Vetiver alias Andy Cabics kündigt mit »Up On High« sein neues Album an, welches via Loose Music erscheint.

Wenn Cabics nicht gerade melancholische Folk-Rock-Diamanten herstellt, bewegt er Tanzflächen weltweit mit Bossa Nova und House DJ-Sets oder kuratiert japanischen City-Pop. Das magische an »Up On High« ist die Art und Weise, wie diese Elemente die zehn Songs auf dem Album färben.

»Up On High« wurde mit dem langjährigen Mitarbeiter Thom Monahan (Neko Case, Beduine, Fruit Bats, Die Esel, Peter Björn And John, Beachwood Sparks, Little Joy) in der Hochwüste Kaliforniens aufgenommen. Die Instrumentierung stammt von einer weltweiten Besetzung, zu der Eric Johnson (Fruit Bats, EDJ), Gabriel Noel (Kendrick Lamar, Father John Misty, Tyler The Creator), Dan Iead (Kevin Morby, Cass McCombs) und Josh Adams (Bedouine, Wild Nothings) und Tim Ramsey (Fruit Bats, Little Wings) zählen.

Energie und Leidenschaft: Neil Young und Crazy Horse wieder vereint

Sieben Jahre nach ihrem letzten gemeinsamen Bandalbum »Psychedelic Pill« musizieren Crazy Horse wieder an der Seite von Neil Young. »Colorado« heißt ihr neuer Longplayer.

Crazy Horse, das sind 2019 Nils Lofgren, Ralph Molina und Billy Talbot. Bereits Anfang des Jahres mieteten sich die Musiker im Studio in the Clouds in den San Juan Mountains in der Nähe von Telluride im US-Bundesstaat Colorado ein.

In elf Tagen und Nächten nahmen sie dort zehn Songs auf, und zwar mit einem analogen Setup und größtenteils live.

Die Produktion von »Colorado« übernahmen Neil Young und John Hanlon. Das Mixing erfolgte in Rick Rubins Shangri-La Studios in Malibu und für das Mastering zeichnete Chris Bellman bei Bernie Grundman Mastering in Hollywood verantwortlich.

Mit dem Song »Milky Way« präsentierte die Band bereits im August einen ersten Vorgeschmack auf die Platte.

Und er zeigt: Neil Young und Crazy Horse sind weit mehr als ein eigespieltes Team. »Colorado« fängt die Energie und die Leidenschaft ihrer gemeinsamen Session perfekt ein. Der Klang ist obendrein fantastisch.

»Colorado« gibt es als CD und als Doppel-LP mit zusätzlicher 7"-Single. Diese enthält die Bonustracks »Rainbow Of Colors« als Sololiveversion von Neil Young und den Crazy-Horse-Studiosong »Truth Kills«.

... die unbändige Kraft und der schwere, krachende Grundsound, die von dieser Allianz wieder ausgehen, sind unerreicht.

(Audio, November 2019)

Originally, Circles Around the Sun weren't so much a band as a project. The quartet -- guitarist Neal Casal and keyboardist Adam MacDougall (bandmates in the Chris Robinson Brotherhood), bassist Dan Horne, and drummer Mark Levy -- came together to cut a handful of Grateful Dead-influenced prerecorded instrumentals to be played during set breaks at 2015's "Fare Thee Well" concerts. But concert audiences responded so positively, Rhino issued the music as the album Interludes for the Dead. The group members decided they were having enough fun to continue making music together. Let It Wander is their second double-length album. Circles Around the Sun entered Ventura, California's Castaway 7 Studios and worked on tunes that would showcase a sound they were, as Casal put it, "growing into." These seven instrumentals reveal a progression from Interludes for the Dead. The band was unfettered by any goal when recording, and the sense of freedom is pervasive here.

As evidenced by opener "On My Mind," elements of jazzy rock, spindly funk, and mellow psych commingle as electric piano, synth, and Casal's lyrical, pointillistic guitar playing (deeply influenced by Jerry Garcia) articulate the melody. The rhythm section keeps it bumping, with guest Jeff Franca's congas adding a Latin flavor. The tune is songlike in structure, with various solos, a wordless chorus, and middle eight all built in. It gives way to "One for Chuck," featuring Chuck D speaking in the intro. Its vibe is nocturnal and much funkier, as popping clavinet vamps frame rubbery bassline and snare breaks. Casal rocks it out just enough in his solo, using a wah-wah pedal as his guide into the rhythm. "Immovable Object" marries the instrumental psych feel of the Chris Robinson Brotherhood with the gritty, good-time groove of Herbie Hancock's group on Fat Albert Rotunda. MacDougall's killer keyboard playing is as much an attraction as Casal's picking -- and the rhythm section lays down a foundation so solid it cannot be shaken.

