and arranging, even if you didn't realize it.

Elkington (an Englishman living in Chicago) is an inveterate collaborator who brings his lyrical compositional and improvisational sensibilities to any group. He has toured, recorded, and / or collaborated with Jeff Tweedy, Richard Thompson, Steve Gunn, Michael Chapman, Joan Shelley, Nathan Salsburg and Brokeback, to name just a few of his many enthusiastic admirers.

His assured album, recorded at Wilco's Loft, is baroquely detailed and beautifully constructed, featuring both his baritone vocals and some of Chicago's finest, including Tomeka Reid. RIYL Steve Gunn, Michael Chapman, Kevin Ayers, Bert Jansch, Ryley Walker, Jim O'Rourke, Scott Walker, Talk Talk. »Jim is a great guitarist and a tremendous, empathetic listener. (Richard Thompson)

Ein sehr schönes, sehr edles Album.

(Glitterhouse)

ein filigran instrumentiertes, überraschend kühles Folk-Album (...) Auf ›Wintres Woma‹ verbindet Elkington also die Post-Rock-Tradition seiner Wahlheimat Chicago mit der Folktradition seiner britischen Heimat – und im letzten Stück, ›Any Afternoon‹, evoziert er durch mellotronartige Klänge auch noch Caravan, Robert Wyatt und den Sound von Canterbury. Bringing it all back home.

(Rolling Stone, **** 4 / 5)

Geschichten um den Santa Ana Wind kennt jedes Kind, nur die norwegische Americana-Band Sugarfoot, um den Motorpsycho-Basser, kennen noch viel zu wenige!

Santa-Ana-Winde sind Fallwinde, die im Großen Becken zwischen den Rocky Mountains und der Sierra Nevada entstehen, genau dort sind auch erneut die Songs zum neuen Album entstanden, genauer gesagt im Rancho De La Luna-Studio im Joshua Tree-Valley.

Diese Gegend atmet Gram Parsons und seine Musik geradezu, so dass Sugarfoot noch wachsam genug bleiben mussten, um die Backporch-Sessions auf der Ranch in packende Songs münden zu lassen. Mit ›Hungry Man‹, ›All tied up‹ und ›Snakes&Ladders‹ sind ihnen schonmal Hymnen für die Ewigkeit gelungen.

Die Münchner Formation Das Band kennt sich gut mit Vergleichen aus, denn schon ihr Debüt »Also Gut« wurde 2015 wahlweise mit The Fall, Wanda, Tocotronic, Velvet Underground und noch rund 23 anderen Bands verglichen.

Das dürfte auch beim zweiten Album »Eine andere Option« nicht anders werden. Man kann bei diesem Spiel mitmachen und sagen: Das Band hören sich an wie Blumfeld minus Kirchentag mal Borderline-Syndrom. Nichts davon ist falsch, zeigt aber nur, dass hier eine Gruppe einer Formel auf der Spur ist, die sich schwer einordnen lässt. Dabei ist es ganz einfach: Philipp Benke (Gesang, Gitarre), Mic Haarnagell (Bass, Gesang) und Thomas Bärnthaler (Schlagzeug) bilden eine deutsche Rockband, die sich durchaus einer Tradition verpflichtet fühlt.

Die gereizte, kantige Grundstimmung ist am Postpunk der 1970er- und 80er-Jahre geschult – die Ironie und das Spiel mit der Uneigentlichkeit ebenfalls. Hinter Benkes stoischem Lausbubencharme versteckt sich etwas zutiefst Münchnerisches – nämlich die Gewissheit, dass gegen die Zumutungen des Alltags nur die tägliche kleine Rebellion hilft. Dabei geht der Sound direkt in Hirn, Herz und Beine. Mal frei flottierend, mal federnd groovend, mal stoisch-widerborstig.

Die Singer/Songwriterin Kathryn Williams wurde 1974 in Liverpool geboren. Als kleines Mädchen lernte sie Klavier spielen, zu Schulzeiten kam die Gitarre dazu. Ihre Einflüsse sind weit gespannt und reichen von klassischer und kubanischer Musik über Nina Simone, Joni Mitchell, Nick Drake, Bob Dylan und John Lennon bis hin zu Velvet Underground. Für ihren künstlerischen Werdegang waren insbesondere PJ Harvey und Nick Cave von Bedeutung.

1999 gründete Williams ihr eigenes Label Caw Records, auf dem sie im selben Jahr das Debüt »Dog Leap Stair« herausbrachte, das ihr einen ersten Achtungserfolg bescherte. Der Durchbruch gelang Williams im Jahr darauf mit dem zweiten Album »Little Black Numbers«, mit dem sie für den Mercury Award nominiert wurde. Der Langspieler verkaufte sich über 30.000 Mal. Seit 2009 und dem Album »The Quickening« veröffentlicht Williams beim Londoner Label One Little Indian.

»Songs From The Novel Greatest Hits« ist als Soundtrack zur Buchveröffentlichung »Greatest Hits« konzipiert. Der Roman stammt von der Autorin Laura Barnett, die mit ihrem Debütwerk »Drei mal wir« einen internationalen Bestseller landete. »Greatest Hits« thematisiert das Leben der fiktionalen Sängerin Cass Williams. (Die Namensgleichheit scheint wohl ein Zufall zu sein.) Beide Werke kommen parallel heraus. Unterstützung bei den 16 Songs erhielt Williams von ihrer Schwester Michele Stodart.

(gefunden bei jpc.de)

Anmerkungen des Wippmeisters: Die fiktionale Sängerin im Roman heisst Cass Wheeler: also gibt es gar keine "zufällige Namensgleichheit". Und Michelle Stodart ist nicht Kathryns Schwester, sondern die vom Produzenten Romeo Stodart. Beide Geschwister sollte man eigentlich noch von der Magic Band kennen, die sie mit ihrem Onkel Captain Beefheart hatten. Oder hiess die Band doch Magic Numbers und war ganz ohne einen Kapitän? Fragen über Fragen ...

Die ultimative Singles-Sammlung von Can

Der Name verrät es bereits: Mit »Can: The Singles « präsentiert Mute Records 2017 eine neue Sammlung mit den Singles der deutschen Avantgarde-Jazz-, Krautrock- und Psychedelic-Rock-Pioniere.

Bei allen 23 Tracks auf »The Singles« handelt es sich um die Original-Singleversionen. Einige davon waren bislang nur auf den ursprünglichen 7"-Vinyls erhältlich und über Jahre nicht mehr verfügbar.

Mit dabei sind Klassiker wie »Spoon«, »Moonshake«, »I Want More«, »Don’t Say No«, »Can Can«, »Hoolah Hoolah« und viele mehr.

Neben der Standard-CD ist »The Singles« zur Freude aller Schallplattenfans auch als besonderes 3-LP-Set im Tri-Fold-Cover erhältlich.

Ein absolutes Muss für alle Can-Jünger und Krautrockfans: die ultimative Sammlung »Can: The Singles«.