"Halicarnassus" is one of two 19-plus-minute jams here. It unfolds gradually in 7/8 time, fueled by a knotty little vamp underscored by the rhythm section laying down their best Meters, with riff and single-line exchanges between Casal and MacDougall. On the backbone-slipping "Tacoma Narrows," clavinet and bass entwine, syncopating the funk riff and souled-out melody as popping drum breaks and spidery guitar lines emerge from the center. The 19-minute closer, "Ticket to Helix NGC 7293," is initially a breezy, sun-kissed psychedelic jam but evolves into a morass of tripped-out, abstract sonic and dynamic shifts that evoke the Dead's Anthem of the Sun before winding all the way around into a drifting Hendrix-ian jam with double-time snare and bubbling basslines. Let It Wander offers numerous surprises for listeners in these fine, almost hummable jam-style tunes; the canny playing and adventurousness this group displays here are tantamount to a major musical discovery. All killer, no filler.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Following quickly on the heels of the spacey, artful U.F.O.F. -- by five months, to be exact -- Big Thief's fourth long-player, Two Hands, was recorded just days after its contrasting sister album. However, while U.F.O.F. was tracked at a wooded facility outside of Seattle, the band deliberately moved to the 100-plus-degree environs of a desert studio west of El Paso for Two Hands. The humid-versus-dry distinction makes for a convenient musical simile, as Two Hands commits to a crisper, more jagged sound on a rawer set of indie rock songs. Though less improvised-sounding on the whole than its predecessor, the loose Two Hands was recorded live with few overdubs by the same crew (producer Andrew Sarlo and engineer/mixer Dom Monks, though drummer James Krivchenia helped mix this time around). The album opens with "Rock and Sing," a short, lullaby-like introduction. Typically intimate lyrics from singer/songwriter Adrianne Lenker sound more stream of consciousness than composed on the track, with lines like "Hand me that cable/Plug into anything/I am unstable/Rock and sing, rock and sing." It's followed by catchier album highlight "Forgotten Eyes," which settles into the visceral, full-band folk-rock of Big Thief's earlier albums but with a distinctly immediate recording quality. (Though any such descriptions are relative in the case of this band.) Likewise living and breathing, the simmering "Not" has a slightly out-of-breath Lenker delivering near-constant lyrics alongside insistent drums, fuzzy guitar chords, and dissonant, impulsive guitar effects until the song breaks open into a sometimes-screeching jam just past the midway point. Other songs on Two Hands are memorable for different reasons, such as the quirkier guitar tones of the skittering "Two Hands," the folksy harmonies of "Replaced" (by guitarist/co-writer Buck Meek), and the stark tenderness of "Wolf" ("How you seem to follow through/On everything you yearn for"). While it's hard to talk about Two Hands in 2019 without the context of the stunning U.F.O.F., the album's quality stands on its own, offering its own grade of intimacy, sound, and feel for alternate moods.

(by Marcy Donelson, All Music Guide)

Bemerkenswertes Level

Ein neues Album im Gepäck: Nach »You’re Driving Me Crazy« und »The Prophet Speaks« im letzten Jahr kommt nun endlich auch ein Van-Morrison-Album für 2019.

»Three Chords And The Truth« heißt die neue Platte, Nummer sieben in den vergangenen fünf Jahren.

Der nordirische Musiker, Sänger und Komponist entpuppt sich also wieder mal als produktives Genie.

Alle 14 Songs stammen nämlich aus Van Morrisons Feder. Um die Produktion von »Three Chords And The Truth« kümmerte er sich ebenfalls selbst.

Unterstützung bekommt er auf dem Album allerdings auch: Gitarrist Jay Berliner lieferte ein paar Gastbeiträge, außerdem gibt es ein Duett mit Bill Medley von The Righteous Brothers (»Fame Will Eat The Soul«).

Wie »Three Chords And The Truth« klingt, verrät die erste Singleauskopplung »Dark Night Of The Soul«. Und die zeigt: Auch nach mehr als 50 Jahren ist von Van Morrison einiges zu erwarten. Sein kreatives Level ist jedenfalls bemerkenswert ...

Das sechste Album in gerade mal vier Jahren – Meister Morrisons Energie scheint ungebrochen. Um mir zeitnah zur Albumveröffentlichung einen Eindruck des neuen Songwerks des großen alten Mannes machen zu können, bot sich die Möglichkeit, drei (3!!!) ganze Songs des Werks bei Spotify (Spotify!!!) anzuhören. Manchmal fühle ich mich ja etwas müde, aber unter solchen Umständen fühle ich mich wirklich zu alt für diese schnöde neue Musikwelt. Aber zurück zum Meister selbst: Die drei Songs, vor allem das zum Albumausklang mehr als sieben Minuten lang in Auld Lang Syne-Motiven badende, Soul wie Gospel auslebende Day Gone By drangen Dank der ungebrochen gefühlssatten Stimme ungebremst in Hirn, Herz und Seele, sodass ich mich mit Spotify’s Hilfe jetzt aufmache, das Werk käuflich zu erwerben. Und damit hat der allmächtige Streaming-Shop seinen Dienst am physischen Tonträger ja auch erfolgreich geleistet.

(cpa, Glitterhouse)

Neues von einer leicht seltsamen Lieblingsband. Letztes Jahr beglückte uns das geschätzte Tapete-Label noch mit der ebenso umfassenden wie essentiellen Werkschau „1979-1985 Complete Recordings“, jetzt gibt es tatsächlich auch wieder ein neues Album: Die ewig unterschätzten, in Fachkreisen aber kultisch verehrten Briten zelebrieren erneut ihren schrulligen, barocken, verspielten und definitiv eigenwilligen Ansatz von, äh, erwachsenem Indie-Pop? Der Opener hat eine milde orientalische Note, mit mittelöstlichen Ornamenten – das koloniale Erbe? Im Weiteren wird es dann typischer mit orgelndem und gitarrenjangelndem Pop, Mod-Einflüssen, Sixties-Referenzen. Und bitte auf die historisch inspirierten Texte hören! Die oft souligen Melodien sind eingängig, offenbaren ihren Reiz aber nie beim ersten Hördurchgang. Indie-Veteranen mögen Vergleiche zu Bands wie Jazz Butcher, Style Council, Go-Betweens und Divine Comedy anstellen, leicht zu kategorisieren waren Monochrome Set aber noch nie. Feinste Popmusik für Connaisseure – fernab aller Trends und Moden. Aktuell übrigens auf Deutschland-Tour, sollte man nicht verpassen.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

War sein Vorgängeralbum »Step Into The Earthquake« von 2017 noch eine poetische Reaktion auf das US-amerikanische Politdesaster, so wendet Simon Joyner sich auf Pocket Moon dem Privaten zu, den kleinen Gesten, dem Alltäglichen, zwischenmenschlichen und intimen. Für einen Songwriter seiner poetischen Kraft und Kenntnis ist auch das kein Sujet das er mit oberflächlichen Beschreibungen abhandelt und auf Allgemeinplätzen parkt. Seine Musik ist voll Achtsamkeit:

Joyner beobachtet die Gewalt, die Schönheit und die Absurdität des Alltags aus nächster Nähe und findet eine angemessene, vielsagende Form. Wer zuhört, kann mit ihm darüber lachen, nachzudenken oder manchmal auch erschrecken, und schreiend davon wegzulaufen. Simon Joyner, der musikalisch das unkonventionelle, unverstellte schätzt - jene Sounds und Künstler die sich an die brüchigen, ungeschliffenen Ränder wagen - ging zu Pocket Moon ein für Ihn anregendes Wagnis ein: Anstatt mit seiner Band The Ghost, in seiner Heimatstadt Omaha aufzunehmen, bat er seinen langjährigen musikalischen Partner Michael Krassner ihm eine Band in Phoenix zusammen zu stellen. Die lernte er erst zu den tatsächlichen Aufnahmen kennen. Es gab keine seperaten Proben, sondern aufgezeichnet wurde, zumeist live, was sich eben bei diesem Treffen musikalisch entwickelte.

Die Band verwendet dabei eine breite Palette von Instrumenten und Texturen und verleiht so jedem der rauhen wie erhabenen Songs eine zusätzliche Nuance. Bei allem Minimalismus erreichten sie zusammen eine feine klangliche Offenheit, Spannung und Abgehangenheit, wie Joyner sie sich wohl wünschte. Für unsere Ohren ist Pocket Moon unter seinen mittlerweile 14 Alben wohl eins seiner feinsten.