German art rock innovators Can were known for creating relentlessly experimental albums boiled down from endless improvisational sessions, but they possessed a keen sensibility for writing offbeat pop songs. They released a decent amount of 45s, all of which are collected in one place for the first time on The Singles. Even though some of these selections appeared in longer form on the group's seminal albums, here they're presented as three- or four-minute edits. In the case of tracks like Tago Mago's sprawling centerpiece "Halleluwah" or the lovely riverside drift of Future Days' title track, the single version distills them to their essence, concentrating on the moments with the heaviest grooves and most up-front vocals. Of course, Can's albums contained plenty of tracks that were obvious choices for singles, and tunes like the smooth, trippy "She Brings the Rain" and the immortal funk jams "Vitamin C" and "Mushroom" are among the most memorable and instantly appealing selections in the group's sprawling catalog. Two of the group's poppiest singles even managed to become genuine chart hits at the time of their release. The 1971 single "Spoon," which uniquely combined live drumming with a drum-machine pulse, reached the German Top Ten after it was featured as the theme song to a popular television program called Das Messer. A few years later, Can's cosmic disco single "I Want More" hit the U.K. Top 30, and even resulted in an appearance on the BBC's iconic Top of the Pops. Aside from songs like this, which are well known even to casual fans of the group, the collection contains a decent amount of rarities and lesser-known A-sides (particularly from the group's later, less canonical incarnations). Some of these are among the silliest pieces the group ever laid to tape. "Turtles Have Short Legs," a rare single from 1971, is particularly goofy, with Damo Suzuki giddily shouting over the song's supremely jaunty piano-led rhythm. There's also a curious instrumental rendition of the Christmas standard "Silent Night." Even more head-scratching is "Can Can," a swirling, athletic interpretation of the familiar Jacques Offenbach melody, and the novelty single "Hoolah Hoolah," from Can's late-'80s reunion album Rite Time (which featured the group's original vocalist, Malcolm Mooney). Songs like these are pretty trivial compared to the group's best work, but in the context of a run through the group's singles, they're harmless whimsy. For all of their serious, avant-garde inclinations, Can could be awfully fun to listen to, and this alternate universe hit parade is a sterling demonstration of the group at its most immediate, energetic, and enjoyable.

(by Paul Simpson, All Music Guide)

Die Musik auf diesem Album wurde für ein Projekt geschrieben, zu dem Motorpsycho als Teil einer Theater-Aufführung vom Trøndelag Theater im Herbst 2015 eingeladen wurden. Es handelt sich um das Stück »Begynnelser«. Das Spiel wurde von der unabhängigen Theatergruppe De Utvalgte geleitet, entworfen und dramatisiert, basierend auf einem neuen Text des norwegischen Autors Carl Frode Tiller.

Motorpsycho spielte bei jeder Aufführung mit einem erweiterten Line-Up. Es war ein langer Prozess und die Musik auf »Begynnelser« ist nicht in der Reihenfolge, in der sie im Stück verwendet wurde. Das Doppelalbum ist also mehr als ein Dokument dessen zu verstehen, das schließlich live umgesetzt, später als Soundtrack diente.

Fleet Foxes bleiben einzigartig

Sechs Jahre nach ihrem letzten Album »Helplessness Blues« veröffentlichen Fleet Foxes 2017 ein neues Album, ihr mittlerweile drittes. Auf »Crack-Up« macht das Quintett aus Seattle seinem persönlichen Genre »baroque harmonic pop jams« wieder einmal alle Ehre.

Und so liegt auch das neue Werk irgendwo zwischen psychedelischem Retropop der 1960er- und 1970er-Jahre, Folk und Indierock.

Wie das klingt, verrieten Fleet Foxes bereits im März mit der ersten Singleauskopplung von »Crack-Up«. In dem fast neunminütigen »Third Of May/Odaigahara« glänzt die Band mit Piano, elektrischer 12-saitiger Gitarre, Streichquartett und der gewohnt harmonisch-warmen Stimme von Sänger Robin Pecknold.

Insgesamt warten elf neue Songs auf »Crack-Up«, an dem zum ersten Mal auch der neue Schlagzeuger Morgan Henderson mitwirkte. Er stieß 2012 zur Band und ersetzt Joshua Tillman, der auch als Father John Misty bekannt ist.

Aufgenommen wurde das neue Album an verschiedenen Orten in den USA, darunter die Electric Lady Studios, Sear Sound, The Void, Rare Book Room, Avast und The Unknown. Gemixt wurde »Crack-Up« von Phil Ek (The Shins, Band of Horses, Mudhoney). Für das Mastering zeichnete Greg Calbi (Sterling Sound) verantwortlich.

Lange haben ihre Fans auf diesen Moment gewartet: Mit ihrem neuen Album »Crack-Up« bleiben sich Fleet Foxes treu und stellen 2017 einmal mehr ihre Einzigartigkeit unter Beweis.

Die Band aus Seattle wird dem Anspruch ›baroque harmonic pop jams‹ grandios gerecht.

(Audio, Juli 2017)

Following a lengthy hiatus and some apparent soul-searching from bandleader Robin Pecknold, Fleet Foxes aim for dramatic reinvention on their cerebral third LP, Crack-Up. When they debuted in 2008, they were widely designated as torchbearers of the burgeoning indie folk movement, but there was always an academic element to the Seattle band's work that vaulted them into a class of their own. Their exultant vocal harmonies rose like a misty hybrid of the Beach Boys and Steeleye Span and their complex chamber pop arrangements recalled the autumnal splendor of the Zombies paired with the melodic complexity of early Yes. On the band's long-awaited third effort, it's the latter of those two references that jumps to the fore as they deliver what is easily their most progressive album to date. Named for an essay by F. Scott Fitzgerald and bearing references to Spanish painter Francisco Goya, the American Civil War, sociopolitical anxiety, and inner-band strife, Crack-Up is dense and difficult, but ultimately rewarding. At the album's vanguard is "I Am All That I Need/Arroyo Seco/Thumbprint Scar," an ambitious three-part suite in which the familiar strains of Fleet Foxes' trademark wall of harmonies become suddenly hijacked by crudely mumbled interludes and various forms of rhythmic and tonal dissonance. It's a method employed throughout Crack-Up's 11 tracks, which seem to zig and zag through zones of chaos, fellowship, and transcendence as Pecknold the scholar unveils his strange architecture in layers of detail and nuance. That the nearly nine-minute centerpiece, "Third of May/Odaigahara," was chosen as the album's lead single says something about the availability of easily digestible material on Crack-Up, and yet its aspirations are the glue that holds it all together. Orchestral, experimental, and more challenging than either of the band's previous releases, it's a natural fit for the Nonesuch label, whose heritage was built on such attributes. For Fleet Foxes, it represents a shift away from their more idyllic early days into a period of artistic growth and sophistication.

(by Timothy Monger, All Music Guide)

Alternative Rock heute

Der ehemalige Sänger von The Jam und The Style Council, Paul Weller, meldet sich 2017 mit einem neuen Soloalbum zurück. »A Kind Revolution« heißt der Nachfolger zu »Saturns Pattern« aus dem Jahr 2015.

Knapp zwei Jahre arbeitete Weller an der Platte. Zwischendurch veröffentlichte er allerdings noch seinen ersten Soundtrack »Jawbone« zum gleichnamigen britischen Filmdrama.

Insgesamt zehn neue Songs hat der Sänger und Musiker für »A Kind Revolution« geschrieben und aufgenommen. Dafür ging es wieder einmal in die Black Barn Studios in Surrey. Unterstützung bei der Produktion und den Arrangements gab es von Jan »Stan« Kybert.

Mit »Long Long Road« und »Nova« stellte er bereits zwei Songs aus dem neuen Album vor. Beide zeigen: Der »Godfather of Britpop« weiß es noch immer, vielfältige Einflüsse perfekt unter einen Hut zu bringen. Rock trifft auf R’n’B und Soul, Jazz und Funk treffen auf Folk und elektronische Sounds. Dazu kommt Wellers unverwechselbare Stimme.

Neben der Standard-CD gibt es »A Kind Revolution« auch als 180-g-LP sowie als Set aus insgesamt drei CDs. Darin enthalten sind neben dem neuen Album die Instrumentalversionen sowie alternative Versionen und Remixe.

40 Jahre im Musikgeschäft und kreativer denn je: Auf seinem neuen Album »A Kind Revolution« zeigt Paul Weller, wie facettenreich Alternative Rock heute sein kann.

Das Comebackalbum von Slowdive

Es ist eine kleine Sensation: Die britischen Shoegaze-Ikonen Slowdive präsentieren 2017 ein neues Album. Das selbstbetitelte »Slowdive« ist der Nachfolger zu »Pygmalion« und damit das erste Album seit 22 Jahren. Dennoch klingt das Quintett beruhigend vertraut.

1995 gingen Slowdive nach nur sechs Jahren wieder getrennte Wege. 2014 standen sie nach ihrer Reunion erstmals wieder gemeinsam auf der Bühne. Nach mehreren Konzerten schafften Neil Halstead (Gesang, Gitarre), Rachel Goswell (Gesang, Gitarre), Christian Savill (Gitarre), Nick Chaplin (Bass) und Simon Scott (Schlagzeug) es dann auch endlich ins Studio, wo sie für »Slowdive« insgesamt acht neue Songs aufnahmen.

Zwei davon, das pulsierende »Star Roving« und das verträumte »Sugar For The Pill«, veröffentlichte die Band bereits vor Album-Release als kleinen Vorgeschmack. Und der macht definitiv Lust auf mehr: Shoegazing, Ambient, Dreampop – es ist ein bisschen so, als wären Slowdive nie weg gewesen.

Endlich: Mit »Slowdive« gibt es 2017 das sehnsüchtig erwartete Comebackalbum von Slowdive.

Featuring: Dirk von Lowtzow (Tocotronic), Justine Electra, Jens Friebe; Torsun (Egotronic), Pascal Finkenauer, Zwanie Jonson, Nicolai von Schweder-Schreiner (Veranda Music) und Pit Przygodda (Goplus!)

Gleiches und gleiches gesellt sich gern!

Produzentenmusik, Studioalbum, Studiomusiker. Schöne Begrifflichkeiten aus den siebziger Jahren, als ein Tonstudio noch den Mythos eines Raumschiffs aus der Zukunft umgab. Man denkt unweigerlich an Schnauzbartträger im Bademantel, HiFi-Wände, Meterlange Mixkonsolen, Selbstgedrehte und Keyboardburgen. Heute hat ja jeder mit seinem Laptop ein Musikstudio im Schlafzimmer stehen. Meint man so – stimmt natürlich nicht! Man kann zwar ganz ordentlich Musik auf seinem Computer produzieren, so wie man heute auch ganz ordentliche Fotos mit seinem Handy machen kann, aber die großen Mädchen und Jungs spielen nach wie vor am liebsten im Studio-Raumschiff.

So freuen wir uns mit The Same Inside von mESMO eine echte Studioplatte zu veröffentlichen. mESMO ist portugiesisch und bedeutet das Gleiche. Hinter mESMO (nur echt mit kleinem m) stecken die Musiker, Songschreiber und Produzenten Vredeber Albrecht und Lars Precht. Obwohl bei fast jedem Album-Stück ein anderer Sänger oder eine andere Sängerin die Songs der mESMO-Brothers singt, ist The Same Inside ein in sich schlüssiges Album geworden.

Retro-Folk und Future-Sounds von Timber Timbre

Gute Neuigkeiten für alle Freunde des psychedelischen Freak-Folks: Timber Timbre melden sich 2017 mit einem neuen Album zurück. »Sincerely, Future Pollution« ist der mittlerweile sechste Longplayer der Kanadier und der Nachfolger des für den Juno-Award nominierten »Hot Dreams« aus dem Jahr 2014.

Insgesamt neun neue Tracks haben Timber Timbre dafür im letzten Jahr geschrieben und aufgenommen. Im Gegenteil zu den Vorgängeralben nahm Frontmann und Chefsongwriter Taylor Kirk diesmal aber nicht wie üblich fertige Songs mit ins Studio. Stattdessen brachte er seine Bandkollegen Mathieu Charbonneau und Simon Trottier in den kreativen Prozess mit ein. Aufgenommen wurde das Ganze schließlich zusammen mit Schlagzeuger Olivier Fairfield im La Frette Chateau in der Nähe von Paris.

Dass »Sincerely, Future Pollution« in Zeiten politischen Aufruhres geschrieben wurde, merkt man sowohl dem Titel als auch den Songs an. Und die dunkle und schleichend-schleppende Leadsingle »Sewer Blues« gibt einen guten ersten Eindruck von dem, was den Hörer auf dem neuen Album erwartet: Folk und Blues mit sphärischen Science-Fiction-Klängen und einer guten Portion »Noir«. Dazu kommt natürlich wie immer Kirks unverwechselbare Reibeisenstimme.

Auf »Sincerely, Future Pollution« gelingt es Timber Timbre wieder einmal, vielfältige Klänge und Stimmungen mit inhaltstarken Texten zu verknüpfen. Retro-Folk trifft auf Future-Sounds. Dieses Album ist Vergangenheit und Zukunft.

Soloqualitäten statt Quantität

Düsterer, hypnotischer Sound, fuzzige Gitarren und leiser, fast schon gesprochener Gesang: Bereits die erste Single von Thurston Moores »Rock N Roll Consciousness«, der Song »Smoke Of Dreams«, hinterlässt den Eindruck, dass das neue Album noch dunkler und tiefgründiger als der Vorgänger »The Best Day« ist.

Außerdem ist es noch kürzer: Gerade einmal fünf Songs warten auf »Rock N Roll Consciousness«, aber Quantität sagt ja bekanntlich nichts über die Qualität aus.

Das die auf der neuen Platte gesichert ist, dafür sorgen neben dem ehemaligen Sonic-Youth-Sänger und -Gitarristen Moore auch Ex-Bandkollege Steve Shelley am Schlagzeug und die My-Bloody-Valentine-Bassistin Debbie Googe.