Stetig wachsendes Song-Werk eines der großen Lied-Schmiede unserer Tage, von bedeutungswerten Worten und melancholisch-weichen Melodien gleichermaßen getragener Liederreigen, der nicht nur unterschwellig an einige der prägendsten Namen dieses edlen Handwerks erinnert. Begleitet von einer vom langjährigen musikalischen Weggefährten Michael Grassner eigens für diese Album-Aufnahmen zusammengestellten sechsköpfigen Band, setzt der nur scheinbar zurückhaltende, dafür umso intensiver wirkende Sänger seine unaufdringlich dargereichten, nachhaltig tiefschürfenden Worte in ein mit Gitarren, klar akzentuiertem Klavier, dezentem Schlagwerk und berührenden Streicher-Ensemble-Einlagen zumeist friedlich fließendes, zwischen Desert und Drama, Wehmut und Wohlgefallen spielendes, herrlich natürlich gerichtetes Country-Folk-Lager, dem bei aller Liebe zum ernsten Spiel mit der ehrlichen Sprache reichlich Raum gelassen wird. Und während die Instrumente herrlich handwerkend auch Pedal Steel-Schweben und verzerrte Gitarren-Attacken erlauben und so auch den längeren, wortlosen Phasen Tiefe und Weite verleihen, macht sich Joyner endgültig auf, sich bleibend in die Riege der großen Nicht-Sänger einzureihen, gleichzeitig an Bob Dylan, Leonard Cohen, Howe Gelb und Townes van Zandt zu erinnern, auch musikalisch in deren hehren Regionen zu spielen, ohne je allein als Abziehbild nur eines der Genannten zu wirken. Nach mittlerweile 14 Alben, mit dieser fühlbar organischen Vereinigung aus Wort und Musik spielt und singt Joyner längst in seiner eigenen Liedschmied-Liga.

(cpa, Glitterhouse)

Omaha has given us the reigning heir to Henry Miller’s dark emotional mirror, Townes van Zandt’s three chord-moan and Lou Reed’s warehouse-minimalism: His name is Simon Joyner.

(Gillian Welch)

Iggy Pops neue musikalische Freiheit

Nach seinem letzten Album »Post Pop Depression«, das er vor drei Jahren zusammen mit Josh Homme veröffentlichte, und das international gleich mehrfach die Top 10 erreichte, war Iggy Pop erschöpft. Er wollte einfach frei sein.

2019 ist er es, zumindest klingt er so. »Free« heißt das vielleicht ungewöhnlichste Album seiner langen Karriere.

Zehn Songs hat der Godfather of Punk dafür aufgenommen. Und bereits die erste SIngle, der Titelsong »Free«, ist anders als das, was man von ihm gewohnt ist: ein Ambient-Jazz-Kurztripp von weniger als zwei Minuten.

Iggy selbst bezeichnete »Free« als Album, auf dem andere Künstler für ihn sprechen, aber durch seine Stimme. Was das genau bedeute? Wir dürfen gespannt sein.

Unterstützt wird er auf der Platte von Leron Thomas (Trompeter, Komponist, Produzent) und Sarah Lipstate (Gitarristin) alias Noveller.

Auch nach 50 Jahren und mehr als 20 Soloalben gelingt es Iggy Pop, seine Hörerschaft noch zu überraschen ...

›Free‹ ist ein mutiges und experimentelles Spätwerk.

(Audio, Oktober 2019)

Iggy Pop ist immer dann gut, wenn er weder seiner Legende nachläuft, noch neue Mythen zu schaffen versucht. Auf ›Free‹ löst er ein, was der Albumtitel verspricht. Er befreit sich von allen Erwartungen und brutzelt sein tonnenschweres Charisma in einer Pfanne voll fulminanter Songs. So ist ›Free‹ Pops bestes Album seit ›Avenue B‹ (1999).

(Stereoplay, Oktober 2019)

Cancel The Sun ist deren dritte CD, und auch darauf wird die ganze Pracht des Folk Rock geboten.

(Good Times, Oktober / November 2019)

Fünf Jahre nach ihrem großen Solo-Erfolg »Stockholm« veröffentlicht die britische Rock-Ikone Chrissie Hynde (The Pretenders) eine neues Solo-Album mit herausragenden Cover-Versionen.