Beim Songwriting unterstützte zudem der Londoner Poet Radieux Radio, und mit Paul Epworth (Bloc Party, Maximo Park) saß ein weiterer Vollprofi hinter den Reglern der Londoner »The Church«-Studios.

Mit seinem mittlerweile fünften Album in Eigenregie legt Thurston Moore 2017 einen weiteren Beweis für seine großartigen Soloqualitäten vor.

Der Erzdruide ist mit neuem Material zurück. Sechs Songs gnostischer Trunkenheit machen 40 Minuten gnostischen Rausch. Willkommen im Jahr 2017 und im Zeitalter Donald Trumps. Und willkommen zu Julian Copes lange erwartetem Album mit Trinkliedern und dem treffenden Titel »Drunken Songs«.

Sechs wintererwärmende Kompositionen, die die dunklen, tristen Tage beleben, sechs Geschichten kampflustiger, alkoholgetränkter Trunkenheit, wie sie überall auf den britischen Inseln vorherrscht. »As The Beer Flows Over Me« war der Katalysator für dieses ganze Projekt. Der Song, den Cope für seine eigene Beerdigung geschrieben hat, huldigt den nordbritischen Breiten und ersucht den Zuhörer, die südlichen, weinbetraubten Gefilde zugunsten von Bier, Bier und Exportbier zu verschmähen. »Liver Big As Hartlepool« betrachtet Copes Wahlheimatstadt durch die metaphysische Linse. »On The Road To Tralee« beschließt das Album mit 20 betrunkenen Minuten schlechter Erinnerungen, bizarrer Beobachtungen und ländlicher Belanglosigkeit.

Erwartet Copes bekannt exzessiven Gebrauch des Mellotron 400 und jede Menge humorvoller und ergreifender Kommentare - eine perfekte Unterkieferstarre für diese schwierigen Zeiten.

»Drink Me Under The Table«, »Liver Big As Hartlepool«, das für die eigene Beerdigung geschriebene »As The Beer Flows Over Me«, »Don't Drink & Drive (You Might Spill Some)«, vor allem aber das fast 19 Minuten lange Epos »On The Road To Tralee« sind eine schrägliebevolle musikalische Auseinandersetzung mit den "Freunden" Bier, Whisky & Co., wie sie wohl nur von Cope kommen kann.

(Good Times, April / Mai 2017)

Frühere Alben von Clarke und Walker sind stark in der Folktradition verwurzelt – nicht umsonst haben die beiden 2015 einen BBC Folk Award als »Bestes Duo« gewonnen. Doch »Overnight« bezieht sehr viel Inspiration aus dem Yacht Rock à la Fleetwood Mac, von Neil Young zu Zeiten von »After The Gold Rush« und »Harvest« sowie vom Folkrock einer Joni Mitchell oder Fairport Convention.

Das macht »Overnight« zum bislang anspruchsvollsten Werk des Londoner Duos: es verbindet Clarkes Texte mit ihrer außergewöhnlichen Stimme und Walkers Arrangements mit seinem ausdrucksstarken Gitarrenspiel auf kongeniale Weise. Abgerundet werden die zwölf Songs durch Streicher, Bläser, Klavier, Kontrabass und Schlagzeug in Breitwand-Orchestrierungen. Neben Originaltiteln finden sich auf »Overnight« die wunderbare Coverversion des Gillian-Welch-Stücks »Dark Turn Of Mind« sowie Stücke- bzw. Text-Bearbeitungen von John Dowland, Jackson C. Frank und Ivor Gurney.

Die Titel wurden fast komplett live in den Rockfield Studios in Wales eingespielt; sie stellen so etwas wie Schnappschüsse des endlosen Tageszeitenwechsels dar. Zu den Höhepunkten des Albums zählen die UK-Single-Auskoppelung und poppige Ballade »The Waning Crescent«, die Country-Soul-Ballade »Something Familiar« und die eher traditionellen Folk-Songs »Sweet The Sorrow« und »Weep You No More Sad Fountains«.

Mit »14 Steps To Harlem« liefert Jeffreys das, wofür seine Fans ihn schätzen: Ecken und Kanten, gepaart mit intelligenten, unverfälscht emotionalen Texten und einer geschmeidigen Gesangsstimme, die aus einer unermesslichen Bandbreite an Stilen schöpft.

Garland Jeffreys ist seit den späten Sechzigerjahren für seinen hochpersönlichen und herausfordernden Urban-Rock bekannt. Mit »14 Steps To Harlem« erscheint das neue Album des »hochgeliebten Rock-Soul-Reggae-Singer-Songwriters«, wie ihn die New York Times nannte, auf dem eigenen Label Luna Park Records. Der dritte Longplayer innerhalb von sechs Jahren entstand in Zusammenarbeit mit dem Produzenten James Maddock und unter Mitwirkung aller Kernmitglieder der Band: Mark Bosch, Charly Roth, Brian Stanley und Tom Curiano.

Als Gäste sind Brian Mitchell und Ben Stivers vertreten. Außerdem sind ein großartiges Duett mit Jeffreys Tochter Savannah und ein Violinensolo von Laurie Anderson zu hören. Längst genießt Jeffreys den größten Respekt seiner Kollegen. Das spiegeln auch die vielen Kollaborationen im Studio und auf der Bühne wider: Seine Vorliebe für das Aufbrechen von Genres ist visionär und seine Wandlungsfähigkeit brachte ihn mit so unterschiedlichen Musikern wie Dr. John, The E Street Band, John Cale, Michael Brecker, Larry Campbell, The Rumour, James Taylor, Phoebe Snow, Sly & Robbie, Sonny Rollins, Linton Kwesi Johnson, Bruce Springsteen, U2 und Lou Reed zusammen – um nur einen Bruchteil zu nennen.

Und die Liste geht weiter: Jeffreys hat es bis in die NY Blues- und die Long Island Hall of Fame gebracht, in Wim Wenders' Blues-Epos »The Soul Of A Man« performt, den Preis der deutschen Schallplattenkritik oder auch den Tenco- und den Premio-Preis in Italien abgeräumt. Gefeierte Auftritte von Japan bis Alaska und auf weltberühmten Musikfestivals wie Byron Bay Blues, Montreux Jazz, Ottawa Folk und Fuji Rock führen vor Augen, dass Garland Jeffreys nach einem guten halben Jahrhundert noch immer an der Musikgeschichte mitschreibt.

Kumpelhaft, lebensecht und gewinnend wie eh und je überquert Garland Jeffreys auf dem jüngsten Album alle Stilgrenzen ...

(Stereo, Mai 2017)

Father John Misty von der Komik der Tragik

Gibt es heute überhaupt noch etwas zu lachen? Ja, wenn man dem Titel von Father John Mistys neuem Album vertraut, ist die ganze Welt »Pure Comedy«. Natürlich ist im Titel eine ganze Menge Ironie versteckt, denn Joshua Tillman, so sein bürgerlicher Name, singt 2017 von Gesellschaft, Religion, Politik und einer Welt, die vor dem Abgrund steht.