Das brandneue Album Valve Bone Woe enthält 14 Tracks aus der Feder einer hochkarätigen Songwriter-Riege, darunter weltbekannte Größen wie Brian Wilson, Frank Sinatra, Hoagy Carmichael, Charlie Mingus, John Coltrane, Nick Drake, Ray Davies sowie Rogers & Hammerstein. Gemeinsam mit dem renommierten LA Philharmonic-Symphonieorchester hat Chrissie Hynde einen Großteil des neuen Materials im Juli während einer speziellen Performance in der berühmten Hollywood Bowl in Los Angeles aufgeführt.

Das Album Valve Bone Woe wurde gemeinsam mit dem Valve Bone Woe Ensemble in den Air Studios in London aufgenommen.

Die Songauswahl ist beeindruckend, die Neuaufnahmen sind es ebenso.

(Audio, Oktober 2019)

Besonders beeindruckend sind jedoch die kleinen trippigen bis spacigen elektronischen Beigaben, die sich bestens in den altmodischen Klang einfügen. Das Gestern trifft hier auf das Heute und Morgen. Chrissie Hynde legt ein Album vor, das man so von ihr gar nicht erwartet hätte. Mit 68 Jahren erfindet sich die Rock-Lady quasi noch einmal neu.

(Good Times, Oktober / November 2019)

Man sagt: Lightning never strikes twice. Aber es gibt Ausnahmen. In der Jazzwelt wird der Blitz jetzt ein zweites Mal einschlagen!

Im Juni 2018 veröffentlichte Impulse! Records »Both Directions At Once« ein »verlorenes Album« von John Coltrane, aufgenommen im Jahr 1963, das neue Kompositionen Coltranes, aufgenommen mit seinem Classic Quartet mit McCoy Tyner (Piano), Jimmy Garrison (Bass) und Elvin Jones (Drums), zum ersten Mal ans Tageslicht brachte. Die Resonanz bei Medien und Fans war wie erwartet riesig, das jahrzehntealte Album landete auf Platz 21 der US-Billboard-Charts (Coltranes höchstes Debüt aller Zeiten), führte die Jazz-Charts auf der ganzen Welt an und brachte Coltrane unter die Top-20 der Pop-Charts in Großbritannien, Frankreich, Deutschland, Japan, Italien und vielen weiteren Ländern. Bis dato hat »Both Directions At Once« weltweit mehr als eine Viertelmillion Alben verkauft.

Obwohl es ganz danach aussah, dass es sich hier um einen Jahrhundertfund handelt, hat das Schicksal jetzt ein zweites »Coltrane-Ass« aus dem Ärmel gezogen, denn bei Recherchen im Nachzug zu »Both Directions At Once« fand sich ein weiteres Tonband mit einer bislang komplett unveröffentlichten Session des Meisters.

1964 gingen John Coltrane und sein Classic Quartet in Rudy Van Gelders Studio und nahmen in einem für Coltrane beispiellosen Schritt neue Versionen einiger seiner berühmtesten Kompositionen auf. In dem Jahr, in dem er auch »A Love Supreme« aufnahm, wurde Coltrane von Gilles Groulx, einem kanadischen Filmemacher, kontaktiert. Groulx bereitete seinen Film »Le Chat Dans Le Sac« vor, eine in Montreal spielende Liebesgeschichte mit politischen Untertönen. Groulx, ein eingefleischter Coltrane-Fan, war fest entschlossen, den als schwierig geltenden Saxophonisten einen Soundtrack für seinen Film kreieren zu lassen. Groulx trat über einen persönlichen Kontakt zu Bassist Jimmy Garrison an Coltrane heran, und dieser stimmte erstaunlicherweise zu.

Kurzentschlossen trommelte Coltrane seine Quartett-Kollegen Jimmy Garrison, Elvin Jones und McCoy Tyner direkt zwischen den Aufnahmen für die inzwischen legendären Alben »Crescent« und »A Love Supreme« im Juni '64 in den Van Gelder Studios zusammen um etwas in der Coltrane-Welt Beispielloses zu tun: frühere Werke neu zu interpretieren und aufzunehmen.

Regisseur Gilles Groulx war bei den Aufnahmen anwesend. Heute ist unklar, wie viel kreativen Input der Filmemacher hatte und wie viel kreative Abstimmung zwischen ihm und Coltrane stattfand. Auf ¼-Zoll analogem Mono-Band aufgenommen, wurde die Session am 24. Juni 1964 von Rudy Van Gelder in seinem Studio nicht nur aufgenommen, sondern auch abgemischt und gemastert. Überglücklich nahm Groulx am darauffolgenden Tag das Masterband nach Kanada, obwohl in seinem Film am Ende dann nur zehn Minuten der 37- Minuten Aufnahme Verwendung fanden. Für die weltweit erste Veröffentlichung der Musik wurde »Blue World« jetzt von Kevin Reeves bei Universal Music Mastering in New York vom ursprünglichen Analogband neu gemastert, die Vinyl-Edition wurde von Ron McMaster in den Capitol Studios geschnitten.

»Blue World« demonstriert Coltranes künstlerische Entwicklung zusammen mit seinem Classic Quartet an einem Fixpunkt seiner Karriere. Es ist bezeichnend, dass diese Session zwischen zwei von Coltranes expansivsten, spirituell transzendentesten Platten stattfand, die seine Wahrnehmung von dann an bestimmen sollten.

Eine weitere Coltrane-Entdeckung von Weltgeltung!

Tatsächlich noch ein Album mit unveröffentlichten Studioaufnahmen! Im Juni 1964 (1/2 Jahr vor A Love Supreme) mit seinem klassischen Quartet eingespielt (für einen eher überflüssigen Film), von Rudy Van Gelder aufgenommen/gemixt, remastered von den Originaltapes. Ungewöhnlich für Coltrane: Er nahm dafür alte Stücke aus seinem Repertoire neu auf, die erstmals auf Alben von 1957 bis 1962 erschienen (auf Giant Steps, Traneing In, Coltrane Jazz und Coltrane), freilich bis auf das Titelstück (das eigentlich Out Of This World heißt) in anderen Besetzungen. Großteils in (teils wesentlich) kürzeren Fassungen, es klingt konzentriert, (zumal im Vergleich mit den Originalen) ungeheuer souverän, und meist auch und v.a. irgendwie spiritueller, quasi im Vorgriff auf das, was danach kommen sollte… Und tatsächlich deutlich bis ganz klar (noch) besser! Mit Ausnahme von Blue World, das ich auf ähnlichem Level sehe (aber erheblich anders gespielt!). In diversen Stücken soliert Trane wenig, variiert v.a. das Thema (das aber oft wunderbar), einige erweitern das harmonische Grundgerüst, andere erscheinen in mehrfacher Hinsicht weiterentwickelt. Dabei sind: Das herrliche Naima (2 Versionen; sachte feinfühlige diffizile verzaubernde Schönheit!). Besagtes Titelstück (Classic Trane der Zeit inkl. sehr schneller auch ausbrechender Tonkaskaden, ein aufbrausender Schluß mit leicht freier Tendenz). Like Sonny (agiler, kraftvoller als bekannt, die Latin-Essenz verstärkt). Village Blues (3 Versionen, Blues-basiert, lebendiger, das Original wirkt statischer). Traneing In (wohl das „konventionellste“ Stück hier, trotz avanciertem Spiel gegen Schluß). Fazit: Nicht so essentiell wie Both Directions At Once letztes Jahr, aber erstklassig, und lohnend auf alle Fälle!

(dvd, Glitterhouse)

It's a myth that most artists need a crisis in order to be creative, but there is anecdotal evidence to suggest bad times can trigger someone's need to express themselves. M.C. Taylor has been steadily productive as a songwriter and recording artist with his project Hiss Golden Messenger, creating a strong and expressive body of work since making his debut with Country Hai East Cotton in 2009. But in 2018, Taylor found himself dealing with the death of his father while his long-standing depression ramped up considerably and he began having serious doubts about how his nomadic life as a musician was impacting the lives of his children. The 2019 Hiss Golden Messenger album Terms of Surrender was written and recorded while Taylor was stricken with grief and struggling with his darker emotions, and in a press piece about the album he described the songs as "my therapy and my church." While not all of Taylor's emotional trials are clearly expressed in the lyrics, Terms of Surrender is an album that clearly deals with sorrow and uncertainty. But it's an album that also finds its share of joy in this world, and the music is full of hope and a potent sense of life as a difficult but worthwhile experience. "Whip" clearly deals with the demons that haunted Taylor, but as he sings in his chorus, "I was tired of the whip/Don't you get it?/Don't let it in/It'll change you." And Taylor struggles with uncertainty in "Happy Birthday, Baby," but the love he expresses for his children speaks of a compassion that's vivid even if he can't always extend it to himself. Unlike most Hiss Golden Messenger albums, Taylor's frequent creative partner Scott Hirsch wasn't part of the team for Terms of Surrender, but producer Brad Cook helps Taylor give this music a sound that's natural but clear, present, and inviting, and the musicians (including multi-instrumentalist Phil Cook, Aaron Dessner of the National, and Jenny Lewis) bring a solid groove to the melodies that's easygoing but funky when it wants to be and eloquent when it needs to be. One hopes that M.C. Taylor's dark clouds have parted, but on Terms of Surrender he's taken his troubles and made something beautiful and inspiring out of them. If you want to use music as therapy, this is the way to do it.