Ein ganz schöner inhaltlicher Sprung, wenn man auf den süß-verliebten Vorgänger »I Love You, Honeybear« von 2015 blickt. Aber der prekären Thematik seines mittlerweile dritten Albums widmet sich der Singer-Songwriter und ehemalige Fleet-Foxes-Schlagzeuger mindestens genauso wortverspielt und tiefgründig wie sonst auch – mal mit mehr, mal mit weniger ironischem Unterton.

13 neue Songs hat er für »Pure Comedy« aufgenommen. Und schon die erste Single samt Video, der Titeltrack des neuen Albums, zeichnet das düstere Bild einer Welt, die aus den Fugen geraten ist. Trotzdem trägt sie aus musikalischer Sicht etwas Tröstliches in sich.

Auch wenn der Titel das Gegenteil behauptet, mit seinem neuen Album »Pure Comedy« zeigt Father John Misty 2017, dass er auch ernst kann, und was für ein unglaublich vielseitiger Songschreiber er ist.

Sein neues Solowerk strahlt tatsächlich in den schönsten Klangfarben ...

(stereoplay, Mai 2017)

Eponymous albums usually herald a debut or a stylistic sea change. Robyn Hitchcock's 22nd studio LP is neither, but it embraces elements of both. Recorded in Nashville with pop sorcerer Brendan Benson, it's a distillation of the 64-year-old surrealist's entire career, and easily his most vibrant collection of new music since the early 1990s -- his last outing, 2014's Man Upstairs, saw Hitchcock delivering an enjoyable, yet relatively amorphous set of half-covers/half-originals under the tutelage of the great Joe Boyd. The obvious reference points here are Underwater Moonlight-era Soft Boys and early solo outings like Element of Light and Black Snake Diamond Role, but there are more than a few tips of the hat to his time on A&M in the late '80s -- lead single "I Want to Tell You About What I Want" wouldn't have sounded out of place on Globe of Frogs or Queen Elvis. Always an underrated and inventive guitar player, Benson gives Hitchcock plenty of room to flex his six-string muscles, and he digs into psych rock/jangle pop confections like "Virginia Woolf," "Detective Mindhorn," "Time Coast," and "Mad Shelley's Letterbox" with the fleet-fingered, double-tracked glee of a man who just rediscovered Revolver. Hitchcock's adopted hometown of Nashville looms large on the Grant-Lee Phillips-assisted, pseudo-honky tonk number "I Pray When I'm Drunk," and Russ Pahl's weepy pedal steel paints golden sunsets over the lovely "Sayonara Judge" and the equally breezy "1970 in Aspic," but as Hitchcock states in his typically verbose liner notes, his songs are "English myths, seen from abroad." Nowhere is that more apparent than on "Raymond of the Wires," a eulogy for his novelist, screenwriter, and cartoonist father, and an elliptical, psych-pop mini-masterpiece that skillfully wields both nostalgia and wonder. No longer the hyper-prolific, Byzantine food-, sex-, and death-obsessed Syd Barrett-phile of old -- well, maybe just a little bit -- Hitchcock has settled into a sort of seasoned eccentricity, and this economical, late career gem proves that he's still got plenty of Madcap Laughs left in the hopper.

(by James Christopher Monger, All Music Guide)

Damals wie heute unverwechselbar

Sage und schreibe 40 Jahre ist es her, dass sich The Feelies in Haledon, New Jersey gründeten. Vier Jahre später präsentierten die Indierocker ihr Debütalbum »Crazy Rhythms«, das mittlerweile längst Kultstatus besitzt. Nach mehreren Alben, Auflösung und Neugründung feiert das Quintett 2017 sein großes Jubiläum. Und wie ginge das besser, als mit einem neuen Album. Hier ist »In Between«.

Dafür verschlug es Glenn Mercer, Bill Million, Dave Weckerman, Brenda Sauter und Stan Demeskix im letzten Jahr erneut gemeinsam ins Studio, wo sie nach sechs Jahren das erste Album mit komplett neuem Songmaterial einspielten.

Bereits die erste Auskopplung »Been Replaced« zeigt: The Feelies haben weder ihr Talent für melodiöse Poprocksongs noch ihren rohen Retrocharme verloren. Im Gegenteil: »In Between« steht voll im Zeichen ihres unverkennbaren Lo-Fi-Rocks.

Kultband und Urväter des Indierocks hin oder her: The Feelies machen seit 40 Jahren ihr Ding, das damals wie heute bestens funktioniert. »Im Between« heißt der Beweis.

In Between, the Feelies' sixth album, opens with the sound of a campfire and crickets, and if that is meant to suggest this is the work of happy campers throwing a hootenanny, well, that's truer than one might imagine. The Feelies usually make music that's propelled by a relentless nervous energy generated by catchy, minimalist melodies and layers of hyperactive percussion, but 2017's In Between dials back a bit on the tempos as well as the electric guitars. Melodically, this is instantly recognizable as the Feelies, but not the coffee-fueled rave-ups of 1980's Crazy Rhythms or 1991's Time for a Witness. Instead, this recalls the more pastoral feel of 1986's The Good Earth, and if anything, this album is a considerably quieter and restrained effort than that. The Feelies sounded strong and full-bodied on their 2011 comeback, Here Before, but by this group's standards, In Between sounds and feels relaxed, less eager to force a groove and more willing to let the songs go where they will. But in the great tradition of the third Velvet Underground album, relative quiet and restraint don't equal a lack of focus and commitment, and on their own terms, these songs are moody but absorbing, subtle in their attack but full of a haunting sort of beauty that the Feelies' more robust recordings don't always catch. The interlocking guitars of Glenn Mercer and Bill Million are still outstanding, the percussion team of Stanley Demeski and Dave Weckerman hold down the rhythms with a singular feel, and Brenda Sauter's warm but rock-solid bass holds it all together beautifully. And if this indulges the more easygoing side of the Feelies most of the time, the wiry "Gone Gone Gone" and big-guitar reprise of "In Between" (complete with "I Wanna Be Your Dog"-style piano) will satisfy fans who want to hear this band rock out. In Between is usually quiet, but it's never cautious; this is very much the work of one of America's best and most venerable independent bands, and it confirms the Feelies are still a genuine creative force as they approach their 40th anniversary.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Hinter dem Namen Lake verbirgt sich eine Pop-Formation mit Hang zum Experimentellen um das Songwriter-Ehepaar Ashley Eriksson und Elijah Moore. Kurz nachdem sich die beiden 2005 im Universitätsstädtchen Olympia, Washington, kennengelernt hatten, gründeten sie auch die Band.

Vor einigen Jahren verlegten sie ihren Wohnsitz in die Wälder der Insel Whidbey Island, um sich dort auf das Songwriting und die Kunst zu konzentrieren; dies gestatten unter anderem Beiträge für die Zeichentrickserie »Adventure Time«.