(by Mark Deming, All Music Guide)

In den 80ern/90ern der Leader/Sänger der deutlich REM-beeinflußten feinen Miracle Legion (später reformiert). Insgesamt gitarrenorientiert (trotz häufigem Piano/Orgel-Einsatz, selten zudem Bläser/Flöte, Cello, Harmonica) in Richtung beweglichem/werthaltigem gern auch recht einfühlsamem Songwriter-Indie-Pop, manchmal relativ vielschichtig, mal 70er-Einfluß (ob theatralisch und/oder etwas Glam-beeinflußt samt stärkerem Rock-Anteil oder ausnahmsweise im Kern als Piano-Ballade, old-fashioned), mal tendenziell 90er- bzw. College Rock-Elemente. Hinzu kommen ein zartes entzückendes Stück mit Duett-Gast Rain Phoenix, zwischendurch dezente Roots-Anteile sowie ein paar aggressivere Momente, wofür v.a. Gast J. Mascis (Dinosaur Jr, mehrfach dabei, 2x auffällig) zuständig ist. Stimme und Emotionalität sind seine Stärke, daneben einige reizvolle Arrangement-Ideen und Klangfarben, und manch feine Melodie… 1x dachte ich kurz an Jeff Buckley!

(dvd, Glitterhouse)

19er des hier schon öfters besprochenen Kanadiers, auf dem wunderbaren Constellation-Label. Ein weiteres außergewöhnliches Werk eines Singer-Songschreibers, der einen höchst eigenen Weg geht. Gitarrenlastiger als zuvor (gern sehr schön malend), mit entfernten (nur punktuellen/singulären) Erinnerungen an z.B. Astral Weeks, Red House Painters, ruhigsten Bo Hansson bestückt, etwas deutlicher und, 2,3 Mal Tim Buckley (eher frühem sanftem wie dezidiert spätem, im ausnahmsweise entspannt-funkigen Sound mit Songwriter-Appeal der 70er inkl. einem Hauch Fusion). Aber auch die vielen Tasten (E-Piano, Orgel, Synth, Clavinet, Piano) und 3x eine Flöte erfreuen mittels einigen sehr feinen Klängen. Weitgehende ruhige bzw. in sich ruhende bis eminent relaxte Musik, ob elegisch/getragen, introspektiv, dezent schwebend, dreamy/traumverloren, gern einfühlsam, immer wieder bestechend fließend, im großartigen 16-minütigen Opener zunächst auch ganz leise, zart, getupft, bevor sich, bald rein instrumental gehalten, allmählich eine größere Dichte und Intensität entwickelt, in einer Art ganz leicht jazzig wie psychedelisch angehauchten Jam-Meditation im freien Fluß (wobei einiges passiert, Saiten und Tasten sich herrlich durchdringen). Faszinierend! Ansonsten irgendwo zwischen Songwriter-orientiertem Folk/Pop, hier mit einer weiteren kleinen Prise Jazz ergänzt, dort ein Hauch „Outsider-Soul“, in mehrfach ziemlich freigeistigem Ambiente. Sehr schönes überzeugendes Werk! Vinyl: 180g, Art Print Poster.

(dvd, Glitterhouse)

The Planet England EP was under construction for 13 years and marks the first release from Hitchcock since his 2017 self-titled album. It’s the first new album from Partridge since 2012.

“Rather than these two big planets and their similar odd gravities repulsing each other, as might be anticipated. I can cheerfully tell you that it’s been one rather beautiful crashing creative event…that I want to repeat,” Partridge says of the forthcoming EP. “Feels like being in a group again.”