»Forever Or Never« ist bereits das achte Album von Lake. Es bildet den Abschluss einer Dekade intensiver Beschäftigung mit den Rock- und Popidiomen der Siebziger. Die insgesamt zwölf Songs entspringen einer humanistischen Grundhaltung und befassen sich mit den Schwierigkeiten einer moralischen und spirituellen Existenz in einer feindlich gesinnten Welt.

Musikalisch bieten Lake eine stimmige Interpretation der Melodiensprache des Softrock à la Fleetwood Mac, Steely Dan, The Roches und Laura Nyro. Dazu nehmen sie Anleihen beim Jazz-Gesang, schaffen eingängige Refrains und beweisen enormen Einfallsreichtum im Umgang mit ihren Instrumenten.

Das Album wurde von Nicholas Wilbur (Hungry Cloud Darkening) in einer ehemaligen Kirche aufgenommen.

After releasing so many wonderfully warm and inviting albums over their long run, it's easy to expect LAKE to deliver another album that feels like a long, comforting hug. That's just what they do on their seventh album, Forever or Never. Its 12 songs of sweetly sung, simply arranged pop are so relaxed and sweet that it's easy to let the sounds float past like hazy clouds on a summer day. The band seems to recognize this and makes sure to add the occasional fuzzy guitar or tricky chord to the mix to keep listeners from burrowing too deep beneath the cozy blanket of sound. Both Eli Moore and Ashley Eriksson's vocals are peaceful and calm, imbuing the songs with earthy beauty and airy harmony. Laid-back '70s soul-influenced tracks like "Give Back" are balanced by swooning indie pop ballads ("Trouble"); mildly psychedelic songs ("Gone Against the Wind") show that the band isn't all sweetness and light; and a bunch of tunes have the kind of rich, fully arranged sound and massed, almost spiritual vocal harmonies of the Free Design. "Over Under" especially feels like it could have been on a Free Design album. There's nothing on the album that could really be called a surprise for anyone who's been following the band even a little. What's really surprising is that they've managed to keep making albums as beautifully done as Forever or Never for as long as they have. The songwriting has never been less than wonderful, the singing never less than honest, and the albums never less than worthy of adding to collections. LAKE may never be the most exciting band around, but they are one of the easiest to embrace because of their warmth, openness, and tenderness. These are all things Forever or Never is full of, and it may even be their most fully realized, best-sounding record yet. They've really worked hard to make every song feel like it was both casually played by a bunch of friends and painstakingly labored over in the studio. That's a fine trick to bring to fruition and they do it with style and ease.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Das zweite Album von Yorkston/Thorne/Khan folgt dem von Kritikern gefeierten Banddebüt "Everything Sacred" (2016) und präsentiert ein Zusammenspiel verschiedener Strömungen wie dem Nordindischen Sarangi, Jazz-gefärbtem Bass mit Reminiszenzen an Danny Thompson und einer Akustik Gitarre, die den Folk- & Blues-Koryphäen Elizabeth Cotton, Dick Gaughan und Mississippi John Hurt Tribut zollt - und drei sehr unterschiedlichen Vokalisten: James Yorkston (East Neuk of Fife), Jon Thorne (Isle of Wight) und Suhail Yusuf Khan (Neu Delhi).

"Neuk Wight Delhi All-Stars" ist eine Sammlung von traditionellen indischen und britischen Folksongs, wunderschönen Originalen und eigenwilligen Coverversionen, die nicht nur klassische Musik aus Indien und Jazz zusammenbringt, es zitiert ebenfalls Reggae, irischen Dudelsack und den Einfluss des madagassischen Gitarristen D'Gary.

Über diese Bandbreite sagt Thorne: "I think YTK is a fine example of how music operates without boundaries as a common international language and a source of cross-cultural unity. It's an important message in the times that we live in."

Die grenzübergreifende Fusion aus meditativer indischer Klassik, Jazz und Akustik-Folk wirkt entspannt, harmonisch und präsentiert anspruchsvolle Weltmusik frei von Moden oder Trends.

(Stereo, Mai 2017)

Arbouretum has been called “the best of the millennial classic rock bands, a guitar-fuzzed powerhouse.” The band, founded by guitarist and vocalist Dave Heumann, effortlessly weaves its melodies and guitar solos with the often hypnotic rhythms of bassist Corey Allender and drummer Brian Carey around the deliberate keyboard of Matthew Pierce to lift the vocals. The results are a full sound delivered with a striking sense of intimacy. Throughout their time together, the Baltimore-based band have been praised for their ability to weave elaborate vocal lines, and guitar solos that often unravel into extended improvisation, but never with as much finesse as on Song of the Rose. In less practiced hands, these ideas could easily fall into contrivance, but on Song of the Rose, Arbouretum use these elements to perfect their craft of storytelling in song, both lyrically and sonically.

Arbouretum recorded Song of the Rose in with Steve Wright at Wrightway Studios. While previous records were recorded in a matter of days, Song of the Rose took weeks. Attention to production details augment their time-tested emphasis on capturing the energy of performance. Song of the Rose is the first time the band has mixed with Kyle Spence at his studios in Athens, GA (Kurt Vile, Luke Roberts, Harvey Milk).

At the root of the songs and compositions on Song of the Rose is the concept of balance. As is true for the movements of Tai Chi, of which Dave Heumann is an avid practitioner, each motion both musical and lyrical has an equal but opposite motion, that works together harmoniously. “Woke Up On The Move” pores over nature’s beauty as much as it heeds the warning of humankind’s destructive potential. The variations that result from the constant push and pull throughout Song of the Rose make Arbouretum’s music as arresting as it is thoughtful. The lyrical imagery makes it masterful.

Arbouretum’s lyrics explore elements of philosophy, mysticism, redemption, and the implications of human “progress.” Songs are written in poetic form as Heumann, Arbouretum’s lyricist, prefers stories remain abstract and open rather than a more typical storytelling format, all within a more traditional song structure. Titular track “Song of the Rose” completes a trilogy of songs from past records, calling back to “Song of the Nile” and “Song of the Pearl,” which have their roots in examining Taoist and Gnostic mythic traditions. Fittingly, “Rose” is also a nod to Heumann’s ancestor Richard Lovelace, a 17th century poet who penned “The Rose.” The driving “Absolution Song,” featuring the albums only instrumental guest appearance by Drums of Life, is a contemplation of the idea of writing and thereby absolving oneself of all wrongdoings, through the creative act, in this case, using poetic imagery. Arbouretum music takes these philosophical ideas and transforms them into a sonic experience that is at once contemplative and emotionally affecting.

(www.thrilljockey.com)

Traurig-schöne Melancholie in Perfektion

Mit »Mental Illness« präsentiert Aimee Mann 2017 ein neues Studioalbum – fünf Jahre nach ihrem rockigen Vorgänger »Charmer«.

Der zugegeben etwas befremdliche aber ehrliche und direkte Titel ist laut der Singer-Songwriterin allerdings mit Humor zu nehmen, vor allem da ihre Musik ansonsten gerne mal als deprimierend bezeichnet wird.

Gerade deshalb entschied sich die 56-Jährige, »Mental Illness« zum bis dato traurigsten, ruhigsten und akustischsten Werk ihrer Karriere zu machen. Inspiriert wurde Mann dabei unter anderem von ihren Lieblingsalben aus den 1960er- und 1970er-Jahren. Einen Vorgeschmack gab es bereits im Januar mit der folkigen Leadsingle »Goose Snow Cone«.

Und so gibt es auf »Mental Illness« kein Mellotron und keine seltsamen Keyboardsounds mehr. Stattdessen warten Gitarre, Klavier und wunderbare Gesangsharmonien, garniert mit etwas Schlagzeug und E-Bass und zum ersten Mal sogar mit Streichern.

Unterstützung erhielt Aimee Mann im Studio von Jonathan Coulton (Akustikgitarre, Backgroundgesang), Jay Bellerose (Schlagzeug), Jamie Edwards (Piano), Co-Songwriter John Roderick und ihrem langjährigen Produzenten Paul Bryan, der sich um die Streicherarrangements kümmerte. Außerdem steuerte The-Both-Partner Ted Leo ebenfalls Backgroundvocals zum Album bei.

Auf ihrem neuen Album »Mental Illness« wird Aimee Mann ihrem Image ein weiteres Mal gerecht – mit traurig-schöner Melancholie statt deprimierender Songs.

Romantische Melodien, poetische Texte, glasklare Stimme ...

(stereoplay, April 2017)

Staatsakt heißt die Die Regierung willkommen. Genauer gesagt: Ihr neustes Studioalbum! Dem Anlass entsprechend gibt es eine Laudatio von Frank Spilker.

Die Regierung und später die Solo-Alben von Tilman Rossmy waren in den neunziger Jahren ein selbstverständlicher Bestandteil der so genannten Hamburger Schule. Etliche Jahre nachdem der Sänger sich »französisch verabschiedet« hat, wird (2015) das Debut Album der Band aus dem Jahr 1984, Supermüll, wieder herausgebracht und zwingt die Band dazu, die Sache mit dem Abschied zurückzunehmen, weil sie sich selbst so gut findet. Nach meinem Besuch des Reunion-Konzerts im Hamburger Knust, kann ich das nur bestätigen: Lange habe ich sie vermisst, diese großen emotionalen Momente, die Tilman Rossmys lakonische wie weltkluge Geschichten im Zusammenklang mit der Musik erschaffen. Das Ganze ist definitiv mehr als die Summe seiner Teile, und die Herren beschließen am Ende ihrer Tour: »Ohne Regierung geht es nicht weiter.« Das Ergebnis halten Sie in den Händen: »Raus.«

Der Sound ist schon mal die erste Überraschung: Die beständigen und als Markenzeichen der Band eingetragenen Achtel-Bässe werden von munter zwischen die Schläge verteilten Special-Effects flankiert.

... der Essener mit der Nölstimme schreibt immer noch einzigartige Songs wie ›30 Jahre mehr‹ oder ›Bemerkenswerte Menschen‹ und covert Lloyd Coles ›Like Lovers Do‹ als ›So wie ein Liebhaber‹. Klasse.

(Audio, April 2017)

Die Essener Postpunk-Tresen-Rocker geben ein gutes Comeback.

(musikexpress, 24.03.2017)

Laura Marling: eine Frau mit vielen Talenten

Mit »Semper Femina« stellt Laura Marling 2017 ihr neues, mittlerweile sechstes Studioalbum vor. Im Zuge dessen entpuppte sich die britische Folk-Pop-Sängerin bereits als echter Tausendsassa, denn neben Sängerin und Songwriterin ist sie jetzt auch Labelchefin und Regisseurin.

Mit den ersten Schreibarbeiten begann Marling bereits 2015 während ihrer Tournee zum Vorgängeralbum »Short Movie«.

Insgesamt neun Songs entstanden dabei, die – der Albumtitel verrät es bereits – den Fokus auf die Weiblichkeit legen. Aufgenommen und produziert wurden alle Tracks zusammen mit Produzent und Musiker Blake Mills in Los Angeles. Mills saß zuvor bereits bei Künstlern wie Conor Oberst, Paolo Nutini, Norah Jones, Alabama Shakes und Lana Del Rey hinterm Mischpult.

Als erster Vorgeschmack auf »Semper Femina« erschien bereits im November 2016 die Single »Soothing«, in der Marling ungewohnt minimalistische und jazzige Töne anschlägt. Mit dem Video zum Song feierte die Britin auch gleich ihr Debüt als Regisseurin.

Das neue Album erscheint bei Laura Marlings eigenem Label »More Alarming Records«. Neben der Standard-CD gibt es zudem eine Doppel-CD, eine Doppel-LP und eine Doppel-LP-Version mit einer Bonus-Live-LP.

Laura Marling hat viele Talente. Mit ihrem neuen Album »Semper Femina« bringt sie 2017 gleich mehrere davon zum Ausdruck.

Christian Scott aTunde Adjuah, Nachkomme einer großen Künstlerfamilie aus New Orleans. Neffe von Donald Harrison, Jr. und Enkel des legendären Big Chief Donald Harrison Sr. (d. 1998) und New Orleans Legend Award Preisträger, Herreast J. Harrison. Er ist außerdem der eineiige Zwillingsbruder des ausgezeichneten Regisseurs Kiel Adrian Scott, einem Schützling Spike Lees.

Als Vater der »Stretch Music« und Designer innovativer Trompeten, bringt Christian den Jazz auch mit seiner Stretch Music App technologisch auf ein neues Level. 2007 wurde er für den Grammy nominiert und 2010 und 2012 erhielt er den renommierten Edison Award. 2008 bat ihn der Regisseur Steven Soderbergh eine kleine Rolle neben George Clooney in dem Film » Ein verlockendes Spiel« zu übernehmen.

New Orleans musician Christian Scott craves a more absorbent and sensitive kind of jazz. Stretch Music finds him experimenting with moods and electronic textures, bumping against the genre's conventions even as he remains rooted in tradition.

Stretch music, according to New Orleans jazz musician Christian Scott, is an approach that engenders a more absorbent and sensitive kind of jazz. "We are attempting to stretch—not replace—jazz's rhythmic, melodic and harmonic conventions to encompass as many musical forms/languages/cultures as we can," he says on his website. He titled his fifth album after the concept, but this sensibility is visible even in his earliest work as a leader; the title track of 2007's Anthem is jazz in its instrumentation, but it also obeys the rhythms and structures of post-hardcore, a series of contrasting shapes which build an atomically tense and spectral space, like a cathedral at night.

His description of "stretch music" somewhat resembles the omnivorous jazz approaches of bassist/singer Esperanza Spalding and pianist Robert Glasper. It's similarly collaborative and elastic. But Scott's genre splicing is not as mosaic as Glasper's. It’s doesn’t lock different genres together in unusual patterns as much as it melts them down into asymmetrical and indivisible sculpture. It's almost curious to call it "stretch music" when it feels as if jazz isn’t so much expanded here as collapsed into small, oblique jewels.