(Andy Partridge)

“Andy and I are the same age and suffer from the same record collection, especially the B’s: Barrett, Beatles, Beefheart,” Hitchcock adds. “Andy is the only person that I can easily write songs with. They simply appear, as if we were at a seance. He’s perhaps more logical than me, but it’s not really a contest, is it? A lot of song-writing is solving a puzzle that you’ve set for yourself; I really enjoy going round to his place in Swindon and puzzling with him. I live just up the road, in Nashville…”

(Robyn Hitchcock)

Vorhang auf, Putzlicht an

Niels Frevert ist wieder da. Fünf lange Jahre nach seinem letzten Longplayer »Paradies der gefälschten Dinge« stellt der deutsche Sänger und Liedermacher sein neues, mittlerweile sechstes Album vor.

»Putzlicht« heißt die Platte, die bei Grönland Records an den Start geht.

Insgesamt elf Songs warten darauf. Mit der Single »Leguane« lieferte Niels Frevert bereits einen ersten Vorgeschmack auf »Putzlicht«.

Und der verspricht ein kraftvoll-poetisches Album zwischen Rock und Pop.

Ein Meisterstück seiner fast 30-jährigen Karriere.

(DPA)

... ein ziemlich gutes Singer-Songwriter-Werk mit unprätentiösen deutschen Texten.

(Audio, Oktober 2019)

›Omnidirectional‹ ist das siebte Album von The Schramms, ein wunderbares Werk, dessen Entstehung sieben Jahre in Anspruch genommen hat. Frontmann, Gitarrist und Songschreiber Dave Schramm hat ein weitreichendes, ambitioniertes Album geschaffen, das langjährige Fans und neue Hörer gleichermaßen begeistern wird.

Schlagzeuger Ron Metz und Bassist Al Greller, die seit Jahren mit Dave in The Schramms spielen, sind ebenso beteiligt wie der erfahrene Produzent JD Foster (Lucinda Williams, Richard Buckner, Calexico, Marc Ribot). Dave Schramm ist vielleicht noch immer am besten bekannt als Gründungsmitglied und Leadgitarrist von Yo La Tengo. Außerdem hat er mit einer Reihe bekannter Künstler von den Replacements bis Richard Buckner gearbeitet.

In den vergangenen Jahren hat er den Radio Free Song Club mit Songschreiberin Kate Jacobs und Discjockey Nicholas Hill gegründet, eine erfolgreiche Radiosendung und Podcast, die Songschreibern wie Victoria Williams, Peter Holsapple, Freedy Johnston, Laura Cantrell, Robin Holcomb, Howe Gelb, Peter Blegvad, Jody Harris, Don Piper, Amy Allison, Amy Rigby und Wreckless Eric eine Plattform bietet.

Seit ihrer letzten Veröffentlichung waren die Schramms gut beschäftigt. ›Omnidirectional‹ wurde über die Jahre in verschiedenen Sessions aufgenommen. Das Ergebnis zeigt, dass es eine Arbeit voller Liebe und Leidenschaft war, die sich gelohnt hat.

Mit allen alternativen Wurzelwassern gewaschenes Singer-Songwriter-Folk-Pop-Roots-Rock-Wunderwerk aus der Feder des Yo La Tengo-Mitbegründers und Leadgitarristen Dave Schramm, der wie dies bereits siebte Studio-Vollwerk mehr als nachdrücklich belegt in der mittelfesten Formation unter seinem eigenen guten Namen längst sein bequemes Zuhause und eine perfekte Spielwiese für seine herrlich grenzarmen Americana-Phantasien gefunden hat. In der Begleitung der Dauer-Schramms Ron Metz (Schlagwerk) und Al Greller (Bass) und in den erfahrenen Produktionshänden von JD Foster (Lucinda Williams, Calexico, Richard Buckner) spielte der vielbeschäftige Seiten- & Saitenmann ein wundervoll vielschichtiges Wurzel- & Wüstenwerk ein, das mühelos zwischen zerbrechlicher Kings Of Convenience-Zartheit, seelenrührender Joe Pernice-Perfektion, romantischer Rufus Wainwright-Wehmut, verspielter später XTC-Kunstfertigkeit, vielharmonischem Beach Boys- und flirrendem Psyche-Pop, packendem Pub- und klarem Country-Rock und griffigen-deftigen Crazy Horse-Gitarrenriffs variiert, während Dave als weich-warmherziger Sänger auch in streicherweichen Balladen oder zur klassischen Klarinette eine prächtige Vokal-Figur abgibt. Ein gelungenes Dutzend großartiger Songs, von erfahrungsreicher Phantasie beseelt und bemerkenswert eingängigen Melodien gekrönt. Ein wahrer Schmuck der weiterhin lebendigen Blue Rose-Label-Geschichte.

(cpa, Glitterhouse)