Later in his mission statement, Scott describes his intention to draw unusual instruments through distortion. This is how Stretch Music begins: A piano, played by Lawrence Fields, struggles through noise, as if pressing and blurring against a force field. Instruments undergo a kind of metamorphosis in Scott’s aesthetic, which is reflected in the album cover: his trumpet bends and warps into elastic shapes.

On record, Scott’s playing is patient and crisp, and it seems the product of spatial reasoning, more concerned with the area around his notes than their actual occurrence. He is sometimes accompanied by the ribbony flute phrases of Elena Pinderhughes, which contrast pleasingly with the routine collapse of the backdrop.

This collapse is occasioned by the percussion, played by Corey Fonville and Joe Dyson, Jr., alternately on drums and SPD-SX pads. Snare rolls are enhanced into dense exaggerations, glitching in and out of compressed rattles which physically approach vortexes of static. It lends the songs the accelerated yet organized rhythms of accident; it reminds me of sparks convulsing from a severed cable.

Sometimes the instrumentation is more obscure, as on "Tantric" and "Perspectives", each chord landing and shimmering with a kind of blurred phosphorescence. There are also more typical fusion exercises, as on "West of the West", where Matthew Stevens’ guitar recalls the metallic echo of Sonny Sharrock.

When Scott played at this year’s New Orleans Jazz & Heritage Festival, he said "West of the West" describes the sense of dislocation he felt when he lived in L.A., a place that seems unlocked from its own geography, released into imaginary and aggressively blank space. His music is the opposite of dislocated; it is thoroughly articulated, busy and compressed. The reach of Stretch Music can often feel literal—even as the threads warp and drift a deeply woven structure is preserved.

(Brad Nelson, 07.10.2015, www.pitchfork.com)

Spidergawds musikalischer Ausflug in die Vergangenheit

Gerade einmal ein Jahr nach ihrem letzten Album »III« legen Spidergawd 2017 bereits ein neues Werk nach. Dabei behalten Sie ihre pragmatische Namensgebung bei. Hier ist »IV«.

Inhaltlich haben die Norweger aber ein bisschen was verändert. Die neuen Songs können getrost als musikalische Zeitreise deklariert werden. Das bedeutet aber nicht, dass sie sich auf »IV« aus ihrer musikalischen Komfortzone bewegen, denn die liegt immer noch zwischen brachialen aber melodischen Riffs, ausgefeilten Soli und dem Spiel einer Rhythmusgruppe, die ihresgleichen sucht. Dazu trägt seit Kurzem auch der neue Bassist Hallvard Gaardløs bei. Last but not least ist da noch die unverkennbare Reibeisenstimme von Per Borten.

Die Inspiration und die Einflüsse auf dem neuen Album haben sich allerdings hörbar weiterentwickelt. Und so ist »IV« ein Tribut an die New Wave of British Heavy Metal, an Bands wie Motörhead, Thin Lizzy, Iron Maiden und Judas Priest – aber eben ohne, dass Spidergawd dabei ihren eigenen Signaturesound aufgeben.

Das Ergebnis ist ein regelrechtes Hardrockmonster, das seine Hörer ein Stück weit mit zurück in die Vergangenheit nimmt. Hier ist Spidergawds »IV«.

Seminal band Son Volt has announced release of their new album, Notes Of Blue (Thirty Tigers). Led by the songwriting and vocals of Jay Farrar, Son Volt was one of the most instrumental and influential bands in launching the alt. country movement of the 1990's. A movement that was the precursor to what is now widely referred to as Americana. The 10 songs on Notes Of Blue are inspired by the spirit of the blues, but not the standard blues as most know it. The unique and haunting tunings of Mississippi Fred McDowell, Skip James and Nick Drake were all points of exploration for Farrar for the new collection. Farrar possesses one of the most distinctive voices in roots, rock, country or any genre. He exudes a soulful longing combined with a wise-beyond-his-years command that is as arresting and compelling as ever. As a songwriter, Farrar's depth and poetic penchant has been the foundation of a thoughtful, deep and intelligent body of work. Both attributes are on full display on Notes Of Blue, as he touches on themes of redemption and the common struggle, both of which are at the core of the blues.

Chuck Prophets Album über den Tod

Country- und Surf-Rock-Ikone Chuck Prophet meldet sich 2017 mit einem neuen Album zurück. »Bobby Fuller Died For Your Sins« lautet der Titel seines mittlerweile 14. Solowerkes, dem Nachfolger zu »Night Surfer« von 2014.

Für alle, die mit dem Namen im Titel nichts anfangen können, hier ein kleiner Ausflug in die Musikgeschichte: Robert Gaston »Bobby« Fuller war ein US-amerikanischer Rocksänger, Gitarrist und Frontmann der The Bobby Fuller Four. Er starb am 18. Juli 1966. Die Umstände seines Todes wurden bis heute nicht geklärt. Dafür gab es im Laufe der Jahre zahlreiche Theorien, von Selbstmord bis hin zu Mord durch Bandmitglieder, einen eifersüchtigen Nebenbuhler oder die Drogenmafia.

Der mysteriöse Fall diente Chuck Prophet als Inspiration für seine insgesamt 13 neuen Songs. Sie handeln vom Tod Fullers, vom Tod der Poplegende David Bowie und von der Ermordung des Security Guards Alex Nieto aus San Francisco, die international Schlagzeilen machte.

Auch die erste Singleauskopplung von »Bobby Fuller Died For Your Sins« reiht sich perfekt in die Themenwahl ein. »Bad Year For Rock And Roll« ist eine Hommage an die vielen großartigen Musiker und Rocklegenden, die im letzten Jahr ihr Leben ließen.

Aber der Tod ist nicht das einzige Thema auf der Platte. Sie handelt außerdem von zum Scheitern verurteilter Liebe, untröstlicher Einsamkeit und rasender Gewalt.

Für die Aufnahme verschlug es Chuck Prophet an einen besonderen Ort: das Hyde Street Studio in San Francisco, wo vor vielen Jahren seine erste Aufnahmesession stattgefunden hatte. Unterstützung erhielt er dabei von seiner Band The Mission Express, die aus den Musikern Kevin White (Bass), Vicente Rodriguez (Schlagzeug, Gesang), James DePrato (Gitarre) und seiner Frau Stephanie Finch (Gesang, Keyboard, Gitarre) besteht.

Keine ganz einfachen Themen, die sich Chuck Prophet für sein neues Album ausgesucht hat. Auf »Bobby Fuller Died For Your Sins« entpuppt er sich aber dennoch wieder einmal als exzellenter Geschichtenerzähler und natürlich Musiker.

Mit Surf-, Roots-, Country- und Psychedelic Rock-Songs demonstriert Chuck Prophet einmal mehr, warum er auch als Gitarrist solche Wertschätzung genießt.

(Stereo, Februar 2017)

Dem Kalifornier ist ... ein nostalgisches Kleinod mit Seele und Authentizität gelungen, eine musikalische Verbeugung vor einem fast vergessenen Helden.

(Audio, März 2017)